Rusty Blues Propellers – The Brand New Dawn

Ma in fondo cos’è il rock? È energia, è brividi, è adrenalina che sale, a momenti gradualmente, in altri momenti in picco, senza nessun tipo di controllo. Questa la formula che anche i Rusty Blues Propellers vogliono proporre nel loro primo album The Brand New Dawn. Band giovane che conferma quanto gli anni ’00 ci regalano: band che all’esordio discografico suonano già come fossero realtà più che mature, sia per quanto riguarda la produzione di altissimo livello, sia per le idee. Siamo nei territori del rock’n’roll, di quello in cui la sezione ritmica gioca una partita importante ma la chitarra esce fuori. Se guardassimo solo quest’ultima potremo trovare tanto dei Led Zeppelin (ascoltare la titletrack è un vero salto nel passato) ma a gustarli nel loro complesso sembrano molto la copia giovane e più sbarazzina dei Them Crooked Vultures, magari con un razzo infilato nel posteriore che gli permette di viaggiare su bpm più elevati. Il sound è fatto di groove ricoperto come da una corazza rock a formare un tutt’uno visto che così si presenta alle nostre orecchie. Di tanto in tanto la sei corde si prende il suo spazio, come quella di Josh Homme, ma in un album come questo non si può parlare di solismi perché è l’intero e compatto suono che giunge alle nostre orecchie e alle nostre emozioni.

Davvero sapiente l’uso degli effetti e l’impiego della voce in linee vocali che generano pathos e colorano di vintage (ottantiano?!) le tracce (come in Norah). Del romanticismo lo troviamo in The Story That Should Never Be Told, brano che riprende atmosfere hendrixiane e le porta ai nostri giorni con un pizzico di Incubus (altra band che ha influenzato il quartetto viareggino e si sente); ma c’è anche un funky leggero che irrobustisce Your Business, segno della varietà che The Brand New Dawn possiede.

In generale i Rusty Blues Propellers hanno una carica interna e riescono ad attualizzare suoni del passato e al tempo stesso a risultare originali. Il loro stile a noi piace, risulta diretto e fresco e, pur omaggiando grandi band che ormai hanno fatto il loro corso, non ci fa sentire vecchi. Un risultato invidiabile insomma!

Black Mask & Gasoline – Black Mask & Gasoline

I Black Mask & Gasoline escono freschi freschi con il loro EP omonimo, una prova che viene fuori a poco dalla nascita del progetto ma che dimostra una maturità rara per questi musicisti, tutt’altro che ragazzi alle prime armi. Cinque tracce che alternano uno spirito rock’n’roll veloce e scattante, come l’opener Heaven Comes From Hell che subito gasa, a momenti che risentono delle grandi lezioni del grunge, soprattutto se si ascolta con attenzione le linee vocali. Più particolare è Wind Arrives, una ballad oscura che piazza un assolo con wah wah molto emotivo: particolare innanzitutto perché arresta subito quella corsa che la prima traccia aveva innestato ma anche perché rappresenta più di una traccia lenta; a dir la verità risulta cupa e ovattata, ma comunque in linea con l’idea musicale del quartetto. Nella breve Ain’t No Fun le chitarre acquisiscono un’anima più metal e mostrano grande spessore non appena prendono due strade differenti, per poi lanciarsi in una traccia, Black & Grey, che abbraccia il pop americano nelle strofe e il post-grunge nell’intro e nei ritornelli. E sul finire?! Arriva I Don’t Care che ci riporta ai gloriosi Turbonegro ai tempi del mitico Hank Von Helvete, eppure qui c’è sempre una voce che ci spinge fuori portata, fuori genere. Musicalmente parleremo tranquillamente di punk’n’roll anche se le liriche ci attirano verso le lande del grunge e del rock targato USA.

Quindi niente a che vedere con la (quasi) omonima canzone dei Rise Against, i Black Mask & Gasoline ci regalano un sound internazionale su cui sicuramente ci sentiamo di scommettere: ricordate questo nome che in futuro lo risentiremo.

