Stonewood – Stonewood

Il moniker di questo quintetto ha una duplice interpretazione che ci porta al medesimo punto di arrivo. La prima è quella di “stone” nel senso di stoner, che sono anche un po’ le radici del combo, e quella sensazione di legnoso che questo genere tramite le chitarre ovattate offre; la seconda è proprio l’accostamento dei due termini, “pietra” e “legno”, che sono la fusione delle idee di base della band che vedeva in questi oggetti la descrizione perfetta del proprio sound grunge stoner. Quindi da lì non si scappa ed è difficile volerne scappare. Non a caso l’esordio omonimo di questo progetto è un insieme di brani molto cadenzati, dalla ritmica che segue fedelmente i dettami del genere (ascoltate Legs ed immaginatevi ad un concerto dei Queens Of The Stone Age), con riff decisi, compatti ma anche ruvidi esattamente come tutto il post-grunge ci ha regalato, seppur siano appunto più vicini a lande stoner; infine le linee vocali con effetto megafono, anch’esse che si ritrovano già nella scena. Noioso quindi?! No, Stonewood è un album pensato da gente stoner e proposto a gente stoner, niente di più niente di meno. Non si esce da quelle coordinate e anche alcune scelte (come ad esempio quella di chiudere i pezzi in fader) si ripetono senza voler cambiare un copione già scritto. Come a dire “strada …. non si cambia”. Apprezziamo l’assolo in Bluestone, un certa ricerca di ambientazione nelle strofe di China White e in generale il mood live che pervade l’intera prova.

Un plauso va alla copertina, fantastica, che dipinge un sodalizio tra un concept fantascentifico e un’impostazione cartoon davvero di impatto. Quello che manca in questo lavoro è forse qualche ingrediente inaspettato, qualche sorpresa, qualche scelta coraggiosa che tenda a presentare gli Stonewood non come una band che omaggia una scena arci nota ma come una realtà che intende calarsi a fondo in essa e interpretarla con una propria visione. E questo è l’augurio che facciamo loro da qui in avanti.

Grave – A Trip To Mustafar

Davvero una sorpresa questo album dei Grave, seguito del precedente Vol.1 che piazza quattro tracce in grado di colpire nel segno dello stoner e non solo. E a noi quello che interessa della proposta di questo terzetto è proprio il “non solo” perché sui riff stoner e l’incedere cavernicolo c’è poco da obiettare: metallurgico e siderale il loro stile che sicuramente colpisce in pieno volto chi ama questo genere. Ma c’è appunto di più: innanzitutto ci troviamo influenze parzialmente psichedeliche, sia nei ritmi che talvolta si rallentano sia in intermezzi utilissimi a rendere più digeribili i brani che hanno comunque una durata importante (si vedano i 10 minuti dell’opener ad esempio). Un esempio è dato da Johnny Greender Story: fin dal suo intro il brano poggia su tempi pacati e si perde in foreste con una foschia fittissima in cui ogni singolo strumento crea linee lisergiche e metafisiche allo stesso tempo, accelerando solo sul finire e tornando al tipico incedere Grave. Inoltre i brani sono tutti strumentali e questo carica molto di importanza le linee musicali seguite in primis dalla chitarra, unico elemento melodico del tutto; a nostro parere una voce, magari in stile grunge, non avrebbe sfigurato, anzi avrebbe aggiunto quel quid in grado di far apprezzare i ragazzi anche ad un pubblico non esclusivamente stoner-oriented.

Il sound ci piace e lo promuoviamo a pieno. La band ha tante idee e questo è un bene, a nostro parere potrebbero essere più ermetici e inserire dei limiti massimi di ripetizione di alcuni riff senza togliere contenuto alla loro musica. Sulla voce abbiamo già detto la nostra, ma al di là delle nostre considerazioni (che sono più dei consigli che delle critiche), A Trip To Mustafar resta un meteorite fatto di materiale prezioso che va catturato a tutti i costi.

