Shotgun Revolution – All This Could Be Yours

Arrivano dall’Europa ma con la loro potenza sonora irradiano ben più di un continente. Shotgun Revolution, un nome non molto accattivante a dirla tutta, che equivale però ad un quartetto di cui sicuro sentiremo parlare nel lungo periodo. Il loro stile è un rock’n’roll misto ad un hard rock tipicamente americano, a noi ricordano gli Alter Bridge ma potrebbero essere accostati a molte realtà USA con chitarre potenti e una buona sezione ritmica. Ascoltare pezzi come City Of Fire fa partire un headbanging spontaneo ma ci trasmette anche l’intensità di questo progetto che non è solo riff resi robusti da un vattaggio pesante, bensì anche tanto songwriting ben fatto. Tanto che i ragazzi cercano anche di scrivere delle rock anthem supportate da una forte dose di melodia: su questa linea arrivano la titletrack di questo lavoro, Refugee (solo per il ritornello visto che le strofe si avvicinano di più al concetto di ballad) e Dissolve (in cui le liriche ci suggeriscono un Bon Jovi degli ultimi decenni) su tutte. Questi cambi di mood sono un punto a loro favore perché realizzare un album di hard rock statunitense o alternative metal li avrebbe incastrati in un calderone già ben troppo affollato; buoni anche gli assoli, pungenti e mai ingombranti, prova di livello di Martin “Frankie” Frank ed è un vero peccato per la band che il musicista abbia deciso di dedicarsi ad altro dopo l’uscita dell’album.

S.O.B. sembra uscito da un album degli Hardcore Superstar, mentre un pezzo che dimostra tutta la maturità artistica degli Shotgun Revolution è God’s Damned Poetry, dagli arpeggi alle aperture, dai pattern al crescendo di intensità fino all’intermezzo, più intenso. Sui suoni non si può muovere alcuna critica, e non solo perché il recording è a cura dell’immenso Flemming Rasmussen, ma anche perché il tutto (missaggio compreso) sono davvero fatti con maestria: gli Shotgun Revolution sono una band che dispensa melodie ed energia senza mezze misure e questo trasuda dalle loro dieci nuove tracce. Noi siamo sicuri che anche i live sono all’altezza della loro prestanza sonora e speriamo di vederli presto in giro per l’Europa.

John Holland Experience – John Holland Experience

È sempre un piacere scovare nuove formazioni che osannano la scena rock’n’roll proponendo suoni intransigenti e martellanti e i John Holland Experience sono un’altra realtà del Nord Italia che si fa spazio in questa cornice rocciosa. Il loro primo full-lenght prende il nome della band e propone otto tracce sudice, che intendono rispecchiare l’animo del genere, strafottendosene della pulizia del suono e mettendo le chitarre in prima linea. La musica arriva e non ci mette nemmeno tanto visto che la durata totale di ascolto è inferiore alla mezz’ora; lo spirito che si manifesta dietro queste composizioni ricorda vagamente quello dei Turbonegro: linee vocali per nulla limpide, quasi tendenti al punk, ritmi incalzanti e battute che picchiano duro capaci di dare il tempo ai riff sempre decisi. Poi però a metà tracklist le cose cambiano: con Revival, come il titolo suggerisce, si opta per altri inserti pur restando vicini al proprio habitat naturale: l’odore di stoner durante il ritornello inietta piacere nelle nostre vene mentre la chitarra (all’inizio) e il basso (nella parte strumentale) si fanno spazio singolarmente e non come elemento di un tutt’uno. Divagazioni, in forme diverse, che si ripetono anche in Canzone D’amore, dalla doppia anima, rock e romantica nel mezzo e qualcosa la si prova anche con Festa Pesta, un brano che ci saremmo aspettati molto più cattivo.

