Diablues And Fàntas – When The Harmonica Add Cracks

Tra le colline di due stati, un gruppo di quattro, otto, dodici uomini suona il blues per le loro famiglie ed i loro amici. Girano le enoteche, i pub, cercano di far vivere il blues attorno a loro, anche passandoselo di padre in figlio, riascoltano vecchi nastri e soprattutto ne incidono di nuovi. Dove c’è fermento nascono le nuove band ed i Diablues And Fàntas hanno portato il blues che risuonava tra i colli orientali friulani ad un incrocio con un suono molto più rock’n’roll, psichedelico ed elaborato. Il cuore della band è un power trio, Baron Carlettosef, Mattro Manùt ed il Dottor Manuzzo ma è proprio quest’ultimo che ha fondato la band assieme all’armonicista Piccovùk (il misterioso assente, di cui parleremo poi…). Nati come duo di street buskers, chitarra ed armonica, dedicati alla reinterpretazione dei classici del blues, si fanno prendere la mano dalla scena di amici ed intenditori che si stringe attorno a loro, arrivando addirittura ad arruolare musicisti durante una prima serie di concerti a metà fra il cabaret ed il rito satanico; così entrano a far parte del gruppo il bassista ed il batterista: i Fantàs.

9 mesi di gestazione, da fine 2013 a luglio 2014, danno vita a When The Harmonica Add Cracks, sette tracce inedite inspirate dalle loro live session di grandi classici e da una sfilza di prove al 2+2 Recording Studio di Enrico Perusin. Super Mixer analogico, pulizia ed il minimo di attrezzatura per ottenerla. La band dichiara che non è servito spiegare nulla ad Enrico, era abile, interessato al progetto ed ha sostenuto in prima persona tutti i costi di realizzazione. When The Harmonica Add Cracks è stato registrato registrato in presa diretta, con il minimo di sovraincisioni, una batteria jazz fatta bene, qualche piccolo segreto chitarristico ed un suono particolare. Tutte cose che possiamo apprezzare nella prima traccia: Majestic Queen, solido ed elegante blues ibridato con chitarre hendrixiane, un convenevole, prima di scendere in profondità. Dalla seconda traccia in poi le ritmiche si fanno più sghembe, gli swing sono malati, irregolari, la chitarra si colora e anima diverse melodie, vibranti, strane.e soprattutto entra la voce molto rock’n’roll del Dottor Manuzzo. Where The Yellow Coins Are Buried, Sciarfless Leader, Half Man Half Son’g sono armate di voce roca, chitarre e bassi caldi e distorti, ti avvolgono in un sogno pesante ed impossibile. Testi psichedelici e tematiche surreali non mancano, Half Man Half Son’g è un trip degno di uno sceneggiato sci-fi mentre Pink Devils e Wild Pleasures sono canzoni gemelle, un lungo discorso su paranoie e piaceri accompagnate da una pacca sonora costante, la cavalcata senza fine, che contraddistingue il buon rock’n’roll. Ritmo, pochi effetti, una batteria con un vero charleston degli anni ’30, un’impronta costante data dai classici amplificatori Orange ed alcuni strumenti di liuteria, sono il loro punti di riferimento (cit. la “Frankenstein” del Dottor Manuzzo – pickup potenziati, circuito hackerato, ronza assicurata.).

Come rivela la track finale Simple Things uno dei loro motti è “Enjoy the party instead”, spalleggiati dal Blues Club 356, le osterie della zona e la cricca locale oramai in molti conoscono sia i loro live che il loro suono. Il Blues Club 356 (come la strada provinciale 356), non ha una sede, la sede originale non c’è più, sono i vari personaggi tra musicisti, gente che lo fa come secondo lavoro, o folli appassionati che si stanno aggregando in una scena senza garanzie o obbligo di presenza tra i filari, non i campi di cotone e tra di loro i Diablues. Nella presente edizione dell’album viene soppressa la traccia di armonica, la prossima ne vedrà l’inserimento ed inoltre la partecipazione di molti lodati ospiti selezionati tra i componenti del Blues Club 356.

Infine dopo un anno di lavoro con i Diablues il Dottor Manuzzo dichiara per inciso: (visto che ho avuto la fortuna di poterci parlare di persona…) “si hanno sudato, ma si sono lavati ed hanno cambiato gli abiti appena possibile. Ogni tanto hanno usato anche del profumo per attirare le femmine”.

