Le Capre A Sonagli – Sadicapra

Bergamo è la città da cui proviene un gruppo di capre totalmente fuori dal gregge. Per gli estimatori di buona musica e per gli amanti delle band non convenzionali ci sono loro, Le Capre A Sonagli. Questo singolare quartetto ha alle spalle ben sei anni di attività col nome di Mercuryo Cromo, da cui nel 2011 prende vita appunto la loro nuova identità. Sadicapra è il secondo album della band che suggella appunto questa trasformazione espressiva oltre che nominale. Sono chiare le influenze stoner e rombanti alla Queens Of The Stone Age, ma pensare di prendere come riferimento un unico genere musicale è davvero molto riduttivo. La pluriennale esperienza artistica su cui poggia il lavoro compositivo del gruppo, permette a questo singolare quartetto di elaborare in maniera efficace un sound molto personale e compatto nella sua eterogeneità. La prima traccia La Capra E Il Bastone è un intro che fa respirare un’atmosfera folk, con la chitarra acustica accompagnata dal banjo a cui vengono in supporto ora l’armonica ora i flauti. Caronte esprime egregiamente un’aria tetra e inquietante con la voce di Stefano che da questo momento in poi sarà più grottesca. Il testo vede un richiamo ai riti pagani, elemento che attraversa del resto l’intero lavoro. La Triste Mazurca Della Morte si apre con un bel riff distorto di chitarra e prosegue nella resa del tono macabro, mentre con Dove You Go? siamo repentinamente trasportati in un travolgente garage punk volutamente low-fi.

La quinta traccia, Note D’Amor è il primo singolo estratto dall’album, un bel folk da saloon americano. Elefante invece procede con ritmo cadenzato e più grave, proprio come a simulare il passo lento del pachiderma (gradevole il finale dalle tinte quasi psichedeliche). Pirata Della Strada è un brano strumentale dalle ritmiche spezzate che ci porta alla terzultima traccia Dio Non Sa. Segue un ulteriore paragrafo strumentale dal titolo Fuori Dal Cono che richiama alla mente lo stile eccentrico e caleidoscopico del nostrano Capossela. Conclude il disco la scoppiettante Ringo che addirittura si riversa in sonorità elettroniche nel finale. Sadicapra è un disco che sorprende e che in meno di mezz’ora ci trasporta da un estremo all’altro dell’emisfero musicale. Se l’intento della band è quello di impedire una rigida classificazione del loro “genere”, bisogna ammettere che l’obiettivo è stato raggiunto.

Elevator To The Grateful Sky – Elevator To The Grateful Sky

Iniziamo da una constatazione di imagine: già osservando la cover del cd si intuisce quali siano gli obiettivi del gruppo siciliano, una superficie lunare simile al miglior deserto dalle parti di Joshua Tree, un font che ricorda i Grateful Dead e tutto l’acid rock…il tutto virato da un filtro “caliente”. Fatta andare la prima traccia abbiamo la conferma di quanto ci aspettavamo. Uno stoner rock alla Kyuss, Fu Manchu con reminescenze dei primi, monolitici, Black Sabbath fino agli ultimi Sunn O))) per raccordarsi, appunto, ai Grateful Dead per qualche appuntamento più “psichedelico”. Per quello che riguarda le note biografiche fa sorridere pensare che i due leader del progetto, ossia Sandro e Giuseppe, provenivano, il primo dai death metallers Undead Creep e il secondo dal progetto brutal death metal Omega. Un deciso cambiamento di rotta. Sei tracce sei, chitarre pesantissime, fuzz Big Muff perennemente accessi, voce ora profonda ora urlata anche se ben distante dalla potenza di un John Garcia (periodo …And The Circus Leaves Town per capirci).

Ci sono ottimi momenti come le stilettate selvagge di Technicolour Widow, con quel wah lisergico, la monumentale Electric Mountain, omaggio agli Electric Wizard, con quella voce effettatissima e dilatata che rimbomba nelle orecchie anche dopo la chiusura del pezzo, o ancora Ganesha, massiccia come un elefante e orientaleggiante come la divinità rappresentata. Provate ad ascoltare Cosmic Dust pensando fosse cantata da un giovane Ozzy. Sabbattiana non è vero? Confermiamo che il disco si fa ascoltare piacevolmente quindi lo promuoviamo in attesa di sentire un full leght.

Dübby Düb – Sorry, No Dub!