Il respiro si fa corto tra un brano e l’altro, l’energia è sicuramente il piatto forte del power trio, energia che va sicuramente testata di fronte ad un palco. Avremo optato per dei suoni diversi alla voce, non a caso Tieni Botta con Davide Musizzano al microfono suona in tutt’altro modo, ma questa band non è di certo tra quelle pettinate. Se cercate ordine non lo troverete sicuramente nelle menti dei John Holland Experience ma di prestanza, quella sì.

Proll Guns – Horseflesh BBQ

Rimandi ai cowboy e all’aria southern/western non sono poi così rari nel rock e nel metal, basti ricordare Vinnie Paul, batterista dei PanteraTed Nugent mix con gli scenari rock’n’roll sono un altro elemento che accomuna varie soluzioni già sentite. I Proll Guns si muovono su questo solco, abbracciando sicuramente un panorama più metal che rock, pur se la proposta risulta molto influenzata dal rock’n’roll nonché dalle sonorità southern rock e blues. È From Texas To Hell che dà la stura e presenta il sound del terzetto anche se è con Fucking Troublemaker e ancora più con la blueseggiante Reno Gang che i ragazzi non lasciano superstiti sul campo. La produzione è volutamente non raffinata per mantenere quella ruvidezza di fondo e trasportare l’ascoltatore precisamene all’interno di un ranch, con tutti gli annessi e connessi. Bene i vari strumenti (come il banjo) ed effetti che si inseriscono per rendere il tutto più attraente, ma probabilmente sono le linee vocali che stonano (per così dire) rispetto all’impostazione stilistica del combo, visto che sarebbe più vicina a lande death o puramente metal (ascoltare Southern Slavery per credere) che non all’immaginario che i Proll Guns intendono offrire. Brani come Bloodgun Blues o The Revolver sono troppo lunghi rispetto all’impeto della band “mordi e fuggi” e noi apprezziamo maggiormente quelli prima citati, diretti e senza fronzoli, o la veloce Looking Out My Backdoor che addirittura sfiora i due minuti.

Una prova sicuramente interessante per gli appassionati del genere e per chi è in cerca di un metal più frivolo è molto radicato nel blues. Con una migliore produzione e qualche perfezionamento a livello compositivo i ragazzi possono andare lontano, a patto di non perdere mordente.

Nitroville – Cheating The Hangman

Quando si parla di scena anglo-americana si fa riferimento a sonorità (a volte un po’ ruffiane, a volte molto radiofoniche) che hanno visto esplodere la loro cassa di risonanza in America e hanno attecchito in seguito in Inghilterra (o viceversa). Possiamo considerare i Nitroville una delle tante manifestazioni concrete di questo binomio musical-geografico: formati a Nord di Londra, abbracciano molto del rock’n’roll e dell’hard’n’heavy americani, tanto da richiamare strutture tanto care a Whitesnake ma anche a Saxon (come in Spitfire), il graffio delle Girlschool, l’imprinting distruttivo degli AC/DC (che sono australiani ma quanto seguito hanno negli USA?!) e un’ottima produzione moderna. Un bel miscuglio di idee anche se noi preferiamo presentarlo più che come un mix come un suono coeso e roccioso: correttamente i ragazzi parlano di rock’n’roll ma troviamo anche molto hard rock e un pizzico di sleaze nel loro sound, il tutto in un andamento militare che non lascia dubbi sulla loro energia (anche on stage).

Bello il groove sprigionato da Apophis 2029 così come Take A Stand piena di calorie, a nostro parere l’arma segreta di Cheating The Hangman è un lavoro che resta uguale al suo trademark ma che cambia di traccia in traccia, come se la band avesse molto da dire e tantissime cartucce nel tamburo, segno questo non solo di preparazione ma anche di pienezza di idee che in una scena musicale come questa non è fenomeno molto comune. Belli anche gli assoli, pungenti quanto basta e valorizzati da una produzione all’altezza della situazione. I Nitroville hanno tutta la spinta di cui necessitano e dall’alto dei loro motori potenti potranno infiammare i palchi di mezzo continente, ne siamo convinti.