Circle Creek – Past Presents Future

Vengono dall’Austria i Circle Creek ma sembrano provenire dal fondo di una caverna per la loro forma musicale ovattata e corposa che omaggia indubbiamente il genere stoner usato spesso per presentare la band. Anche se l’opener di questo album sembra presentare una rock’n’roll band, il loro sound è appunto cupo e sotterraneo, capace comunque di elargire grandi emozioni anche a chi è abituato a masticare classic rock. Un elemento di distinzione è infatti che i riferimenti allo stoner sono solo in termini di sound generale, perché composizione e struttura dei brani sono molto più vicini ad una rock band più completa; questo va sottolineato perché i Circle Creek non sono la canonica stoner band che trova un riff ed un suono particolare e lo ripete all’infinito nascondendosi dietro “alibi desert“, il quartetto in questione picchia duro e inserisce vari divertissement all’interno delle singole tracce. Ascoltare per credere Owner Of A Million Souls (con tanto di intermezzo, esplosione e assolo), Killing Factories in cui esce fuori tutta la capacità musicale e artistica del quartetto, tra intreccio di corde ed emotività intensa, o ancora il wah-wah in Fading Away che prepara il terreno ad un brano con il giusto pathos (confermato poi dalla seconda strofa e dal riffing sottostante).

In alcuni momenti la band sfora e raggiunge anche lidi più prossimi al metal, è il caso di Going Nowhere (in quest’album presentata in due versioni), song che musicalmente è interessante ma che meriterebbe appigli ben più forti a livello vocale. Past Presents Future è un album degno di nota che può piacere davvero a chiunque e che conferma che anche l’Austria ha delle realtà che meritano seguito, in grado secondo noi di aprire a nomi mainstream.

Satori Junk – The Golden Dwarf

L’album The Golden Dwarf ha rappresentato molto per i Satori Junk, tanto che dopo una versione in CD adesso giunge anche la versione in doppio vinile grazie alla Spin On Black. Sei brani più una cover che propongono un sound a noi già noto, quello del doom/psych stoner, ma confezionato con alcuni elementi che rendono riconoscibile la proposta della band, secondo le idee proprie di questa formazione. Idee che nella vera opener All Gods Die fioccano tanto che il quartetto si sbizzarrisce con un pezzo dalla duplice natura: una traccia infatti divisa in due parti dalla durata quasi identica, la prima psichedelica mentre nella seconda piovono riff quasi sludge che regalano muscoli e potenza al tutto. Una scelta che però non si ripresenterà nel corso del lavoro, infatti i Satori Junk puntano a creare un monolite massiccio e veloce che mira dritto al collo dell’ascoltatore; infatti nonostante la durata cospicua dei brani non sono presenti grosse variazioni di sorta, quello che i musicisti vogliono proporre è proprio uno stoner sludge infuocato e ripetitivo, doom nello spirito ma senza punti di inversione.

Cosmic Prison, Blood Red Shrine e Death Dog sono maceti che colpiscono la loro vittima in maniera instancabile, indipendentemente da quello che gli accade intorno. Robusti per gli amanti del genere, stucchevoli per chi si aspetta un cambio di direzione dietro l’angolo durante l’ascolto di una canzone. La title track ci sembra più curata, creando una sorta di atmosfera intorno alla traccia e non pendendo eccessivamente verso il riff centrale, protagonista assoluto di ciascuna delle tracce che la precedono; inoltre il brano presenta anche un’accelerazione non tipica dello stile della band che ci piace e può rappresentare una vera arma di distruzione in sede live. L’album si chiude con la cover di Light My Fire che assume delle sembianze funeree e viene diluita iniettandovi elementi tipici dei Satori, elementi che abbiamo percepito anche nelle precedenti tracce.

Interessanti i suoni futuristici in Cosmic Prison e gli intermezzi strumentali con effetti vari in Death Dog unici attimi di respiro lungo un incedere di metallo fuso che si duplica su se stesso e prolifera watt come fosse un virus. Sapiente (e invidiabile) l’uso del theremin, meno la resa vocale a cui va aggiunta secondo noi una veste più professionale. Da queste considerazioni bisogna partire a parer nostro per rendere ancora più personale la proposta musicale dei Satori Junk.

