Nitrogods – Roadkill BBQ

Lemmy è vivo, ha messo su qualche chilo e ora si fa chiamare Claus “Oimel” Larcher! Scherzi a parte, oltre alla somiglianza vocale tra i due cantanti, il genere rock blues che la band tedesca propone è inequivocabilmente figlio dei Motörhead a tal punto che durante l’ascolto di Roadkill BBQ la mente va spesso alla band vedova di Kilmister. Ma sia ben chiaro, non parliamo di un banale copia e incolla della band inglese ma di una sana ispirazione atta a tenere vivo e vegeto lo spirito del rock’n’roll, genere in cui i Nitrogods si muovono con disinvoltura, sfrontatezza e soprattutto gusto personale nelle parti di chitarra dell’ottimo Henny Wolter (ex Primal Fear). Si parte con Rancid Rock dall’ottimo riff iniziale e tirata quanto basta per far scuotere la testa o tenere il tempo con il piede, come la title track blueseggiante e coinvolgente naturalmente priva di ambizioni sperimentali (qui non ne troverete di sicuro) per quanto sincera e autentica. Un gradino sopra le altre composizioni si possono annoverare sicuramente Boogeyman e Bad Palce Wrong People, tracce dirette e senza fronzoli come Wheelin’, un brano tritaossa che sicuramente non farà prigionieri in sede live e considerando che siamo a metà CD i Nitrogods non hanno ancora finito le frecce a loro disposizione anzi. Centrano un brano dietro l’altro (A Los Muertos è forse il momento migliore del CD) variando di poco la struttura base di ogni traccia e mantenendo un’attitudine sporca e cazzona .

Forse gli episodi che convincono meno sono The Price Of Liberty (qui ricordano i Black Label Society) e I Hate anche a causa di una certa ripetitività sfacciatamente ostentata dai Nostri, ma si tratta di appena due tracce su ben 12 brani più due bonus (fortissima Did Jesus Turn Water Into Beer), a testimonianza della qualità del lavoro svolto dalla band. Fanculo la sperimentazione l’innovazione e la tecnica (anche se Wolter non scherza), in questo CD troverete puro e crudo rock’n’roll, assolutamente professionale nonché autentico perché come diceva Mahatma Gandhi “credere in qualcosa e non viverla è disonestà” e i Nitrogods su questo sono incorruttibili.

Danko Jones – Wild Cat

I Danko Jones sono l’emblema del hard’n’roll mondiale. La loro storia potrebbe essere riassunta qui, tutto il resto è di contorno. Il “Lemmy dell’hard rock”, ovvero il capitano indiscusso Danko, è il simbolo dell’ “intransigenza ragionata”: noi di RockGarage lo abbiamo intervistato di persona a Milano e lo abbiamo provocato chiedendogli se un giorno i Danko Jones potrebbero mai venir influenzati da altre sonorità. Lui ci ha risposto: “E perché?! Non avrebbe senso. Non ha senso cambiare lo stile dei Danko Jones!” (a questa pagina per intero l’intervista) Questo è il motivo principale per cui il sound targato DJ resta invariato negli anni, non sente il peso del tempo e soprattutto arriva diretto come un treno, senza necessità di stratificare nulla.

Wild Cat, il nuovo album, è quello che ha in comune più elementi rispetto al suo predecessore di tutti gli album targati Danko Jones. Il power trio infatti era talmente soddisfatto di Fire Music (2015, recensione disponibile cliccando qui) che ha voluto riusare tutti gli aspetti vincenti di quell’album, sala di registrazione e produttore compresi. A certi livelli questi aspetti non sono per nulla secondari, e considerando i record di vendita raggiunti con Fire Music la scelta era più che obbligata. Ma i Danko Jones non sono una band che sta attenta ai numeri, non a caso non sono una band da stadi straripanti (nonostante abbiano aperto comunque per band internazionali) o da imprenditorialità musicale spinta. Realizzano un album ogni due anni, scrivono di getto e perfezionano poco, mettono insieme l’hard rock classico e il rock’n’roll meno grezzo arricchendo il tutto con una produzione moderna. Ecco la loro ricetta e funziona ad ogni album!

