Blue Shoe Strings – For A Bottle Of Coke

I Blue Shoe Strings sono un quartetto di Padova nato nel 2012 e questo loro primo lavoro discografico autoprodotto, è uscito originariamente nel giugno del 2013 ma grazie a Dischi Sottorranei prende nuova vita in una edizione limitata nel 2014. Il nome del gruppo padovano è un’autentica citazione a Son House e si rifà all’aneddoto del noto bluesmen originario del Mississippi (1902-1988) che in cambio di alcuni suoi pezzi ricevette in compenso soltanto una bottiglia di Coca Cola (leggendarie sono le sue registrazioni anni ’20 e anni ’30 a 78 giri per la Paramount che però in quegli anni versava in cattive condizioni e per Alan Lomax e la Library Of Congress). Il gruppo ha intrapreso un’intensa attività live che li ha portati a suonare nel dicembre del 2013 in Inghilterra ed in diversi locali londinesi. Fin dalle prime note dell’introduzione e di Get Lost scopriamo una band aggressiva e dai riff accattivanti. In Get Lost il sound della chitarra è lancinante ed il cantante Epa s’esprime in maniera estrema. Me O’ My, Me O’ Blues (il titolo originario era M. & O’ Blues e fu inciso da Willie Brown nel 1930 per la Library of Congress) si contraddistingue per le sonorità ed i suoi effetti feedback. Il combo padovano rilegge questi classici di blues arcaico degli anni ’20 e ’30 in chiave violenta per un garage blues ed un rock blues dal suono ipnotico come in It Ain’t.

The Knife è un funky rock ossessivo in cui Epa canta in maniera dissacrante con la sezione ritmica a colpire con il giusto groove. Fa eccezione Dead Love’s Tree, una ballata romantica, poi si ritorna a ritmi incalzanti e taglienti. Kimberley Road Blues è un poderoso esempio di psichedelic rock blues dal suono corrosivo e con la chitarra slide acida di Giovanni Fabris a ricordare il miglior Steve Wynn, i Dream Syndacate ed il loro Paisley Underground. John The Revelator, originariamente un traditional di matrice religiosa (un gospel blues in cui si evoca l’Apostolo John talvolta chiamato The Beloved o The Revelator e che fu interpretata nel 1930 da Blind Willie Johnson e in seguito più volte da Son House nel 1965 in versione a cappella), è qui invece riarrangiata e profondamente trasformata in una dissacrante versione rock grunge. In chiusura The Strings Go in cui le ruvide trame chitarristiche confermano un sound viscerale e decisamente heavy garage a ricordare gruppi come i Bud Spencer Blues Explosion ossia una band di alternative rock/punk blues.

Notizie recenti danno i Blue Shoe Strings assai attivi e a quintetto con Epa voce solista, Johnny alla chitarra, Gio alla batteria, Bejor al basso e Bonny al synth. For A Bottle Of Coke è un album maturo e prorompente (di solo 38 minuti) che fa ben sperare per il futuro della band che aspettiamo però alla prossima incisione e alla riconferma delle loro velleità artistiche.

Ulisse Schiavo – Viscera

Voce e chitarra ma qualcosa di più di un semplice cantautore. Di solito giri di Do o riff che ti restano in mente per giorni si regalano per il solo scopo di fare breccia nei cuori degli ascoltatori (medi) di musica italiana. Ulisse Schiavo invece punta a liriche in inglese, ad un impatto fortemente emotivo, ad una buona dose di arrangiamenti che non stravolgono la sua essenza folk ma danno quel sale in più alla proposta di un musicista che può essere riconosciuto a prima occhiata come un cantautore. In più secchiate di blues arricchiscono (o meglio scoloriscono, dato il retrogusto vintage) la musica di Ulisse Schiavo che in alcuni momenti dà la possibilità anche alla sei corde elettrica di sfogarsi, abbandonando quel sapore esclusivamente acustico e usando la chitarra come doppio strumento, assoli e arrangiamenti che si danno il cambio vicendevolmente. E allora niente nenie e roba del genere: Distand Blues dice molto già dal titolo, ritmo catchy e un piede che non riesce a fermarsi, buone parti vocali con testi semplici (forse un po’ troppo). Strano (o particolare, scegliete voi) l’accento di Ulisse che sa di Jamaica e di slang americano, probabilmente una scelta stilistica che suona diversa rispetto a chi vuole mettere al centro la propria voce e per farlo deve essere sicuro di una fonetica impeccabile.