The Blind Catfish – The King Of The River

Il quintetto che prende il nome di The Blind Catfish ci regala delle grandi emozioni con l’album d’esordio The King Of The River. Sì perché di solito le realtà emergenti che omaggiano la “scena del Mississippi” (di cui abbiamo ampiamente parlato con questo articolo) lo fanno ancorate alle loro radici, come se il blues fosse nato e morto in quegli anni e non avesse diritto ad un futuro. i The Blind Catfish ce lo propongono in chiave rock, quindi commestibile anche per chi si accinge a scoprire nuove band che parlino un linguaggio più giovane. Attenzione però a non fraintenderci: Questa formazione ha talento e sa di certo che non bisogna calpestare il rock blues delle origini e quello più storico: lezioni di The Blues Brothers, Creedence Clearwater Revival, Gary Moore si ritrovano in questo lavoro ed è bello vivere l’elettricità di questi brani, gli assoli in pentatonica che fanno entrare in trance, i watt che aumentano. Nomi storici certo però con una musica riproposta, a nostro parere, in modo che possa piacere a tutti, anche se si sa che il rock blues (suonato bene) potrebbe far muovere chiunque.

Bella la produzione, bello il nome dell’album che richiama la scelta che i ragazzi hanno voluto fare del proprio moniker, belle le influenze quasi hip hop nell’intermezzo di Finding Emily (per chi pensasse che questa band è ferma immobile sul proprio sound), bella anche Belong To You, una ballad particolare che dimostra tutta la saggezza in fase compositiva del combo. Ascoltare brani come Red Pants Panda o Late Night With The Cat ti dà una carica incredibile: indipendentemente da quanto ami il blues, vieni trascinato ed è difficile restare fermi ad ascoltare. Convincente anche la voce di Pietro Pivetti, calda ma per nulla scontata per questo genere, la ciliegina sulla torta per un sound davvero persuasivo.

Ma al di là della loro energia c’è un momento che vale l’acquisto dell’album: la cover di Billie Jean di Michael Jackson, praticamente il brano che ha avuto il successo commerciale maggiore nella sua intera discografica e che ha rappresentato gli anni ottanta nel complesso. Qui viene stravolta e viene eliminato lo spirito ballabile del brano che Jackson aveva fortemente voluto (lavorando per settimane al suo giro di basso e agli arrangiamenti) e sta proprio qui la genialità. Perché si tratta di un brano triste che parla di una storia di una stalker e di uno dei primi numerosi scandali che la famiglia Jackson ha dovuto vivere. I The Blind Catfish la reinterpretano nello stato d’animo giusto, quello che forse provava Michael Jackson quando componeva questo capolavoro. Solo per questo si meritano tutta la nostra stima.

Freddy And The Phantoms – Times Of Division

Le radici del blues affondano anche nella fredda terra danese, Copenaghen per essere precisi, facendo germogliare il sound dei Freddy And The Phantoms con il loro terzo album Times Of Division. Questo disco fonde piacevolmente riff duri col blues vecchio stampo, creando sonorità molto orecchiabili e alla portata di tutti. Senza preamboli, l’album si apre con la title-track Times Of Division, forse il miglior brano perché unisce senza forzature vari generi ricordando ora il sound degli Eagles, ora quello dei Doors nella parte strumentale, con un timbro di voce tipicamente anni ’70. Davvero ben fatto. Nel secondo brano, Borderline Blues, si definisce con più decisione il genere con stacchi di sola voce tipicamente blues, un pezzo piacevole tanto quanto Down Down Down dal ritornello assolutamente radiofonico. In The Attic ha un inizio pressoché uguale alla mitica Back Door Man dei Doors, un particolare che va senza dubbio a loro sfavore, perché proprio l’inizio di questo brano di Morrison e Co. è senza dubbio inconfondibile. Ne esce fuori, però, un sound molto pinkfloydiano complice anche la voce e tastiere molto psichedeliche. Si ritorna al blues con No One To Blame e No Time per passare poi alla flebile Sinking Ship, da ascoltare al tramonto, e alla decisa Morning Sun che chiude l’album.

Disco assolutamente piacevole questo dei danesi Freddy And The Phantoms, coraggiosi nel seguire la propria matrice blues ma non restandone ancorati, cercando di osare e di iniettare nei giusti momenti altre sonorità senza dubbio a loro care. Questo album è per tutti, di facile ascolto e senz’altro da festival, non stanca e può essere lasciato tranquillamente come sottofondo senza disturbare, anzi, massaggia piacevolmente le menti.