Lady Maciste – Laut

Uno stoner che fa a cazzotti con tante derive del rock inquadra lo stile dei Lady Maciste, duo project che chiaramente ha tutti i lati positivi e negativi di una band a soli due componenti: istintività, rumorosità, schiettezza, essenzialità, non per forza in questo ordine. Però ci colpiscono, perché non sono il canonico progetto a due dove chitarra e batteria irradiano con il loro potere implosivo quasi come fosse uno sfogo adolescenziale; c’è cura a fianco dei suoni molto elettrici della sei corde e appunto stoner, c’è la mente dietro questo stile, c’è la voce che gioca un ruolo importante senza togliere un’oncia alla potenza dei riff, c’è costruzione dei pezzi. Ascoltare brani come Ted Bundy (quasi una mini colonna sonora di un film horror) dimostra che le idee della band sono tutt’altro che semplici e noi apprezziamo questa personalità che qui esce in maniera più ricercata. E le derive a cui facevamo riferimento sono appunto diverse, dall’hard blues dell’opener Bruto, al sapore rock’n’roll che compare in altri momenti come se fosse un tiro deciso, passando per il rock/grunge insito nel grip della chitarra, tutti profili che ad un ascolto disinteressato non vengono fuori.

Sì la produzione è curata ma poteva esserlo di più, forse volutamente per trasferire quell’umidità da club all’ascoltatore, eppure Laut arriva dritto come un treno rapido fatto di vagoni ben curati ma pur sempre dalla velocità distruttiva. Bello l’artwork che a nostro parere rispecchia benissimo il significato della proposta musicale del duo: osservando la copertina si percepisce qualcosa di scarno ed essenziale, ma osservando al suo interno l’immagine si arricchisce e diventa tutto più affascinante. Questo secondo noi il vero senso dei Lady Maciste.

Them Stones / Charles In The Kitchen – Stones In The Kitchen

Affascinante l’idea della Division Records di dare alle stampe uno split album in versione vinile: due brani, inediti e belli luccicanti, di due band diverse, entrambe legate alla scena rock ma con chiavi di lettura diverse. Fattore comune: l’energia che iniettano nella loro musica. I Them Stones sono un quintetto ormai attivo da 5 anni che al momento ha alle spalle solo un album omonimo ma è pronto a dare alla luce un seguito; anche i Charles In The Kitchen hanno un debut album nella loro discografia pur essendo attivi dal 2011. Da qui l’idea di Stones In The Kitchen, uno split che fonde i nomi dei due progetti, sei-minuti-sei di rock sentito non solo con l’udito ma anche con gli altri sensi, due tracce per accendere la miccia e per mettere curiosità circa le loro future pubblicazioni.

Il primo brano, Arrogant Teenage Rag, picchia duro chiamando in causa il punk rock ma anche un certo stoner che i Queens Of The Stone Age hanno reso immortale; sembra di sentire proprio gli echi di Josh Homme e Soci e questo non può far che piacere. Con la seconda traccia, Alone, arriva un post-grunge stoppato che sa di moderno e che presenta una puntina di alternative metal come fosse una spezia che dà sapore al tutto; bello l’assolo, misurato, senza strafare, buone anche le strofe e il riverbero. Insomma pezzo da collezione questo vinile, una chiave per aprire il portone del rock moderno e iniziare a scoprire queste due band.

The Splitheads – New Era May Be Obsessive

New Era May Be Obsessive…mai stato più d’accordo con una frase riguardo al mondo contemporaneo. Come salvarsi da questo frenetico ed ossessivo vortice quotidiano che sembra non avere fine? The Splitheads ci provano con bassi distorti e riff immediati, a cui facciamo fatica a dare una collocazione precisa. I tre si definiscono una stoner/punk-rock band e a tratti incarnano ottimamente entrambe le filosofie di questi generi. Suoni grezzi e distorti come da tradizione dei roventi deserti californiani, ma anche l’immediatezza di chi va dritto al punto senza perdersi in chiacchiere, tipica delle composizioni punk. In alcuni brani si percepisce anche un assaggio di indie (You And Me) e anche qui i ragazzi si trovano perfettamente a proprio agio, senza mai perdere il filo conduttore.