Churchill – Ravage

Usciamo per una volta dai soliti schemi “band italiana / band con cantato in inglese” ed incontriamo con somma gioia una formazione francese, orgogliosa di essere tale, che si presenta, si descrive e canta tutto in francese. Una sensazione strana per noi ma sicuramente una scelta da apprezzare che, per certi versi, premia anche una certa originalità. Il sound si muove tra un hard rock anche un po’ rock’n’roll di sponda Danko Jones e un approccio grezzo che ricorda certi Turbonegro di metà carriera, quindi riff che danno tanta carica e una sezione ritmica che trascina il tutto. Niente di rivoluzionario ma si sa che su questo tipo di proposta è più l’attitudine che l’innovazione ad essere apprezzata e i ragazzi ci sanno fare, questo bisogna riconoscerlo. Restano fedeli al rock’n’roll i Churchill anche se sanno inserire elementi di richiamo, che stoppano il respiro e fanno sgranare gli occhi all’ascoltatore tramite stacchi e arrangiamenti vari all’interno delle singole tracce. Solo in alcuni momenti si nota un’insistenza su alcuni pattern (come in Évidence) ma è più per convinzione che per mancanza di idee.

Brani come Fasciné o Aliéné sono dirty rock’n’roll e accendono le luci sui watt sprigionati, mentre momenti come Automne (almeno nella parte iniziale) risultano meno accattivanti. In generale per una band nata da pochi anni è di certo un buon prodotto. Sicuramente la loro natura è più live che studio, quello è l’habitat dove il loro sound arriva prima e crea i maggiori danni. Noi ci auguriamo di incontrarli dalle nostre parti, magari di supporto a qualche band più importante tipo Nashville Pussy o Girlschool.

Firelord – Hammer Of Chaos

I Firelord non sono una band di “primo pelo” e a sentire i primi secondi del loro Hammer Of Chaos non sono nemmeno troppo vicini al genere (doom) che li ha fatti nascere, almeno non dal punto di vista ritmico. Infatti se la tracklist ci fa immaginare subito scenari lugubri e brani lenti e decadenti (5 tracce che sfiorano i 30 minuti di ascolto) possiamo dire con fervore che i Firelord picchiano nel nome del rock’n’roll imbastardito da tanto heavy metal (o viceversa, come preferite). I brani, nonostante i bpm e la lunghezza, non sono per nulla noiosi, anzi la determinazione con cui questo trio (ebbene sì, si tratta di un trio) sprigiona la propria energia è assolutamente invidiabile. Questa è la grande capacità di questo combo: comporre brani da 4 o 5 minuti ma riuscire ad essere veloci e sorprendenti ad ogni passaggio. La titletrack ed esempio è l’unica che supera gli 8 minuti (in realtà sfiora i 9) e sembra davvero giungere dal fuoco degli inferi, come se Iron Maiden e Black Sabbath si fossero scontrati in un frontale a 200 km/h. Non è da tutti proporre composizioni così lunghe ma elargire musica che ti rimane incollata addosso e ti tiene con le orecchie aperte fino all’ultima nota.

Non servono ascolti ripetuti, appunto, bastano le prime due tracce per capire l’irruenza di questo sound e l’impatto che i Firelord portano anche on stage. Distruttivo tanto che l’etichetta stoner è sicuramente per loro qualcosa di riduttivo. Non poteva mancare una cover proveniente dalla famiglia allargata Kyuss e la scelta ricade su Pilot Of The Dune degli Slo Burn rivista nello stile dei Firelord. Insomma trenta minuti che hanno la stessa forza di un cazzotto sulle gengive.

Helligators – Road Roller Machine

Quando si parla di rock si parla di potenza, di energia, di riff e di sudore. Ma quando si parla di rock’n’roll tutto questo viene amplificato, elevato a potenza. Gli Helligators lo sanno bene, giovani musicalmente parlando ma consapevoli di voler spaccare, di arrivare con il proprio sound dritti in faccia al proprio ascoltatore. La coppia di chitarristi El Santo/Kamo realizzando un marchio che cita i Pantera seppur puntando meno sul lato metal di Darrell e più sul sapore southern (tanto da avvicinarsi spesso ai “cugini” Down), le linee vocali aderiscono invece al rock’n’roll a tutto tondo, sporcate di blues di tanto in tanto e urlanti emozioni e grinta, come obbliga il genere. Road Roller Machine è il loro secondo album e dobbiamo ammettere che colpisce fin dalla parte grafica che lascia pochi dubbi sugli intenti della band; dal punto di vista musicale non nasconde sorprese in quanto, come un monolite, si abbatte con il suo incedere costante su di noi per un’ora quasi di southern metal, rock’n’roll nell’animo ma qualcosa in più come watt. “Coerenza” è la prima parola che ci viene in mente ascoltanto per intero questo album, la seconda è “distruzione” immaginandoci la resa live di questi pezzi e il carisma che questi ragazzi dovrebbero avere per essere all’altezza della loro musica.