Il crescendo di Freedom con la sua orgia di strumenti acustici è un momento emozionante dell’EP e nella quasi strumentale Wasted il sapore americano della chitarra viene a galla e ci conquista. E con un moniker così, Ulisse Schiavo non poteva scegliere copertina più azzeccata: Ulisse, legato, che si dimena mentre resiste al richiamo delle sirene. Sarà così ammaliante la musica di Ulisse Schiavo dal vivo?

Fried Okra Band – Back Into The River

Iniziamo a liberare gli scheletri nell’armadio dei Fried Okra Band, band danese che al decimo anno di attività pubblica l’album Back Into The River. Innanzitutto non si tratta di un progetto solista, Fried Okra non è il nome di uno dei suoi componenti; inoltre va detto che si tratta di un trio davvero particolare, privo di basso, in cui le sonorità si collocano su un secondo piano rispetto alle ambientazioni e alle sfumature. Il titolo dell’album suggerisce input precisi che riscontriamo poi nella loro musica: infatti il “river” citato fa riferimento, più o meno esplicito, alla scena blues del Mississippi e qui di blues ce n’è tanto, anche se è privo del tipico groove a cui siamo abituati. I ritmi si fanno assuefatti, in moviola, e talvolta le chitarre “giocano sporco” per cercare di riempire il suono, per cercare il rock. Così i rimandi, citati nella loro biografia, a Jack White e The Black Keys sono correttissimi e fanno intuire le opzioni datate di cui i Fried Okra Band fanno incetta; nei momenti più agitati, come Don’t Go North o What’s Wrong, possiamo accostarli ai nostrani The Cyborgs anche se Back Into The River è all’asciutto di boogie.

I Never Felt Lost è una ninna nanna lisergica che sembra uscita dalla mente di Nick Cave, mentre in Who Is It For entrano dei richiami alla psichedelia pinkfloidiana, momenti questi particolari per un album che procede grosso modo sul blues rallentato e per certi versi angosciante. Pochi infatti sono i passaggi che inseguono trame allegre, come My Kind Of Woman: il trio tenta di aprirsi a composizioni lente e in parte emotive con talvolta una batteria presente ma che viene trascinata dalle chitarre, e non viceversa.

Un buon lavoro che richiama il passato, il polveroso e straziante blues, di quello fangoso e cadenzato. Da ascoltare in campagna o in qualunque altro posto in cui le lancette dell’orologio non hanno fretta di correre.

The Cyborgs – Extreme Boogie

All’interno del fenomeno dei duo project, a cui noi dedichiamo ampio spazio tramite la nostra RockGarage Radio, la formazione più misteriosa, più stravagante riguardo al genere proposto ma al tempo stesso più realista per i temi trattati sono i The Cyborgs. Un duo mascherato ma che non c’entra nulla con il metal, una realtà che ha le idee chiare, che parla di “fine del mondo” ma che poi preferisce il codice binario per esprimersi, un combo che ha un animo rock ma che si cela dietro il motto “se non balli non c’è futuro…“. Contraddizioni (piacevoli) a parte, i The Cyborgs sono tornati, già forti delle tantissime date dal vivo realizzate con la loro precedente uscita; ma cosa si aspetterebbe l’incauto ascoltatore che vede per la prima volta questa formazione? Modernità (in parte c’è) e forse rock duro o metal! Sbagliato perché Zero e Uno (questi i nomi “in codice” dei due artisti) si muovono all’interno della scena blues e lo fanno spolverando tutte le vecchie regole del genere, pentatoniche comprese. Rock? A rigor di logica, grazie alla loro carica esplosiva, ci sarebbe anche quello ma è il blues (e il boogie come suggerisce il titolo del nuovo album) che fa da protagonista.

Extreme Boogie è un album concepito da un duo ma che all’ascolto sembra realizzato da una band al completo (sarà forse il risultato dei molteplici arti rappresentati nell’artwork?), tredici tracce di musica trascinante, con una voce lastricata di effetti che offre un contrasto emozionante rispetto alla classicità del blues proposto. Restare immobili sotto Cadillac (un titolo azzeccatissimo per ciò che trasmette il brano) o sotto Spanish Is Sexy (che ricorda alla grande gli ZZ Top più in forma che mai, insieme anche alla ruvida Up Down Left Right) è praticamente impossibile anche se a noi piace segnalare SOS per i suoi cambi di tempo. Sarebbe un peccato non citare anche Cyborg Boy che rallenta i ritmi e ringrazia Lou Reed per quanto ci ha regalato nel passato (remoto) e infine Zero Blues che abbraccia il blues più classico con delle linee vocali che citano la strafottenza di Mick Jagger.