Il disco si apre con 1984, forse il pezzo più forte dei 12 proposti. Ottimo l’impatto, si viene immediatamente proiettati nel mondo “sporco” dei The Splitheads che accompagnerà chi ascolta per tutta la durata della composizione. Come già anticipato il loro sound è un miscuglio di generi, caratterizzato da un basso incalzante, che fin dall’inizio scandisce il ritmo facendo muovere il piedino a tempo, ma che alla lunga risulta un pò statico. I brani scorrono bene, ma fanno fatica ad essere ricordati per qualcosa, complice forse la semplicità compositiva o il fatto che quasi mai uno strumento o soprattutto la voce stessa provino a fare qualcosa al di sopra delle righe. Ne è un esempio lampante Surfin’ And Waitin’, brano solo musicale di ispirazione surf/r’n’r. Per tutto il pezzo si aspetta qualcosa che giustifichi l’assenza della voce, che emerga dal sound di tutti gli altri brani, ma il pezzo finisce e a chi ascolta rimane solo un brano di difficile interpretazione. Oltre alla già citata traccia di apertura, il meglio arriva verso la fine. I Wanna chiude le danze (prima dell’enigmatica outro Hammer) con un intro molto Rise Against e cambia pelle man mano fino a sfociare in una bellissima chiusura 100% stoner rock in un amalgama che riassume ancora una volta le molte facce della stessa band.

Il suono è volutamente grezzo, complice la scelta di registrare in presa diretta, ma calza a pennello con ciò che i The Splitheads hanno da dire. Scelta azzeccata quindi, come anche quella dell’accattivante artwork rosso fuoco. Attenzione però, nei credit non appare da nessuna parte la voce “mastering” e questo in effetti si sente sia nel volume della riproduzione, sia nel bilanciamento dei vari strumenti. Per un demo di presentazione questo può non essere importante, ma per un disco completo di 12 tracce che in qualche modo deve essere “vendibile” questo processo ormai è quasi d’obbligo per uniformarsi allo standard delle produzioni moderne. In New Era May Be Obsessive i The Spitheads dimostrano di saper “surfare” egregiamente tra i generi che li hanno influenzati e di saper sfornare pezzi diretti e potenti. Un pò più di cura nei dettagli e magari qualche azzardo tecnico/compositivo in più potrebbero sicuramente alzare l’asticella e far lievitare l’interesse per i loro prossimi lavori. Vi aspettiamo, boys!

Fakir Thongs – Lupex

Secondo album per i Fakir Thongs e le quotazioni salgono. La band si presenta come fautrice di uno stoner rock crudo ed elettrico ma in realtà la loro proposta è molto più colta e sapiente. Non vi aspettare riff al fulmicotone in Lupex, brani tosti ci sono ma l’incedere dei FT è calibrato e spesso geometrico tanto da scomodare alcune soluzioni progressive (State Of Grace, Pen Strokes); polvere, tanta polvere ma non è questione di riff, piuttosto di un terreno arido su cui poggiano le tracce per intero, un sapore quasi settantiano (ascoltare A Secret o Unfold per credere) perché è quella l’epoca che i Nostri sembrano omaggiare. Dicevamo niente brani radiofonici, niente riff da strofa e cambio di tempo per l’orecchiabile chorus, il power trio (accompagnato da Oliver Pranzini ai synth come quarto elemento) costruisce un’idea di musica più complessa dove ciascun strumento si manifesta in maniera personale e solo la fusione di tutti i contributi rende distintivi i brani nel loro complesso. Prendete ad esempio un brano come Pen Strokes che potrebbe far impallidire una prog rock band: le linee vocali sono l’unico elemento che ammorbidisce il costrutto che al contrario si erge intricato e diagonale da stringere a sé per chi ama i pentagramma articolati.

Non vi spaventate perché i Fakir Thongs abbracciano comunque il rock nella sua essenza, nell’opener ci sembra di sentire una sei corde che piacerebbe ai Wolfmother, ma anche quando i riff cambiano pelle e si induriscono, come in Wasting Your Smile, regalano attimi pregevoli per chi ha sete di chitarra e di rock in generale. Al contrario vi sono anche momenti in cui l’ascolto diventa più impegnato e l’approccio ricercato potrebbe non essere digeribile per tutti, come nei sette minuti di Hormiga Bite, in Luxia Rajosa o anche in parte in Reaching The Coast, ma va riconosciuta l’eccezionalità di queste tracce visto che gli altri esercizi sono meglio avvicinabili. Anzi, questa pesantezza sonora e compositiva più ragionata a nostro parere rende l’album più variegato espandendo gli orizzonti di riferimento. Insomma che siate fanatici del rock più muscoloso, del prog rock o di sistemi più sperimentali vi consigliamo caldamente un ascolto (e anche più di uno) di Lupex.