Ma allora Wild Cat cosa ha di nuovo? E’ più impostato, i bpm si riducono e pur mantenendo la stessa carica incendiaria l’album possiede riff più cadenzati e, in alcuni momenti, tempi più rallentati. Certo, pezzi come Let’s Start Dancing o la titletrack tengono in allenamento il collo, ma altri come You Are My Woman o Success In Bed sembrano più maturi e meno accelerati di molte tracce composte in passato. Nel loro caso il frutto dell’hard rock può essere spremuto con forza o con delicatezza, il succo sarà lo stesso in questo caso, un succo che arde e tiene carichi. Una curiosità: perché il titolo Wild Cat?! Sembra che anche su questo la band non abbia voluto spendere tempo ma che si siano adeguati alla copertina creata prima di realizzare l’album. Bella storia!

Dobermann – Pure Breed

Ho sempre avuto un certo fascino per le formazioni a tre e anche nel caso dei Dobermann questo mio debole non viene meno. Già dalle prime note del loro nuovo lavoro mi trovo a fare i conti con una band che ha nell’energia il biglietto da visita più marcato. Adrenalina pura, rock’n’roll sanguigno e arrangiamenti vincenti è questo il mix che costituisce il sound della band italiana, trio che ha all’attivo centinaia di live in buona parte d’Europa. E’ indubbio che ad accompagnare la genuinità, troviamo la buona caratura tecnica di ogni musicista, così come per la scrittura dei brani, ogni canzone, infatti gioca un ruolo determinante, le dieci tracce mi convincono pienamente, il loro rock’n’roll è efficace, divertente e sono certo che la band per prima si diverte a suonarlo. Provate a miscelare il rock degli anni settanta, quello degli anni ottanta, aggiungete suoni attuali…ci siete, questi sono i Dobermann. Tanti i nomi di riferimento: Ac/Dc, Van Halen, Billy Idol, Ramones, e poi melodic punk, pescando qua e là i Dobermann hanno tirato fuori un loro sound, che suona originale.

Non ho trovato canzoni deboli, Pure Breed è un album piacevole, bello dall’inizio alla fine. E’ sempre un piacere avere conferma dell’elevata qualità delle band di casa nostra, bravi ragazzi. Continuate la vostra guerra sui palchi d’Europa, portate in alto la bandiera tricolore. In alto il nostro saluto!

Gli Sportivi – Fuzz Days

La tecnologia aiuta ma non può fare tutto. Ecco perché i duo project che aderiscono alla filosofia rock hanno per forza di cosa qualcosa in meno, e non ci riferiamo al profilo artistico o creativo, ma semplicemente e lapalissianamente al punto di vista sonoro. Fare rock in due vuol dire scegliere di fare a meno di alcuni strati e per lo più questa mancanza viene giustificata da un approccio diretto e grezzo, come scelto da Gli Sportivi che parlano di “raw & loud rock’n’roll”, noi lo traduciamo come rock’n’roll lo-fi. D’altra parte i Bud Spencer Blues Explosion hanno aperto un cammino in cui poi diverse formazioni si sono inserite creandosi il loro spazio. Sono queste le premesse necessarie per presentare Fuzz Days, un prodotto che del suo lo-fi ne fa un vanto anche se a noi sembra una scelta obbligata: 11 tracce per 28 minuti di musica rock essenziale proprio come i BSBE ci hanno insegnato in passato, da prendere alla leggera, come un party dalla deriva inaspettata.

Alternata alla vena elettrica viscerale e cruda vi sono momenti più ricercati come Henry Miller (The Serial Killer) che tra echi alla Radiohead piazza un momento sulfureo e pacato e affascina; meno bella Candy Apple Dream che a nostro parere è l’esempio eclatante di quanto uno strumento in più avrebbe potuto riempire il suo vuoto sonoro. Di tanto in tanto emergono influenze blues che cercano di dare colore alla musica del duo (Sonic Day, Time To Say Goodbye) e questo è di certo un bene. L’elemento che più di tutti spiega l’approccio de Gli Sportivi è la grafica pastello usata per rappresentare una famiglia tradizionale in una situazione delirante. Ecco, questa è la fotografia ideale per raffigurare in un solo attimo la loro visione musicale.