Un album da bere tutto di un sorso, senza starci troppo a pensare e ballare perché questa musica fa muovere i fondo schiena e, diciamolo, è fatta principalmente per un ambito live. Ma niente paura, se siete fortunati troverete i The Cyborgs nei dintorni della vostra città, dentro magari un UFO o con una saldatrice in mano. Quello è il momento di seguirli e ascoltare la loro musica.

Papaslide – Deepest Pain

Il cielo è blues sopra la Norvegia. Di nuovo, perché Rune Nordvik è tornato con Deepest Pain, il successore di What Are We Living For?, uscito nel 2011. Tra le 12 tracce dell’album, cinque sono cover, tributo ad Albert Collins (Give Me My Blues), Mark Knopfler (Six Lama) ed al maestro idolo di una vita, Johnny Winter (Master Mechanic, If You Got A Good Woman, Serious As A Heart Attack). Ci troviamo di fronte quindi al solito buon vecchio blues. Un motore affidabile come pochi che Nordvik ha tentato di manipolare inserendo elementi più rock. La voce cartavetrata del singer rende convincente ogni traccia, anche se a volte non riesce a regalare quel pathos degno del genere blues. Alla chitarra il tributo di una vita a Johnny Winter appare chiaro, che ascoltandolo strizzerebbe l’occhio in segno di approvazione. Bjarte Aasmul dal canto suo pennella gli assoli con grande cura senza creare trame estasianti, ma procedendo lungo la strada sicura dei vecchi maestri. La sezione ritmica procede in modo sapiente per tutto l’album sapendosi mantenere nella giusta posizione senza strafare.

E’ sempre piacevole notare come ormai i confini della geografia musicale non esistano più, e scoprire per esempio che il buon blues risieda anche in Scandinavia. Deepest Pain rappresenta un buon mix di elementi di canzoni blues, rock e folk che a tutti gli appassionati del genere lascerà più di un sorriso sulla faccia.

Diablues And Fàntas – When The Harmonica Add Cracks

Tra le colline di due stati, un gruppo di quattro, otto, dodici uomini suona il blues per le loro famiglie ed i loro amici. Girano le enoteche, i pub, cercano di far vivere il blues attorno a loro, anche passandoselo di padre in figlio, riascoltano vecchi nastri e soprattutto ne incidono di nuovi. Dove c’è fermento nascono le nuove band ed i Diablues And Fàntas hanno portato il blues che risuonava tra i colli orientali friulani ad un incrocio con un suono molto più rock’n’roll, psichedelico ed elaborato. Il cuore della band è un power trio, Baron Carlettosef, Mattro Manùt ed il Dottor Manuzzo ma è proprio quest’ultimo che ha fondato la band assieme all’armonicista Piccovùk (il misterioso assente, di cui parleremo poi…). Nati come duo di street buskers, chitarra ed armonica, dedicati alla reinterpretazione dei classici del blues, si fanno prendere la mano dalla scena di amici ed intenditori che si stringe attorno a loro, arrivando addirittura ad arruolare musicisti durante una prima serie di concerti a metà fra il cabaret ed il rito satanico; così entrano a far parte del gruppo il bassista ed il batterista: i Fantàs.