A Forest Mighty Black – Chemical / Physical

Caldo, afa, sudore. Non è l’estate che ci sta dando alla testa ma l’arrivo come un razzo macchiato del primo album degli A Forest Mighty Black, quintetto del Nord Est che firma per Go Down Records e realizza un album che si incastra alla perfezione nel catalogo della suddetta etichetta. Siamo nello stoner, ovviamente, ma i ragazzi ci mettono del loro. Le linee vocali sembrano avvicinare la proposta musicale ad un combo di post-grunge moderno, anche se i riff sono davvero sporchi e ruvidi come non mai; questo l’elemento che li inserisce nella scena stoner insieme ai riff rotolanti (groovy, qualcuno potrebbe dire blues) che lasciano tutti gli aloni possibili nella nostra mente. In alcuni tratti sembra addirittura percepire delle influenze sludge, tanta è l’irruenza con cui la musica degli AFMB penetra nelle nostre orecchie e questo non è l’unico elemento che li riconduce ad un sound d’oltreoceano.

Ma quando i ragazzi iniziano ad uscire fuori da questa struttura che si sono loro stessi costruiti ci piacciono ancora di più. Intendiamo quando inseriscono la vena più “chimica” che “fisica”, per parafrasare il titolo di questo album, allora mettono la quinta e scorrono sull’autostrada del rock. Ci riferiamo ad esempio alla titletrack, davvero ben costruita, un pezzo rock di tutto rispetto con un intro che ti fa venire il cuore in gola e fa salire la voglia di sapere dove andrà a finire il pezzo. A Complicated Story è un altro esempio, seppur diverso dalla traccia precedente: qui i ritmi sono diluiti e la forza implosiva si è tramutata in un viaggio interiore lungo 7 minuti, tra effetti di chitarra ed altri effetti più sintetici.

Attenzione quindi che gli A Forest Mighty Black, pur essendo legati ai generi musicali prima citati, sono consigliatissimi anche a chi divora rock moderno, di quello elettrico e distorto. Consigliamo in particolare brani come It Happens o Sunset Cream con un tiro ed una carica che ci piacerebbe sentire nelle migliori radio rock in circolazione. Insomma Chemical / Physical è un album che da qualsiasi punto lo si guardi sprigiona energia senza tante preamboli.

Tuna De Tierra – Tuna De Tierra

Power trio. Stoner. C’è un sottobosco in Italia che fonde questi due concetti e ne crea una scena viva e vegeta che insiste con convinzione in queste sonorità. Se non per il fatto che il trio in questione proviene da Napoli e non dal Nord-Est, dove sulla base del nostro osservatorio lo stoner sembra più pulsante. Differenze geografiche a parte i Tuna De Tierra giungono al primo full-lenght omonimo e si accasano presso la Argonauta Records. Il loro stile è sì stoner ma di quello lento e asfissiante, dimenticate i riff super prodotti e grondanti cemento lavico di formazioni ben più note (quelli compaiono solo raramente e non rispecchiano il vero sound della band): arpeggi continui e intricati, sonorità anni 70, incedere lento e quasi psichedelico, linee vocali che timidamente restano un passo dietro gli strumenti, offrendo un effetto misterioso e vintage che album di decine di anni fa conferivano. Non è un caso che le tracce hanno una durata consistente, ci si allontana volutamente dall’intenzione di comporre singoli o brani dal facile piglio, la sezione ritmica si muove su schieramenti classici abbandonando ogni intenzione di spingere sull’acceleratore e trascinare lo sventurato ascoltatore.

Più che scomodare grossi nomi dello stoner potremo citare formazioni classiche i cui echi si sentono nella musica dei Tuna De Tierra, dai Led Zeppelin (Out Of Time) ai Blue Öyster Cult (Raise Of The Lights), opportunamente ricoperti di polvere ed ovatta per incastrare il suono in quell’epoca. Il sapore di blues (Long Sabbath’s Day) non molla l’osso ma senza quella ritmica che tiene su il morale, piuttosto una caduta verso ambienti roventi e in cui il tempo si ferma. Un buon album ma lo vediamo troppo indicato per gli appassionati del genere.