Four Tramps – Tramps & Thieves

Un quartetto italiano i Four Tramps che attinge sicuramente al rock e al blues americano. Nascono nel 2011 a Reggio Emilia. Il gruppo non tralascia le sonorità di certa musica esplosiva inglese anni ’70 con una virata verso la musica punk ma soprattutto hanno un’anima blues malinconica che non guasta affatto. Dopo aver realizzato un demo che distribuivano ai loro concerti gratuitamente ecco il primo album ufficiale. Un disco registrato e mixato ai Vox Recording Studios di Reggio Emilia ed interamente autoprodotto. La band è composta da Simone Montru Montruccioli, Davide Guzzo Guzzon, Elia Ezzy Braglia e Osiris Joe, tutti italiani ed emiliani D.O.C. Testi rigorosamente in inglese che parlano delle sventure della vita, di chi lotta con se stesso, si parla di armi nelle mani di un bambino di nove anni che uccide la propria sorella con un epilogo tragico nell’iniziale 22 Crickett My First Rifle, di Belgrave Road a Londra e di certi hotel schifosi, una vita tribolata dove i demoni vengono sempre a pescarti. Ladri E Vagabondi è il tema del disco e dei Four Tramps che in ogni canzone parlano e raccontano di esperienze grame, di birra e whiskey, di rock and roll e duro lavoro, trasgressori ed emarginati e dei poliziotti che vengono sempre a braccarti, a scovarti e forse ti puoi attaccare ed aggrappare soltanto al blues.

I “lost faith i lost hope” (ho perso la fede e la speranza ) “fifty years of hard work and now are just ruins and dust” (50 anni di duro lavoro e restano soltanto rovine e polvere) cantano in Tremblin’ Land Blues e tutto si fa maledettamente serio e senza prospettive, senza sbocchi anche se alla fine parlano di una donna con cui costruire un nuovo futuro! Blues è sinonimo di povertà, dolore, malinconia, tristezza, ribellione, protesta contro la sottomissione, una musica sentimento nata dagli stati d’animo dei neri nelle piantagioni di cotone e che cerca di sfogare e alleviare le sofferenze giornaliere ed esprimere il forte desiderio di un futuro migliore. Muddy Waters diceva che “il blues parla di gente fottuta“, vediamo di non essere tragici per definizione. Blues è sinonimo anche di suoni, di ritmi e linguaggi avvincenti ed imperdibili. Tornando ai Four Tramps, in Me And The Devil # 2 al quartetto si aggiunge l’organo hammond di Fonta. All’interno del disco ci sono i testi ed una loro foto emblematica con la scritta in sottofondo Mississippi che la dice lunga sulla storia del blues e del Delta del fiume Mississippi che nasce a nord del Minnesota attraversa l’America settentrionale centrale (in dieci stati: Minnesota, Kentucky, Tennessee,Wisconsin, Illinois, Iowa, Missouri, Arkansas, Mississippi, Louisiana) dove è nato il blues e sfocia nel Golfo del Messico dopo oltre 3.700 chilometri. Tramps And Thieves oltre ai testi già descritti dispensa una musica solida, corposa. Se l’anima è blues, il corpo è decisamente rock.

Ciò che è evidente è che parliamo di un quartetto ben strutturato, ogni strumento è in particolare evidenza e la musica scivola via lineare in un ensemble davvero notevole. Piace molto l’iniziale 22 Crickett My First Rifle o Tramps And Thieves che dà il titolo all’album ma in ogni traccia c’è un marchio di fabbrica consolidato e direi proprio di segnalare Last Day Of Freedom dove le due chitarre di Simone Montru Montruccioli e Davide Guzzo Guzzon svettano in un sound lancinante accompagnati da un basso fragoroso e un drumming torrenziale e puntiglioso. Moonshiner In Love è un rock tradizionale con un assolo di batteria del bravissimo Osiris Joe ad introdurre il brano. Il Moonshiner per chi non lo sa è un personaggio d’altri tempi, soprattutto negli Stati Uniti, una persona dimentica dopo il proibizionismo che distillava liquori e whisky di frodo, clandestinamente, una sorta di contrabbandiere e distillatore che produceva e vendeva liquori da fuorilegge e ci rimanda agli anni 20 e ’30.

In Tremblin’ Land Blues spuntano la slide guitar e l’armonica a caratterizzare un sound made in U.S.A. ma si riferisce alle tragedie della loro Emilia ed alla voglia di ripartire e non soccombere. I Four Tramps propongono riff vorticosi e sonorità incalzanti e trascinanti con canzoni piene di metafore, contrasti e frustrazioni. Un gruppo da seguire attentamente ed un disco consigliato a tutti coloro a cui piace la vera musica rock, blues e rock and roll intensa, ipnotica, accattivante.