Phil Campbell And The Bastards Sons – Phil Campbell And The Bastards Sons

Quando la storia sembra finita in realtà continua. Lemmy è scomparso da un anno e siamo ancora qui a piangere la sua mancanza ma, in un modo o nell’altro, i suoi compagni di viaggio non mollano la musica e cercano di portare avanti il messaggio del loro Generale. Il batterista Mikkey Dee ha assunto ufficialmente il ruolodi drummer degli Scorpions, invece il chitarrista Phil Campbell si è lanciato in un progetto solista, o quasi. Il moniker Phil Campbell And The Bastards Sons è un nome non scelto a caso visto che 4/5 della formazione portano il cognome Campbell e 3 sono proprio i figli del noto chitarrista, rispettivamente Todd (chitarrista ma anche produttore di questo EP), Dane (batterista) e Tyla (bassista); il tutto condito dal singer Neil Starr e dalla sua voce pulita all’altezza del nome dei suoi compari. L’EP non può che essere un eredità di Mr. Lemmy Kilmister, dall’artwork rigorosamente nero ma soprattutto dallo stile, un rock’n’roll che però non disdegna di strabordare nell’heavy metal a stelle e strisce. Chiaro il messaggio fin dall’opener Big Mouth ma sottolineato da No Turning Back, un brano quest’ultimo che i fan dei Motörhead apprezzeranno sicuramente per il suo tiro, forse il migliore del lotto.

Da segnalare anche Take Aim con i suoi riff ritondi e con un intermezzo da headbanging convinto; Spiders invece acquista un respiro più ampio, con un chorus che coinvolge anche se caricato da chitarre rudi ma compatte, molto Alter Bridge. Chiude il lavoro un brano acustico, un buon esercizio ai confini tra il blues e il country ma fuori filosofia per il progetto, tutto sta nel capire questo profilo acustico come si evolverà nel futuro del quintetto. Certo, chi amava lo stile rauco e alcolico dei Motörhead potrebbe trovare questo lavoro un po’ troppo raffinato ma noi crediamo che queste cinque tracce siano dei piccoli gioiellini e che questo progetto non sia un vero e proprio diversivo bensì qualcosa in grado di incendiare i palchi di mezzo mondo. Vedremo se decolleranno.

Shotgun Revolution – All This Could Be Yours

Arrivano dall’Europa ma con la loro potenza sonora irradiano ben più di un continente. Shotgun Revolution, un nome non molto accattivante a dirla tutta, che equivale però ad un quartetto di cui sicuro sentiremo parlare nel lungo periodo. Il loro stile è un rock’n’roll misto ad un hard rock tipicamente americano, a noi ricordano gli Alter Bridge ma potrebbero essere accostati a molte realtà USA con chitarre potenti e una buona sezione ritmica. Ascoltare pezzi come City Of Fire fa partire un headbanging spontaneo ma ci trasmette anche l’intensità di questo progetto che non è solo riff resi robusti da un vattaggio pesante, bensì anche tanto songwriting ben fatto. Tanto che i ragazzi cercano anche di scrivere delle rock anthem supportate da una forte dose di melodia: su questa linea arrivano la titletrack di questo lavoro, Refugee (solo per il ritornello visto che le strofe si avvicinano di più al concetto di ballad) e Dissolve (in cui le liriche ci suggeriscono un Bon Jovi degli ultimi decenni) su tutte. Questi cambi di mood sono un punto a loro favore perché realizzare un album di hard rock statunitense o alternative metal li avrebbe incastrati in un calderone già ben troppo affollato; buoni anche gli assoli, pungenti e mai ingombranti, prova di livello di Martin “Frankie” Frank ed è un vero peccato per la band che il musicista abbia deciso di dedicarsi ad altro dopo l’uscita dell’album.