D’altra parte in alcuni momenti i brani potrebbero essere sfrangiati, più che altro per rendere più diretto e semplice l’ascolto, come rock’n’roll insegna. Qui però siamo già nel campo delle osservazioni fatte con la lente di ingrandimento perché Road Roller Machine non è un album da analisi psichiatrica, piuttosto un lavoro che va ascoltato dopo una bottiglia di Jack Danield’s scolata senza pausa. Sia chiaro che gli Helligators trovano pane per i loro denti se invischiati in una folla che urla il nome dei Motörhead ma il loro stile sicuramente elargisce piacere gratuito a fan dei Down come dei Volbeat e, perché no, anche degli Entombed periodo Wolverine Blues.

Michael Monroe – Blackout States

A partire dal decennio che stiamo vivendo Michael Monroe ha fatto suonare la sua sveglia personale e ha dato una nuova svolta alla propria carriera. Accantonati (o meglio ammazzati) i suoi Hanoi Rocks con l’album Street Poetry del 2007, l’instancabile e biondissimo Michael si dedica alla carriera solista che in realtà era ferma dal lontano 2003. Nel suo caso la mala fede va lasciata da parte visto che Michael, dall’alto dei suoi 53 anni, riesce ancora a comporre grandi pezzi e restare all’altezza di quanto fatto in passato. Certo la scena musicale si è evoluta e gli anni in cui Guns N’Roses e Mötley Crüe dichiaravano di essere stati enormemente influenzati dagli Hanoi Rocks sono pieni di polvere, ma va detto che il nuovo Blackout States è un ottimo album che colloca Monroe in alto tra i fenomeni da seguire. Un album con un gusto profondo di rock’n’roll ma anche quel punk un po’ “cantereccio” che è perfetto per le occasioni live nelle quali sicuramente lui e la sua band danno il meglio. Già dopo una manciata di brani si intuisce che questo album è un insieme di classici pur non sembrando un clone di nulla: Michael difficilmente guarda avanti, perché non è nel suo stile evolversi, non a caso quella spruzzata di glam’n’rock che riscontriamo in molte tracce ci ricorda le sue radici. E’ chiaramente maturato e alcuni momenti richiamano un po’ la (non bellissima) fine fatta da Bon Jovi: Keep Your Eye On You, ad esempio, è indubbiamente composta per il grande pubblico e lascia l’amaro in bocca a chi ha sete di rock vero.

Goin’ Down With The Ship è sicuramente l’anthem dell’album, un pezzo che potremo definire “quattro stagioni” visto che va benissimo in radio come in cuffia a volume altissimo, sotto la doccia o ad un concerto durante il quale cantarla a gran voce. Permanent Youth è un brano a metà tra i due prima citati: con delle aperture di chitarra e dei chorus nel ritornello sembra buono un po’ per tutti ma sarebbe sbagliato metterlo in seconda fila perché è tutt’altro che un pezzo studiato a tavolino. Eppure riconoscere in Michael Monroe un artista che accontenta orecchie (molto) diverse potrebbe sembrare una bestemmia, non a caso noi ascoltiamo con piacere i sui brani più tirati: Good Old Bad Days omaggia gli Hanoi e allo stesso tempo accontenta tutti gli amanti del punk (quello vero, seppur più melodico), R.L.F. è un vero carrarmato che spinge il piede sull’acceleratore, ma presto si vira sul punk rock con Under The Northern Light speziato da un assolo profondamente sleaze.

Non un attimo di tregua e sul finale eccoci pronti a fare headbanging sotto le note Dead Hearts On Denmark Street, classica sleaze rock song, gioia e godimento di tutti i fan di Hardcore Superstar et similia. In generale la bellezza di questo album è che lo riteniamo composto e registrato in maniera più che matura, ciò si tocca con mano dalle doppie linee vocali, dagli arrangiamenti e dagli intermezzi. Ma sono le idee quelle che contano e Monroe ha uno stile tutto suo che a nostro parere fa mangiare la polvere a tantissime realtà similari. Sarebbe davvero un peccato se mollasse, perché siamo sicuri che ha ancora tanto da dire.