9 mesi di gestazione, da fine 2013 a luglio 2014, danno vita a When The Harmonica Add Cracks, sette tracce inedite inspirate dalle loro live session di grandi classici e da una sfilza di prove al 2+2 Recording Studio di Enrico Perusin. Super Mixer analogico, pulizia ed il minimo di attrezzatura per ottenerla. La band dichiara che non è servito spiegare nulla ad Enrico, era abile, interessato al progetto ed ha sostenuto in prima persona tutti i costi di realizzazione. When The Harmonica Add Cracks è stato registrato registrato in presa diretta, con il minimo di sovraincisioni, una batteria jazz fatta bene, qualche piccolo segreto chitarristico ed un suono particolare. Tutte cose che possiamo apprezzare nella prima traccia: Majestic Queen, solido ed elegante blues ibridato con chitarre hendrixiane, un convenevole, prima di scendere in profondità. Dalla seconda traccia in poi le ritmiche si fanno più sghembe, gli swing sono malati, irregolari, la chitarra si colora e anima diverse melodie, vibranti, strane.e soprattutto entra la voce molto rock’n’roll del Dottor Manuzzo. Where The Yellow Coins Are Buried, Sciarfless Leader, Half Man Half Son’g sono armate di voce roca, chitarre e bassi caldi e distorti, ti avvolgono in un sogno pesante ed impossibile. Testi psichedelici e tematiche surreali non mancano, Half Man Half Son’g è un trip degno di uno sceneggiato sci-fi mentre Pink Devils e Wild Pleasures sono canzoni gemelle, un lungo discorso su paranoie e piaceri accompagnate da una pacca sonora costante, la cavalcata senza fine, che contraddistingue il buon rock’n’roll. Ritmo, pochi effetti, una batteria con un vero charleston degli anni ’30, un’impronta costante data dai classici amplificatori Orange ed alcuni strumenti di liuteria, sono il loro punti di riferimento (cit. la “Frankenstein” del Dottor Manuzzo – pickup potenziati, circuito hackerato, ronza assicurata.).

Come rivela la track finale Simple Things uno dei loro motti è “Enjoy the party instead”, spalleggiati dal Blues Club 356, le osterie della zona e la cricca locale oramai in molti conoscono sia i loro live che il loro suono. Il Blues Club 356 (come la strada provinciale 356), non ha una sede, la sede originale non c’è più, sono i vari personaggi tra musicisti, gente che lo fa come secondo lavoro, o folli appassionati che si stanno aggregando in una scena senza garanzie o obbligo di presenza tra i filari, non i campi di cotone e tra di loro i Diablues. Nella presente edizione dell’album viene soppressa la traccia di armonica, la prossima ne vedrà l’inserimento ed inoltre la partecipazione di molti lodati ospiti selezionati tra i componenti del Blues Club 356.

Infine dopo un anno di lavoro con i Diablues il Dottor Manuzzo dichiara per inciso: (visto che ho avuto la fortuna di poterci parlare di persona…) “si hanno sudato, ma si sono lavati ed hanno cambiato gli abiti appena possibile. Ogni tanto hanno usato anche del profumo per attirare le femmine”.

The Blind Catfish – The King Of The River

Il quintetto che prende il nome di The Blind Catfish ci regala delle grandi emozioni con l’album d’esordio The King Of The River. Sì perché di solito le realtà emergenti che omaggiano la “scena del Mississippi” (di cui abbiamo ampiamente parlato con questo articolo) lo fanno ancorate alle loro radici, come se il blues fosse nato e morto in quegli anni e non avesse diritto ad un futuro. i The Blind Catfish ce lo propongono in chiave rock, quindi commestibile anche per chi si accinge a scoprire nuove band che parlino un linguaggio più giovane. Attenzione però a non fraintenderci: Questa formazione ha talento e sa di certo che non bisogna calpestare il rock blues delle origini e quello più storico: lezioni di The Blues Brothers, Creedence Clearwater Revival, Gary Moore si ritrovano in questo lavoro ed è bello vivere l’elettricità di questi brani, gli assoli in pentatonica che fanno entrare in trance, i watt che aumentano. Nomi storici certo però con una musica riproposta, a nostro parere, in modo che possa piacere a tutti, anche se si sa che il rock blues (suonato bene) potrebbe far muovere chiunque.

Bella la produzione, bello il nome dell’album che richiama la scelta che i ragazzi hanno voluto fare del proprio moniker, belle le influenze quasi hip hop nell’intermezzo di Finding Emily (per chi pensasse che questa band è ferma immobile sul proprio sound), bella anche Belong To You, una ballad particolare che dimostra tutta la saggezza in fase compositiva del combo. Ascoltare brani come Red Pants Panda o Late Night With The Cat ti dà una carica incredibile: indipendentemente da quanto ami il blues, vieni trascinato ed è difficile restare fermi ad ascoltare. Convincente anche la voce di Pietro Pivetti, calda ma per nulla scontata per questo genere, la ciliegina sulla torta per un sound davvero persuasivo.