The Blue Lads – Hero

Da poco più di un mese è uscito l’EP dei The Blue Lads un gruppo che sembra stupirci poco sulla carta. Gavetta da cover band e moniker che richiama direttamente le loro radici blues. Eppure l’EP, nonostante sia costituito da sole 4 tracce, ci piace. Bello perché mescola la tradizione blues, quella che ha scritto ottime pagine grazie a nomi ingombranti (a proposito a questa pagina un nostro articolo in merito) e il rock più moderno; come a dire l’immancabile pentatonica da un lato e il rock elettrico dall’altro con linee vocali che colano groove e si lasciano cantare. Hero non è solo riff e ritmi trascinanti ma anche dei suoni pulitissimi resi così grazie ad una produzione di alto livello. Lati negativi? Sì, le lame fanno affilate e il sound personalizzato ulteriormente. Gli assoli sono un po’ troppo derivativi per il genere e siamo sicuri che con una ricercatezza maggiore la band riesca a crearsi un proprio stile personale e, senza tradire del tutto il blues, crearsi un seguito anche per chi non apprezza del tutto questo genere e tende ad ascoltare un rock più duro.

Bella la cavalcata impostata da Boogie At 5 che rispecchia l’idea che proponevamo noi qualche riga fa e lancia il power-trio verso territori infuocati on stage, ma anche l’opener esprime un’ottima dose di energia. Una band da tenere sott’occhio a patto che ci offra qualcosa di nuovo.

Joe Bonamassa – Different Shades Of Blue

Joe Bonamassa da alcuni anni a questa partesi si è ormai spostato ben oltre la sua incarnazione iniziale di enfant prodige della chitarra blues con un fascino particolare verso Stevie Ray Vaughan, fino ad evolversi in un raffinato chitarrista con spiccate doti canore, portando un po’ di anima R&B nel blues. Per Different Shades Of Blue, Bonamassa si è avvalso in sede di stesura dei brani di alcuni cantautori di lungo corso di Nashville come Jeffrey Steele, Gary Nicholson, James House. Joe ha poi ha preso 11 brani delle canzoni composte e, in quel di Las Vegas, con l’aiuto di un solido gruppo di musicisti di studio, tra cui Reese Wynans (organo, pianoforte), Carmine Rojas (basso), Michael Rhodes (basso), Anton Fig (batteria, percussioni), Lenny Castro (percussioni), Lee Thornburg (tromba, trombone), Ron Dziubla (sassofono) ha perfezionato il tutto. A dimostrazione della passione maniacale che Bonamassa ha per la sei corde, per registrare l’album ha utilizzato 20 diverse chitarre vintage, con 13 diversi amplificatori elencati ognuno nelle note di copertina. Come è facile intuire quindi Different Shades Of Blue è un album in cui i suoni di chitarra sono cesellati, cristallini, ideale vassoio per quella che è anche una bellissima voce blues. Dentro i confini del genere Bonamassa spazia con grande varietà stupendo ancora una volta per l’incredibile vena compositiva.

Love Ain’t A Love Song è un’ottima canzone R&B; Never Give All Your Heart perfetto mix tra hard blues ed honky tonk style; con Trouble Town Bonamassa si diverte mescolando tutte le sue influenze nella sua versione il blues, da Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, e Rory Gallagher a Jimi Hendrix e Hank Garland; la title track Different Shades Of Blue è il perfetto esempio di rock blues passionale ed orecchiabile. Different Shades Of Blue è un disco suggestivo e senza tempo, un blues di livello elevatissimo per gli standard di chiunque. Il problema qui, però, è che, ad eccezione delle canzoni elencate prima, alcune tracce del disco rimangono purtroppo maggiormente anonime. Senza troppi giri di parole tuttavia siamo di fronte ad un album che definire attinente solo ad un genere è difficile: rock, blues, R&B poco importa, possiamo ascoltare un grande autore (chitarrista e cantante) in ottima forma.