Nella corsa verso l’originalità bisogna ammettere che i Dübby Düb tengono un passo deciso. Ci si aspetterebbe un album appunto dub da questa band, almeno dato il nome scelto, e invece il suono è rock duro e puro (infatti il moniker è ripreso dagli Hüsker Dü); probabilmente si saranno evoluti a partire dalla loro genesi, e invece il loro esordio Rock’n’Roll Head era implicato in strane faccende hardcore (ancora una controsenso se vogliamo); il suono ovattato dei quattro ragazzi fa immaginare in alcuni momenti un basso pieno e ruvido che scalfisce il fondo della sezione ritmica, ma anche questo è un altro errore visto che le quattro corde sono assenti in questo lavoro. Ma allora chi sono i Dübby Düb? Al di là delle presentazioni che li vedono grandi fautori dell’approccio vintage alla musica (con registrazioni in presa diretta e sala prove in una ex scuola elementare come sorta di richiamo alla vena ideativa/compositiva), questo quartetto si posiziona egregiamente al centro tra la scena grunge degli anni ’90 e quella post-grunge nata in un’epoca successiva creando una crepa che però invece che spaccare funge da collante per i due generi. Infatti Foo Fighter e Queens Of The Stone Age (quindi per certi versi anche Kyuss) si incontrano agevolmente con gli esordi del grunge dove qualcuno (non solo il Dave Grohl del caso) si stava facendo le ossa.

Parti con una batteria incalzante come Pleasure si fanno breccia, mentre Settle Down richiama direttamente le camice a quadrettoni pur non cambiando le carte in tavola; noi preferiamo molto di più l’impostazione rock di Space Centrol e l’energia brulicante di Flipper che fa molto Queens Of The Stone Age appunto. Ascoltando l’intero album ci è chiaro che se dovessimo trovare un territorio assolutamente comodo per fondere le idee di questa band quello sarebbe senza dubbio lo stoner. Non vanno tralasciate le divagazioni fuori traccia come Possibility che spiazza con il suo ukulele e una chitarra che sostituisce il basso (una sorta di iniziativa non calibrata che però piace) e Whatever che suona semplicemente rock. In generale l’album però vive di ritmi lenti che se velocizzati a nostro parere potrebbero mettere a frutto i suoni graffianti e rendere il tutto ancora più coinvolgente e magari più rock’n’roll. L’attenzione alla fase di songwriting c’è tutta e dati i presupporti non ci resta che consigliarvi un ascolto di questo album.

Sick Monkey – Sick Monkey

Se c’è una domanda a cui è difficile rispondere è quella sul futuro del rock. Di decennio in decennio esso cambia pelle ma se dobbiamo immaginare quale sembianza il rock possa assumere nei prossimi anni e quale radici possa sviluppare più di tutte, questo non è dato sapere. Dei solchi sono ormai stati tracciati e ci sono dei generi che non si estingueranno mai, ma il vero concetto di sviluppo, di innovazione che prenderà il sopravvento, questo be’ ce lo chiediamo spesso. Probabilmente se lo sono chiesti anche i Sick Monkey che iniziano la loro carriera solista con questo EP omonimo richiamando la tradizione stoner, un pò di moda in questo periodo ma non per questo scelto come bandiera della band. Bastano infatti pochi minuti (in realtà questo EP ne dura solo 15) per capire la purezza di questi ragazzi: certo le influenze si notano e non solo tra le band moderne, i Nostri infatti scomodano anche i Black Sabbath in persona con i loro riff cupi e imprescindibili. Molto forte il trademark grazie al cantato in italiano, fattore davvero raro per questo genere, ma resta più di tutti da apprezzare la rilevante varietà stilistica delle quattro tracce che lascia intuire un pozzo di idee dietro le menti dei quattro artefici e un interessante potenziale full-lenght prossimo a venire.

La rabbia intrisa dalle parti vocali di Ridi Ruggine richiama qualcosa alla Marlene Kuntz, mentre l’opener Anatomia Dell’Essere ci trascina negli oscuri inferi dell’heavy più tenebroso e del suo wah-wah asfissiante; un cambiamento ancora di vestiti con Entiende
che assume sostanze dall’effetto rallentante, inniettando groove e riff sporchi. Senza Testo invece sa di quel rock irriverente tipico di quando i Litfiba facevano il loro dovere, con testi sputati in faccia ed il vocione del singer che conquistava la scena, anche ben oltre i tecnicismi della sei corde. Una band sicuramente interessante ma da approfondire sulla lunga distanza.