The Chicken Queens – Buzz

Nell’immenso pianeta dei duo project non vi sono solo realtà dal sound scarno e grezzo ma c’è anche chi si dice legato alla scena rock’n’roll/punk del passato pur proponendo un’essenza più luccicante, un insieme di strumenti da band affollata e una produzione di buon livello. I gialli The Chicken Queens, che nonostante il moniker richiamano in molti elementi l’ape, tornano sulle scene con un nuovo lavoro dal semplice titolo Buzz. Prima abbiamo detto “luccicante” ma non pulita, perché la natura del combo è sicuramente quella di restare fedele ai ritmi rock’n’roll omaggiando anche le proprie radici blues senza però sembrare una formazione superprodotta: Sweet Cold Bones ci lancia indietro nel passato a quando i Turbonegro riuscivano ancora a scandalizzare i perbenisti, mentre con la successiva Rollin’ And Tumblin’ vi sono dei riferimenti nemmeno troppo celati ai The White Stripes. Holidays Blues dice tutto già dal titolo e per apprezzarla di più dovremo anche qui fare un viaggio nel tempo di varie decadi e pescare una parte dei Rolling Stones e un’altra della scena surf.

La sei corde dei The Chicken Queens risale agli anni 60-70 e il suono complessivo è arricchito anche da altri strumenti meno canonici, come l’armonica e il mandolino. Il duo fa della carica adrenalinica un asso nella propria manica ma risulta anche molto ancorato ad uno stile settantiano: questi due elementi si traducono nell’immagine propria di questo progetto e, come una forza compulsiva ci spingono da un lato nel passato e dall’altro in quello che potrebbe essere il futuro del rock’n’roll. E mentre passa una zeppeliana seppur pacata Cherry Boomb, o When The Sun Goes Down con i suoi riff di sabbathiana memoria nel bridge, noi non possiamo far altro che augurare ai The Chicken Queens una lunga vita.

Rusty Blues Propellers – The Brand New Dawn

Ma in fondo cos’è il rock? È energia, è brividi, è adrenalina che sale, a momenti gradualmente, in altri momenti in picco, senza nessun tipo di controllo. Questa la formula che anche i Rusty Blues Propellers vogliono proporre nel loro primo album The Brand New Dawn. Band giovane che conferma quanto gli anni ’00 ci regalano: band che all’esordio discografico suonano già come fossero realtà più che mature, sia per quanto riguarda la produzione di altissimo livello, sia per le idee. Siamo nei territori del rock’n’roll, di quello in cui la sezione ritmica gioca una partita importante ma la chitarra esce fuori. Se guardassimo solo quest’ultima potremo trovare tanto dei Led Zeppelin (ascoltare la titletrack è un vero salto nel passato) ma a gustarli nel loro complesso sembrano molto la copia giovane e più sbarazzina dei Them Crooked Vultures, magari con un razzo infilato nel posteriore che gli permette di viaggiare su bpm più elevati. Il sound è fatto di groove ricoperto come da una corazza rock a formare un tutt’uno visto che così si presenta alle nostre orecchie. Di tanto in tanto la sei corde si prende il suo spazio, come quella di Josh Homme, ma in un album come questo non si può parlare di solismi perché è l’intero e compatto suono che giunge alle nostre orecchie e alle nostre emozioni.

Davvero sapiente l’uso degli effetti e l’impiego della voce in linee vocali che generano pathos e colorano di vintage (ottantiano?!) le tracce (come in Norah). Del romanticismo lo troviamo in The Story That Should Never Be Told, brano che riprende atmosfere hendrixiane e le porta ai nostri giorni con un pizzico di Incubus (altra band che ha influenzato il quartetto viareggino e si sente); ma c’è anche un funky leggero che irrobustisce Your Business, segno della varietà che The Brand New Dawn possiede.