Ma al di là della loro energia c’è un momento che vale l’acquisto dell’album: la cover di Billie Jean di Michael Jackson, praticamente il brano che ha avuto il successo commerciale maggiore nella sua intera discografica e che ha rappresentato gli anni ottanta nel complesso. Qui viene stravolta e viene eliminato lo spirito ballabile del brano che Jackson aveva fortemente voluto (lavorando per settimane al suo giro di basso e agli arrangiamenti) e sta proprio qui la genialità. Perché si tratta di un brano triste che parla di una storia di una stalker e di uno dei primi numerosi scandali che la famiglia Jackson ha dovuto vivere. I The Blind Catfish la reinterpretano nello stato d’animo giusto, quello che forse provava Michael Jackson quando componeva questo capolavoro. Solo per questo si meritano tutta la nostra stima.

Freddy And The Phantoms – Times Of Division

Le radici del blues affondano anche nella fredda terra danese, Copenaghen per essere precisi, facendo germogliare il sound dei Freddy And The Phantoms con il loro terzo album Times Of Division. Questo disco fonde piacevolmente riff duri col blues vecchio stampo, creando sonorità molto orecchiabili e alla portata di tutti. Senza preamboli, l’album si apre con la title-track Times Of Division, forse il miglior brano perché unisce senza forzature vari generi ricordando ora il sound degli Eagles, ora quello dei Doors nella parte strumentale, con un timbro di voce tipicamente anni ’70. Davvero ben fatto. Nel secondo brano, Borderline Blues, si definisce con più decisione il genere con stacchi di sola voce tipicamente blues, un pezzo piacevole tanto quanto Down Down Down dal ritornello assolutamente radiofonico. In The Attic ha un inizio pressoché uguale alla mitica Back Door Man dei Doors, un particolare che va senza dubbio a loro sfavore, perché proprio l’inizio di questo brano di Morrison e Co. è senza dubbio inconfondibile. Ne esce fuori, però, un sound molto pinkfloydiano complice anche la voce e tastiere molto psichedeliche. Si ritorna al blues con No One To Blame e No Time per passare poi alla flebile Sinking Ship, da ascoltare al tramonto, e alla decisa Morning Sun che chiude l’album.

Disco assolutamente piacevole questo dei danesi Freddy And The Phantoms, coraggiosi nel seguire la propria matrice blues ma non restandone ancorati, cercando di osare e di iniettare nei giusti momenti altre sonorità senza dubbio a loro care. Questo album è per tutti, di facile ascolto e senz’altro da festival, non stanca e può essere lasciato tranquillamente come sottofondo senza disturbare, anzi, massaggia piacevolmente le menti.

Four Tramps – Tramps & Thieves

Un quartetto italiano i Four Tramps che attinge sicuramente al rock e al blues americano. Nascono nel 2011 a Reggio Emilia. Il gruppo non tralascia le sonorità di certa musica esplosiva inglese anni ’70 con una virata verso la musica punk ma soprattutto hanno un’anima blues malinconica che non guasta affatto. Dopo aver realizzato un demo che distribuivano ai loro concerti gratuitamente ecco il primo album ufficiale. Un disco registrato e mixato ai Vox Recording Studios di Reggio Emilia ed interamente autoprodotto. La band è composta da Simone Montru Montruccioli, Davide Guzzo Guzzon, Elia Ezzy Braglia e Osiris Joe, tutti italiani ed emiliani D.O.C. Testi rigorosamente in inglese che parlano delle sventure della vita, di chi lotta con se stesso, si parla di armi nelle mani di un bambino di nove anni che uccide la propria sorella con un epilogo tragico nell’iniziale 22 Crickett My First Rifle, di Belgrave Road a Londra e di certi hotel schifosi, una vita tribolata dove i demoni vengono sempre a pescarti. Ladri E Vagabondi è il tema del disco e dei Four Tramps che in ogni canzone parlano e raccontano di esperienze grame, di birra e whiskey, di rock and roll e duro lavoro, trasgressori ed emarginati e dei poliziotti che vengono sempre a braccarti, a scovarti e forse ti puoi attaccare ed aggrappare soltanto al blues.