Allhelluja – Pain Is The Game

Come riuscire nel giro di due album a creare una spaccatura nel mondo musicale rock/metal, far parlare di sé senza ricorrere ad oscenità o ad armi scontate (violenza e censura) e creare un forte seguito, di stampa e di fan, semplicemente rimescolando le carte dei generi senza avventurarsi in strade nuove. Bè un bel quesito, quasi da “Premio per enigmista dell’anno”, ma che questa volta va assegnato non ad un singolo bensì ad un gruppo di 4 musicisti dal nome “Allhelluja”. Sì perché i Nostri (non totalmente inteso in senso nazionalista, visto che 3/4 della band è italiana mentre l’elemento straniero è costituito da “un certo” Jacob Bredhal, ex-comandante del plotone thrash/death Hatesphere) a ben vedere non creano nulla di nuovo, nessun elemento apporta infatti un contributo in termini di innovatività, ma riescono a mischiare differenti ingredienti (derivati direttamente dalle loro influenze principali) capace di offrire un piatto prelibato non solo per il popolo metal ma anche per ogni dirty rockin’ guy presente sulla faccia del globo. E così si trova l’approccio sporco dei Motörhead, parti parlate e riff rock/blues in stile Down/Unsane, un gusto (hard) rockeggiante alla Foo Fighters/Black Label Society e una coda nu metal alla Stone Sour totalmente offuscata da un carattere prepotentemente stoner. Ma la lista non è certo esaustiva per descrivere il frutto ottenuto dall’albero Allheluja: ciò che lo rende significativo non sta nelle radici ma nelle dimensioni che sta assumendo e nella oscurità che riesce a produrre ed a riprodurre ad ogni ascolto.

Ebbene sì, si tratta proprio di un senso di pessimismo (probabilmente originato da una vicenda personale di Stefano Longhi, autore dei testi e del progetto) che lega a doppio filo ogni singola traccia e che tramuta un album non-concept (a differenza della prima uscita Inferno Museum) in una vera e propria visione di vita, qualcosa che va oltre la semplice ottica e che vuole offrire un’interpretazione genuina e pesantemente oscura della nostra permanenza sulla Terra. Gli Allheluja non si proclamano salvatori del genere umano (come fanno in tanti) ma anzi intendono spalancarci gli occhi: la vita è un gioco (di dolore, da qui il titolo dell’album) e noi siamo tutti dei perdenti con dei peccati da confessare, senza alcun eroe che ci possa salvare (Superhero Motherfucker Superman) attendiamo la fine dei nostri giorni. Hanno dichiarato: “Tutti siamo condannati alla fine, la vita è il dono più prezioso e pure la più orribile delle tragedie, non è malato tutti ciò? Siamo uomini morti che camminano […] e poi qualcuno si sorprende ancora quando in giro per il mondo vengono catturati degli psicopatici o degli assassini seriali…chi è il primo vero serial killer? Colui che ci ha creati”.

Sicuramente una visione cupa causata anche da questioni personali ma si tratta di una filosofia che la band vuole portare avanti con pezzi tosti, poco tecnici molto impattanti. Demons Town parla di un lutto con un tono angosciante che resta appiccicato alla nostra pelle, un colpo secco alla nostra sensibilità ed una rabbia interpretata benissimo sul finale da Jacob. Ogni brano si fa apprezzare almeno per un chicco di emozione (seppure nera) che provoca: Hey J, invocazione a Gesù, con quel “Burn, Burn…” ovattato che traduce bene in rassegnazione l’amore e la pietà che sono ormai lontani dal proprio destino; I’m Not The One con il suo chorus molto Black Sabbath ispira amarezza e conferma la struttura tipica dei testi, ripetitivi ma soprattutto diretti, come le loro idee; Soul Man, canto disperato di un serial-killer in crisi con la propria identità, privo di certezze ma interpretate con un’attitudine stoner/doom indelebile; Big Money, Sweet Money che richiama il riff centrale di Superhero… e si fa apprezzare per l’anima rock ‘n’ roll oltre allo spaccato centrale demoniaco. Il tutto, seppur semplice, conciso e rappresentato da una copertina a dir poco inquietante (opera di Chad Michael Ward), non riesce a far stancare minimamente e spinge ancora più avanti l’aspetto interpretativo-artistico-concettuale-musicale rispetto a riff fini a sé stessi. Allheluja!