S.O.B. sembra uscito da un album degli Hardcore Superstar, mentre un pezzo che dimostra tutta la maturità artistica degli Shotgun Revolution è God’s Damned Poetry, dagli arpeggi alle aperture, dai pattern al crescendo di intensità fino all’intermezzo, più intenso. Sui suoni non si può muovere alcuna critica, e non solo perché il recording è a cura dell’immenso Flemming Rasmussen, ma anche perché il tutto (missaggio compreso) sono davvero fatti con maestria: gli Shotgun Revolution sono una band che dispensa melodie ed energia senza mezze misure e questo trasuda dalle loro dieci nuove tracce. Noi siamo sicuri che anche i live sono all’altezza della loro prestanza sonora e speriamo di vederli presto in giro per l’Europa.

John Holland Experience – John Holland Experience

È sempre un piacere scovare nuove formazioni che osannano la scena rock’n’roll proponendo suoni intransigenti e martellanti e i John Holland Experience sono un’altra realtà del Nord Italia che si fa spazio in questa cornice rocciosa. Il loro primo full-lenght prende il nome della band e propone otto tracce sudice, che intendono rispecchiare l’animo del genere, strafottendosene della pulizia del suono e mettendo le chitarre in prima linea. La musica arriva e non ci mette nemmeno tanto visto che la durata totale di ascolto è inferiore alla mezz’ora; lo spirito che si manifesta dietro queste composizioni ricorda vagamente quello dei Turbonegro: linee vocali per nulla limpide, quasi tendenti al punk, ritmi incalzanti e battute che picchiano duro capaci di dare il tempo ai riff sempre decisi. Poi però a metà tracklist le cose cambiano: con Revival, come il titolo suggerisce, si opta per altri inserti pur restando vicini al proprio habitat naturale: l’odore di stoner durante il ritornello inietta piacere nelle nostre vene mentre la chitarra (all’inizio) e il basso (nella parte strumentale) si fanno spazio singolarmente e non come elemento di un tutt’uno. Divagazioni, in forme diverse, che si ripetono anche in Canzone D’amore, dalla doppia anima, rock e romantica nel mezzo e qualcosa la si prova anche con Festa Pesta, un brano che ci saremmo aspettati molto più cattivo.

Il respiro si fa corto tra un brano e l’altro, l’energia è sicuramente il piatto forte del power trio, energia che va sicuramente testata di fronte ad un palco. Avremo optato per dei suoni diversi alla voce, non a caso Tieni Botta con Davide Musizzano al microfono suona in tutt’altro modo, ma questa band non è di certo tra quelle pettinate. Se cercate ordine non lo troverete sicuramente nelle menti dei John Holland Experience ma di prestanza, quella sì.

Proll Guns – Horseflesh BBQ

Rimandi ai cowboy e all’aria southern/western non sono poi così rari nel rock e nel metal, basti ricordare Vinnie Paul, batterista dei PanteraTed Nugent mix con gli scenari rock’n’roll sono un altro elemento che accomuna varie soluzioni già sentite. I Proll Guns si muovono su questo solco, abbracciando sicuramente un panorama più metal che rock, pur se la proposta risulta molto influenzata dal rock’n’roll nonché dalle sonorità southern rock e blues. È From Texas To Hell che dà la stura e presenta il sound del terzetto anche se è con Fucking Troublemaker e ancora più con la blueseggiante Reno Gang che i ragazzi non lasciano superstiti sul campo. La produzione è volutamente non raffinata per mantenere quella ruvidezza di fondo e trasportare l’ascoltatore precisamene all’interno di un ranch, con tutti gli annessi e connessi. Bene i vari strumenti (come il banjo) ed effetti che si inseriscono per rendere il tutto più attraente, ma probabilmente sono le linee vocali che stonano (per così dire) rispetto all’impostazione stilistica del combo, visto che sarebbe più vicina a lande death o puramente metal (ascoltare Southern Slavery per credere) che non all’immaginario che i Proll Guns intendono offrire. Brani come Bloodgun Blues o The Revolver sono troppo lunghi rispetto all’impeto della band “mordi e fuggi” e noi apprezziamo maggiormente quelli prima citati, diretti e senza fronzoli, o la veloce Looking Out My Backdoor che addirittura sfiora i due minuti.