I “lost faith i lost hope” (ho perso la fede e la speranza ) “fifty years of hard work and now are just ruins and dust” (50 anni di duro lavoro e restano soltanto rovine e polvere) cantano in Tremblin’ Land Blues e tutto si fa maledettamente serio e senza prospettive, senza sbocchi anche se alla fine parlano di una donna con cui costruire un nuovo futuro! Blues è sinonimo di povertà, dolore, malinconia, tristezza, ribellione, protesta contro la sottomissione, una musica sentimento nata dagli stati d’animo dei neri nelle piantagioni di cotone e che cerca di sfogare e alleviare le sofferenze giornaliere ed esprimere il forte desiderio di un futuro migliore. Muddy Waters diceva che “il blues parla di gente fottuta“, vediamo di non essere tragici per definizione. Blues è sinonimo anche di suoni, di ritmi e linguaggi avvincenti ed imperdibili. Tornando ai Four Tramps, in Me And The Devil # 2 al quartetto si aggiunge l’organo hammond di Fonta. All’interno del disco ci sono i testi ed una loro foto emblematica con la scritta in sottofondo Mississippi che la dice lunga sulla storia del blues e del Delta del fiume Mississippi che nasce a nord del Minnesota attraversa l’America settentrionale centrale (in dieci stati: Minnesota, Kentucky, Tennessee,Wisconsin, Illinois, Iowa, Missouri, Arkansas, Mississippi, Louisiana) dove è nato il blues e sfocia nel Golfo del Messico dopo oltre 3.700 chilometri. Tramps And Thieves oltre ai testi già descritti dispensa una musica solida, corposa. Se l’anima è blues, il corpo è decisamente rock.

Ciò che è evidente è che parliamo di un quartetto ben strutturato, ogni strumento è in particolare evidenza e la musica scivola via lineare in un ensemble davvero notevole. Piace molto l’iniziale 22 Crickett My First Rifle o Tramps And Thieves che dà il titolo all’album ma in ogni traccia c’è un marchio di fabbrica consolidato e direi proprio di segnalare Last Day Of Freedom dove le due chitarre di Simone Montru Montruccioli e Davide Guzzo Guzzon svettano in un sound lancinante accompagnati da un basso fragoroso e un drumming torrenziale e puntiglioso. Moonshiner In Love è un rock tradizionale con un assolo di batteria del bravissimo Osiris Joe ad introdurre il brano. Il Moonshiner per chi non lo sa è un personaggio d’altri tempi, soprattutto negli Stati Uniti, una persona dimentica dopo il proibizionismo che distillava liquori e whisky di frodo, clandestinamente, una sorta di contrabbandiere e distillatore che produceva e vendeva liquori da fuorilegge e ci rimanda agli anni 20 e ’30.

In Tremblin’ Land Blues spuntano la slide guitar e l’armonica a caratterizzare un sound made in U.S.A. ma si riferisce alle tragedie della loro Emilia ed alla voglia di ripartire e non soccombere. I Four Tramps propongono riff vorticosi e sonorità incalzanti e trascinanti con canzoni piene di metafore, contrasti e frustrazioni. Un gruppo da seguire attentamente ed un disco consigliato a tutti coloro a cui piace la vera musica rock, blues e rock and roll intensa, ipnotica, accattivante.

The Blue Lads – Hero

Da poco più di un mese è uscito l’EP dei The Blue Lads un gruppo che sembra stupirci poco sulla carta. Gavetta da cover band e moniker che richiama direttamente le loro radici blues. Eppure l’EP, nonostante sia costituito da sole 4 tracce, ci piace. Bello perché mescola la tradizione blues, quella che ha scritto ottime pagine grazie a nomi ingombranti (a proposito a questa pagina un nostro articolo in merito) e il rock più moderno; come a dire l’immancabile pentatonica da un lato e il rock elettrico dall’altro con linee vocali che colano groove e si lasciano cantare. Hero non è solo riff e ritmi trascinanti ma anche dei suoni pulitissimi resi così grazie ad una produzione di alto livello. Lati negativi? Sì, le lame fanno affilate e il sound personalizzato ulteriormente. Gli assoli sono un po’ troppo derivativi per il genere e siamo sicuri che con una ricercatezza maggiore la band riesca a crearsi un proprio stile personale e, senza tradire del tutto il blues, crearsi un seguito anche per chi non apprezza del tutto questo genere e tende ad ascoltare un rock più duro.

Bella la cavalcata impostata da Boogie At 5 che rispecchia l’idea che proponevamo noi qualche riga fa e lancia il power-trio verso territori infuocati on stage, ma anche l’opener esprime un’ottima dose di energia. Una band da tenere sott’occhio a patto che ci offra qualcosa di nuovo.