Super Dog Party – Blues Screen Of Death

Dire che i Super Dog Party sono una band fuori dai canoni è un eufemismo centrato in pieno. Questo power trio ti lascia a bocca aperta per una serie di motivi, primo fra tutti per il “prodotto” che presentano. Blues Screen Of Death è un qualcosa di fantascentifico: un vinile con una copertina che attira l’attenzione e un back creato apposta per chi vuole scaricare l’EP in formato digitale, sì perché la loro musica è in free download sul proprio sito web. Ma essendo un EP i Super Dog Party non disdegnano il formato CD e soprattutto accompagnano questo paccozzo non con un semplice booklet bensì con un vero e proprio mini libro contenente la loro storia, le locandine dei loro show, le loro foto un po’ pazze e tanto altro ancora. Ci sentiamo corteggiati e sorpresi da questi ragazzi e ancora presi dall’effetto stonante ai nostri occhi ci apprestiamo ad ascoltarli sicuri che dietro tutto questo ci sia un punk giovanile e un po’ demenziale. Altro che demenziale!! I Super Dog Party sono blues imbevuto nel rock’n’roll sparato dritto senza sbavature e sono solo in tre! La titletrack è sicuramente la prima traccia che bisogna provare di questo combo: una traccia che non trova mezze misure e colloca tutta la sua verve nella sei corde che si trascina dietro tutto. Sembra rivivere di riflessi di stoner e di crossover ma è solo il rock senza compromessi che esplode infrangendosi contro noi.

Il blues prende il sopravvento in Subject Dog Blues, ma di quello sporco e rozzo, di quello che ti fa sbattere la testa in maniera incontrollata per poi pacarsi nell’ultima The One Who Knocks che attraversa atmosfere psichedeliche e plumbee per presentare un’altra natura dei Super Dog Party, una natura appunto lontana dalle feste ma fedele allo stampo rock. In fin dei conti Blues Screen Of Death picchia duro, suona bene e con carattere. Sicuramente i 15 minuti più lunghi e ricchi di musica che abbiamo mai ascoltato dal nuovo millennio ad oggi.

Danko Jones – Fire Music

Ascoltare un nuovo album dei Danko Jones è come accettare un assegno in bianco dall’uomo più ricco della Terra o come acquistare un volo aereo per un’isola da sogno. In pratica è una garanzia. Il trio, forte del nuovo ingresso di Rich Knox dietro le pelli, continua inesorabile nel suo stile, album dopo album. D’altra parte il loro timoniere, che dà il nome all’intero progetto musicale, afferma di voler suonare solo rock’n’roll e nient’altro, prendendosi anche spesso beffa di quelle giovani formazioni che dicono di proporre musica sperimentale o psichedelica. Un biglietto da visita che conosciamo quello dei Danko Jones e infatti, anche per questo Fire Music, non sono attese delusioni.

Le tracce sono tutte attestate sui 3 minuti, durata perfetta per tiro e per diffusione su larga scala (radio?!), il trascinanto è costante e diretto, impossibile tenere il collo fermo sotto le note grandinanti dei Danko Jones. Quindi cosa cambia nei loro nuovi brani? Diciamo che c’è uno sguardo al passato e uno in avanti. The Twisting Knife ad esempio risente molto dell’approccio rock di Below The Belt ma possiede comunque un buon grip nei testi; altri momenti invece presentano un approccio quasi post-grunge ma molto accelerato che permette ai Nostri di non uscire dal seminato del rock’n’roll ruvido e cattivo. In Gonna Be A Fight Tonight si assaggia addirittura un dolce sapore punk e i cori rendono il brano ancora più pronto per le esibizioni live.

Nessuno come loro riesce a mettere d’accordo fan così diversi, da chi ascoltava i primi Turbonegro agli appassionati dei Kiss, con una formula del tutto semplice: “It’s only rock’n’roll” direbbero loro! Una nota di merito a Do You Wanna Rock?, una domanda che trova risposta nei vari cambi all’interno del brano (alla faccia di chi ritiene i Danko Jones sempre uguali a se stessi!); bello anche il passaggio dalla veloce Watch You Slide alla lenta ma dura I Will Break Your Heart. Praticamente ce n’è per tutti!

In generale i Danko Jones si dimostrano per l’ennesima volta di essere la migliore ricetta per chi cerca del sano rock da sparare a volume 10 del proprio stereo, un rock scritto come fosse una band di ragazzini pronti a far esplodere tutta la propria rabbia ma suonato con più di 20 anni di esperienza alle spalle.