Bill LaBounty – Into Something Blue

Bill LaBounty forma con l’amico Steve Eaton nel 1969 un gruppo chiamato Fat Chance a Nashville, Tennessee, poi tentano la fortuna nel 1972 trasferendosi a Los Angeles ma per motivi futili si sciolgono presto. Nel 1979 la sua This Night Won’t Last Forever è interpretata da Michael Johnson ed entra nelle charts americane nelle Top 20 dell’anno. Negli anni ’90 le sue composizioni sono decisamente country e le scrive soprattutto per Steve Wariner, quest’ultimo riscuote un discreto successo. La scarna discografia solistica di Bill nelle quattro decadi successive comprende: Promised Love (1975), This Night Won’t Last Forever (1978), Rain My Life (1979, disco a dir poco splendido) Bill LaBounty (1982 che contiene la celeberrima Livin’ it up). Questi primi 4 album sono incisi per la Curb Records/Warner Bros. Nove anni dopo pubblica The Right Direction ( 1991), segue Best Selection ( 2004) un’antologia per la Columbia e ben diciotto anni dopo Back Your Star (2009). Nel 2011 la Rhino Records France ha pubblicato un cofanetto con 4 CD con un sacco di inediti ed intitolato Time Starts Now con un suono ripulito e decisamente più energico degli originali. Nel frattempo realizza e scrive canzoni per tanti artisti (esempio: Randy Craword ) e collabora con musicisti del calibro di James Taylor, Jeff Porcaro, Larry Carlton, Steve Lukater, Lenny Castro, Steve Gadd e David Sanborn.

La lettura delle sue canzoni, alcune sue composizioni e i suoi arrangiamenti ricordano il miglior Donald Fagen di The Nightfly (1982) o del Joe Jackson di Night And Day ( 1982). Into Something Blue (2014) è un album tinto di jazz che comprende 11 nuove canzoni tra cui alcune sue meravigliose composizioni (ci collabora anche sua moglie Beckie Foster) ed alcune illustri cover come Funny But I Still Love You di Ray Charles e Subterranean Homesick Blues di Bob Dylan. Nella curatissima versione CD giapponese (high quality sound) è inclusa una bonus track intitolata Corporate Rock And Roll che però resta un rock di maniera e nulla più. Suoni morbidi, vellutati, arrangiamenti discreti ma concreti, sonorità decisamente jazz ma non mancano brani di blues. Bill LaBounty è splendido alla tastiere e i musicisti che lo accompagnano per l’occasione brillano di luce propria come Mark Douthit al sax tenore, decisamente superlativo e d’atmosfera e ancora Larry Carlton, virtuoso della chitarra qui presente in vari brani. Bill utilizza nei suoi album i migliori musicisti disponibili sulla piazza. West-coast sound, cool modern blues /jazz sound con delle liriche sempre eccellenti. Un sound per le orecchie più raffinate per un artista di nicchia e per chi frequenta i territori del pop più raffinato.

Apre le danze All This Time, superba e dai suoni languidi ma ispirati, seguono e vanno segnalate soprattutto Funny But I Still Love You di Ray Charles, in stile blues, una Lover Man assai apprezzabile così come un classico di Jerry Leiber e Mike Stoller If You Don’t Come Back. Non convince invece la cover di Subterranean Homesick Blues di Bob Dylan. Un album d’ascolto e di grande atmosfera che consiglio a tutti coloro che amano una certa musica (jazz, blues, soul) aristocratica ed elegante.

Guitar Ray And The Gamblers – Photograph

Quarto lavoro per la band capitanata dal chitarrista cantante Ray Scona, Photograph è un disco blues rock di pregevole fattura. L’album, prodotto da Paul Reddick, armonicista e cantautore canadese, inizia con l’energica Give It Up, brano che rimanda a Rhythmeen degli immensi ZZ Top. Maggiore personalità emerge nella seconda traccia I’m Goin’, I’m Goin’ dove la chitarra di Ray Scona e il piano di Henry Carpaneto, si fondono in un tutt’uno davvero coinvolgente. Dal groove dinamico di Everybody Wants To Win si passa all’energica She’s Mighty Fine caratterizzata da sonorità decisamente “southern”. Mary Lou è quasi un boogie e precede You’re The One, una delle tracce migliori del disco. Questo brano, davvero ispirato, è arricchito dalla presenza sinfonica del GnuQuartet, quartetto musicale composto da Stefano Cabrera (violoncello) Roberto Izzo (violino), Raffaele Rebaudengo (viola) e Francesca Repetti (flauto). Con la settima traccia Do The Dance si ritorna al groove coinvolgente che la band ha mostrato fin qui: una perfetta fusione di tutti gli elementi strumentali e della voce. I toni si placano nettamente con He Thinks Of You, brano quasi psichedelico con sonorità molto “pinkfloydiane”.

Il disco si chiude con I Heard That Train Go By, altro “bluesaccio southern” e con Bella Bambina, unico brano italiano dell’intero lotto che però non aggiunge e non toglie niente ad un album suonato in maniera ineccepibile e ben sviluppato. Il lavoro chitarristico di Ray Scona riesce a creare una perfetta amalgama con gli altri strumenti e nel contempo rende individuabile sin dal primo ascolto il genere proposto.