Una prova sicuramente interessante per gli appassionati del genere e per chi è in cerca di un metal più frivolo è molto radicato nel blues. Con una migliore produzione e qualche perfezionamento a livello compositivo i ragazzi possono andare lontano, a patto di non perdere mordente.

Nitroville – Cheating The Hangman

Quando si parla di scena anglo-americana si fa riferimento a sonorità (a volte un po’ ruffiane, a volte molto radiofoniche) che hanno visto esplodere la loro cassa di risonanza in America e hanno attecchito in seguito in Inghilterra (o viceversa). Possiamo considerare i Nitroville una delle tante manifestazioni concrete di questo binomio musical-geografico: formati a Nord di Londra, abbracciano molto del rock’n’roll e dell’hard’n’heavy americani, tanto da richiamare strutture tanto care a Whitesnake ma anche a Saxon (come in Spitfire), il graffio delle Girlschool, l’imprinting distruttivo degli AC/DC (che sono australiani ma quanto seguito hanno negli USA?!) e un’ottima produzione moderna. Un bel miscuglio di idee anche se noi preferiamo presentarlo più che come un mix come un suono coeso e roccioso: correttamente i ragazzi parlano di rock’n’roll ma troviamo anche molto hard rock e un pizzico di sleaze nel loro sound, il tutto in un andamento militare che non lascia dubbi sulla loro energia (anche on stage).

Bello il groove sprigionato da Apophis 2029 così come Take A Stand piena di calorie, a nostro parere l’arma segreta di Cheating The Hangman è un lavoro che resta uguale al suo trademark ma che cambia di traccia in traccia, come se la band avesse molto da dire e tantissime cartucce nel tamburo, segno questo non solo di preparazione ma anche di pienezza di idee che in una scena musicale come questa non è fenomeno molto comune. Belli anche gli assoli, pungenti quanto basta e valorizzati da una produzione all’altezza della situazione. I Nitroville hanno tutta la spinta di cui necessitano e dall’alto dei loro motori potenti potranno infiammare i palchi di mezzo continente, ne siamo convinti.

The Chicken Queens – Buzz

Nell’immenso pianeta dei duo project non vi sono solo realtà dal sound scarno e grezzo ma c’è anche chi si dice legato alla scena rock’n’roll/punk del passato pur proponendo un’essenza più luccicante, un insieme di strumenti da band affollata e una produzione di buon livello. I gialli The Chicken Queens, che nonostante il moniker richiamano in molti elementi l’ape, tornano sulle scene con un nuovo lavoro dal semplice titolo Buzz. Prima abbiamo detto “luccicante” ma non pulita, perché la natura del combo è sicuramente quella di restare fedele ai ritmi rock’n’roll omaggiando anche le proprie radici blues senza però sembrare una formazione superprodotta: Sweet Cold Bones ci lancia indietro nel passato a quando i Turbonegro riuscivano ancora a scandalizzare i perbenisti, mentre con la successiva Rollin’ And Tumblin’ vi sono dei riferimenti nemmeno troppo celati ai The White Stripes. Holidays Blues dice tutto già dal titolo e per apprezzarla di più dovremo anche qui fare un viaggio nel tempo di varie decadi e pescare una parte dei Rolling Stones e un’altra della scena surf.

La sei corde dei The Chicken Queens risale agli anni 60-70 e il suono complessivo è arricchito anche da altri strumenti meno canonici, come l’armonica e il mandolino. Il duo fa della carica adrenalinica un asso nella propria manica ma risulta anche molto ancorato ad uno stile settantiano: questi due elementi si traducono nell’immagine propria di questo progetto e, come una forza compulsiva ci spingono da un lato nel passato e dall’altro in quello che potrebbe essere il futuro del rock’n’roll. E mentre passa una zeppeliana seppur pacata Cherry Boomb, o When The Sun Goes Down con i suoi riff di sabbathiana memoria nel bridge, noi non possiamo far altro che augurare ai The Chicken Queens una lunga vita.