In generale i Rusty Blues Propellers hanno una carica interna e riescono ad attualizzare suoni del passato e al tempo stesso a risultare originali. Il loro stile a noi piace, risulta diretto e fresco e, pur omaggiando grandi band che ormai hanno fatto il loro corso, non ci fa sentire vecchi. Un risultato invidiabile insomma!

Black Mask & Gasoline – Black Mask & Gasoline

I Black Mask & Gasoline escono freschi freschi con il loro EP omonimo, una prova che viene fuori a poco dalla nascita del progetto ma che dimostra una maturità rara per questi musicisti, tutt’altro che ragazzi alle prime armi. Cinque tracce che alternano uno spirito rock’n’roll veloce e scattante, come l’opener Heaven Comes From Hell che subito gasa, a momenti che risentono delle grandi lezioni del grunge, soprattutto se si ascolta con attenzione le linee vocali. Più particolare è Wind Arrives, una ballad oscura che piazza un assolo con wah wah molto emotivo: particolare innanzitutto perché arresta subito quella corsa che la prima traccia aveva innestato ma anche perché rappresenta più di una traccia lenta; a dir la verità risulta cupa e ovattata, ma comunque in linea con l’idea musicale del quartetto. Nella breve Ain’t No Fun le chitarre acquisiscono un’anima più metal e mostrano grande spessore non appena prendono due strade differenti, per poi lanciarsi in una traccia, Black & Grey, che abbraccia il pop americano nelle strofe e il post-grunge nell’intro e nei ritornelli. E sul finire?! Arriva I Don’t Care che ci riporta ai gloriosi Turbonegro ai tempi del mitico Hank Von Helvete, eppure qui c’è sempre una voce che ci spinge fuori portata, fuori genere. Musicalmente parleremo tranquillamente di punk’n’roll anche se le liriche ci attirano verso le lande del grunge e del rock targato USA.

Quindi niente a che vedere con la (quasi) omonima canzone dei Rise Against, i Black Mask & Gasoline ci regalano un sound internazionale su cui sicuramente ci sentiamo di scommettere: ricordate questo nome che in futuro lo risentiremo.

Churchill – Ravage

Usciamo per una volta dai soliti schemi “band italiana / band con cantato in inglese” ed incontriamo con somma gioia una formazione francese, orgogliosa di essere tale, che si presenta, si descrive e canta tutto in francese. Una sensazione strana per noi ma sicuramente una scelta da apprezzare che, per certi versi, premia anche una certa originalità. Il sound si muove tra un hard rock anche un po’ rock’n’roll di sponda Danko Jones e un approccio grezzo che ricorda certi Turbonegro di metà carriera, quindi riff che danno tanta carica e una sezione ritmica che trascina il tutto. Niente di rivoluzionario ma si sa che su questo tipo di proposta è più l’attitudine che l’innovazione ad essere apprezzata e i ragazzi ci sanno fare, questo bisogna riconoscerlo. Restano fedeli al rock’n’roll i Churchill anche se sanno inserire elementi di richiamo, che stoppano il respiro e fanno sgranare gli occhi all’ascoltatore tramite stacchi e arrangiamenti vari all’interno delle singole tracce. Solo in alcuni momenti si nota un’insistenza su alcuni pattern (come in Évidence) ma è più per convinzione che per mancanza di idee.

Brani come Fasciné o Aliéné sono dirty rock’n’roll e accendono le luci sui watt sprigionati, mentre momenti come Automne (almeno nella parte iniziale) risultano meno accattivanti. In generale per una band nata da pochi anni è di certo un buon prodotto. Sicuramente la loro natura è più live che studio, quello è l’habitat dove il loro sound arriva prima e crea i maggiori danni. Noi ci auguriamo di incontrarli dalle nostre parti, magari di supporto a qualche band più importante tipo Nashville Pussy o Girlschool.