SeM E Le Visioni Distorte – Dal Cilindro

Le band emergenti hanno tante aspettative, molti obiettivi e molti sogni. Ma quando si tratta di band che abbracciano la cultura “rock’n’roll” la missione si restringe a poche parole: incendiare i palchi! Metafore a parte i SeM E Le Visioni Distorte, trio della provincia di Milano, dopo tantissimi live si affacciano sulla scena rock con questo EP dal titolo Dal Cilindro, che richiama il simbolo per eccellenza del frontman Samuele Torresani e l’oggetto intorno al quale ruotano i live dal vivo. E questo è un aspetto imprescindibile del loro sound visto che la musica come concepita da SeM e dalle sue Visioni Distorte prende forma proprio on stage con il suo carisma di coinvolgere gli spettatori e di far muovere anche i più scettici. Non a caso parliamo di un EP di puro rock’n’roll con cantato in italiano da cui sicuramente alcune marce in corsa riprendono il sound e i gusti dei signori Motorhead: l’opener Pettirosso già presenta una formazione (ricordiamolo, un trio) bella carica e con Più Uguale Di Me spicca un punk rock grezzo ma piacevole.

Guai però a confondere le Visioni Distorte con una formazione che spinge solo sull’acceleratore e punta al pogo: il loro trademark è l’esatto contrario, infatti in diversi momenti vengono scoperti il lato emotivo e la poetica che c’è dietro la loro musica. Parliamo di Un Domani Migliore in cui le liriche non vengono messe in secondo piano dai riff, anzi valorizzate e Il Primo Passo, un pezzo raffinato dai ritmi lenti in cui viene fuori una sei corde diversa che lascia di stucco chi di fronte al palco intravede la band annebbiata dai fumi dell’alcol. Compare anche un pezzo completamente strumentale che lascia chitarra e basso tessere delle trame fitte di pathos, senza esibizionismi di sorta ma puntando a musica matura e sentimenti rock. L’EP, davvero variegato e ben prodotto, si conclude con la live song per eccellenza dal titolo Whiskey & Rock’n’roll che dice molto già dal titolo e che, tra strofe molto ricercate lascia esplodere un ritornello che è impossibile non cantare a grande voce. Un plauso va di certo a Davide Pozzoli che con la sua chitarra (per un periodo anche in forze nei nostrani Planethard) impreziosisce le composizioni della band con gusto.

Un EP davvero interessante, pieno di influenze diverse che lascia molte porte aperte rispetto all’evoluzione del sound futuro della band. Noi li aspetteremo sicuri che l’attesa sarà ripagata.

Bullet Train Blast – Shake Rattle Racing

Ben tornato rock’n’roll! Tra le tantissime proposte di band più o meno emergenti per fortuna ogni tanto qualcuno si ricorda di piazzare del buon rock’n’roll, di quello potente, ruffiano e impostato. Riff decisi con un’impostazione hard rock e con una produzione degna di definirsi tale, idee musicali che ripescano dalle leggendarie pagine scritte dai Van Halen ma che li contestualizzano ad un ambito moderno e, perché no, dandogli pure una bella spruzzata glam che rende il tutto più stradaiolo (Hardcore Superstar chiamati in causa). Stiamo parlando dei Bullet Train Blast, un combo danese in piedi da una manciata di anni ma che tornano con questo Shake Rattle Racing che sferra cazzotti senza la minima stanchezza. Si va dall’hard rock moderno dei primi minuti all’alternative metal bello impostato di Game Over, riprendendo le sonorità classiche ma come detto proponendole pronte per le orecchie dei giorni nostri.

Piacevole è Right Reasons che fa fare un salto nel passato alle ballad nu metal, quando la strofa partiva lenta e lasciava il posto ad un ritornello potente che faceva saltare e urlare (Limp Bizkit, P.O.D. furono maestri in questo); un brano comunque che sembra scritto per fare grandi ascolti più che per spontaneità compositiva. Sicuramente i Bullet Train Blast convincono nei pezzi più potenti e diretti come l’opener/tracklist dell’album ma anche in Broken, brano che piacerebbe a chiunque ascolta il “nuovo metal” (dagli Alter Bridge agli Adrenaline Mob); ancora meglio con Oh Desire, il brano che più di tutti ci piace, tre minuti di fuoco che vengono verso di noi con la forza di un carrarmato e la velocità di una fuori serie chiamando in causa dagli Hardcore Superstar prima citati ai W.A.S.P., fino al glam più sfrontato.

Nella seconda metà dell’album la band sembra più cattiva, più veloce e piazza delle tracce che accelerano i tempi e coinvolgono maggiormente l’ascoltatore (When Fools Rise), presa diretta in sede live, come colla fresca sul cartone. My Life Got New Meaning seppur bella aggiunge poco se non le influenze bluesy dell’intro, al contrario la stoppata Standing In The Darkness suona fresca, da ascoltare a ripetizione. Un lavoro consigliatissimo per iniziare a convincersi che molte band emergenti sono di gran lunga migliori di decine e decine di band mainstream. Noi seguiremo i Bullet Train Blast, questo è certo!