Firelord – Hammer Of Chaos

I Firelord non sono una band di “primo pelo” e a sentire i primi secondi del loro Hammer Of Chaos non sono nemmeno troppo vicini al genere (doom) che li ha fatti nascere, almeno non dal punto di vista ritmico. Infatti se la tracklist ci fa immaginare subito scenari lugubri e brani lenti e decadenti (5 tracce che sfiorano i 30 minuti di ascolto) possiamo dire con fervore che i Firelord picchiano nel nome del rock’n’roll imbastardito da tanto heavy metal (o viceversa, come preferite). I brani, nonostante i bpm e la lunghezza, non sono per nulla noiosi, anzi la determinazione con cui questo trio (ebbene sì, si tratta di un trio) sprigiona la propria energia è assolutamente invidiabile. Questa è la grande capacità di questo combo: comporre brani da 4 o 5 minuti ma riuscire ad essere veloci e sorprendenti ad ogni passaggio. La titletrack ed esempio è l’unica che supera gli 8 minuti (in realtà sfiora i 9) e sembra davvero giungere dal fuoco degli inferi, come se Iron Maiden e Black Sabbath si fossero scontrati in un frontale a 200 km/h. Non è da tutti proporre composizioni così lunghe ma elargire musica che ti rimane incollata addosso e ti tiene con le orecchie aperte fino all’ultima nota.

Non servono ascolti ripetuti, appunto, bastano le prime due tracce per capire l’irruenza di questo sound e l’impatto che i Firelord portano anche on stage. Distruttivo tanto che l’etichetta stoner è sicuramente per loro qualcosa di riduttivo. Non poteva mancare una cover proveniente dalla famiglia allargata Kyuss e la scelta ricade su Pilot Of The Dune degli Slo Burn rivista nello stile dei Firelord. Insomma trenta minuti che hanno la stessa forza di un cazzotto sulle gengive.

Helligators – Road Roller Machine

Quando si parla di rock si parla di potenza, di energia, di riff e di sudore. Ma quando si parla di rock’n’roll tutto questo viene amplificato, elevato a potenza. Gli Helligators lo sanno bene, giovani musicalmente parlando ma consapevoli di voler spaccare, di arrivare con il proprio sound dritti in faccia al proprio ascoltatore. La coppia di chitarristi El Santo/Kamo realizzando un marchio che cita i Pantera seppur puntando meno sul lato metal di Darrell e più sul sapore southern (tanto da avvicinarsi spesso ai “cugini” Down), le linee vocali aderiscono invece al rock’n’roll a tutto tondo, sporcate di blues di tanto in tanto e urlanti emozioni e grinta, come obbliga il genere. Road Roller Machine è il loro secondo album e dobbiamo ammettere che colpisce fin dalla parte grafica che lascia pochi dubbi sugli intenti della band; dal punto di vista musicale non nasconde sorprese in quanto, come un monolite, si abbatte con il suo incedere costante su di noi per un’ora quasi di southern metal, rock’n’roll nell’animo ma qualcosa in più come watt. “Coerenza” è la prima parola che ci viene in mente ascoltanto per intero questo album, la seconda è “distruzione” immaginandoci la resa live di questi pezzi e il carisma che questi ragazzi dovrebbero avere per essere all’altezza della loro musica.

D’altra parte in alcuni momenti i brani potrebbero essere sfrangiati, più che altro per rendere più diretto e semplice l’ascolto, come rock’n’roll insegna. Qui però siamo già nel campo delle osservazioni fatte con la lente di ingrandimento perché Road Roller Machine non è un album da analisi psichiatrica, piuttosto un lavoro che va ascoltato dopo una bottiglia di Jack Danield’s scolata senza pausa. Sia chiaro che gli Helligators trovano pane per i loro denti se invischiati in una folla che urla il nome dei Motörhead ma il loro stile sicuramente elargisce piacere gratuito a fan dei Down come dei Volbeat e, perché no, anche degli Entombed periodo Wolverine Blues.