Lady Maciste – Laut

Uno stoner che fa a cazzotti con tante derive del rock inquadra lo stile dei Lady Maciste, duo project che chiaramente ha tutti i lati positivi e negativi di una band a soli due componenti: istintività, rumorosità, schiettezza, essenzialità, non per forza in questo ordine. Però ci colpiscono, perché non sono il canonico progetto a due dove chitarra e batteria irradiano con il loro potere implosivo quasi come fosse uno sfogo adolescenziale; c’è cura a fianco dei suoni molto elettrici della sei corde e appunto stoner, c’è la mente dietro questo stile, c’è la voce che gioca un ruolo importante senza togliere un’oncia alla potenza dei riff, c’è costruzione dei pezzi. Ascoltare brani come Ted Bundy (quasi una mini colonna sonora di un film horror) dimostra che le idee della band sono tutt’altro che semplici e noi apprezziamo questa personalità che qui esce in maniera più ricercata. E le derive a cui facevamo riferimento sono appunto diverse, dall’hard blues dell’opener Bruto, al sapore rock’n’roll che compare in altri momenti come se fosse un tiro deciso, passando per il rock/grunge insito nel grip della chitarra, tutti profili che ad un ascolto disinteressato non vengono fuori.

Sì la produzione è curata ma poteva esserlo di più, forse volutamente per trasferire quell’umidità da club all’ascoltatore, eppure Laut arriva dritto come un treno rapido fatto di vagoni ben curati ma pur sempre dalla velocità distruttiva. Bello l’artwork che a nostro parere rispecchia benissimo il significato della proposta musicale del duo: osservando la copertina si percepisce qualcosa di scarno ed essenziale, ma osservando al suo interno l’immagine si arricchisce e diventa tutto più affascinante. Questo secondo noi il vero senso dei Lady Maciste.

Them Stones / Charles In The Kitchen – Stones In The Kitchen

Affascinante l’idea della Division Records di dare alle stampe uno split album in versione vinile: due brani, inediti e belli luccicanti, di due band diverse, entrambe legate alla scena rock ma con chiavi di lettura diverse. Fattore comune: l’energia che iniettano nella loro musica. I Them Stones sono un quintetto ormai attivo da 5 anni che al momento ha alle spalle solo un album omonimo ma è pronto a dare alla luce un seguito; anche i Charles In The Kitchen hanno un debut album nella loro discografia pur essendo attivi dal 2011. Da qui l’idea di Stones In The Kitchen, uno split che fonde i nomi dei due progetti, sei-minuti-sei di rock sentito non solo con l’udito ma anche con gli altri sensi, due tracce per accendere la miccia e per mettere curiosità circa le loro future pubblicazioni.

Il primo brano, Arrogant Teenage Rag, picchia duro chiamando in causa il punk rock ma anche un certo stoner che i Queens Of The Stone Age hanno reso immortale; sembra di sentire proprio gli echi di Josh Homme e Soci e questo non può far che piacere. Con la seconda traccia, Alone, arriva un post-grunge stoppato che sa di moderno e che presenta una puntina di alternative metal come fosse una spezia che dà sapore al tutto; bello l’assolo, misurato, senza strafare, buone anche le strofe e il riverbero. Insomma pezzo da collezione questo vinile, una chiave per aprire il portone del rock moderno e iniziare a scoprire queste due band.

The Splitheads – New Era May Be Obsessive

New Era May Be Obsessive…mai stato più d’accordo con una frase riguardo al mondo contemporaneo. Come salvarsi da questo frenetico ed ossessivo vortice quotidiano che sembra non avere fine? The Splitheads ci provano con bassi distorti e riff immediati, a cui facciamo fatica a dare una collocazione precisa. I tre si definiscono una stoner/punk-rock band e a tratti incarnano ottimamente entrambe le filosofie di questi generi. Suoni grezzi e distorti come da tradizione dei roventi deserti californiani, ma anche l’immediatezza di chi va dritto al punto senza perdersi in chiacchiere, tipica delle composizioni punk. In alcuni brani si percepisce anche un assaggio di indie (You And Me) e anche qui i ragazzi si trovano perfettamente a proprio agio, senza mai perdere il filo conduttore.

Il disco si apre con 1984, forse il pezzo più forte dei 12 proposti. Ottimo l’impatto, si viene immediatamente proiettati nel mondo “sporco” dei The Splitheads che accompagnerà chi ascolta per tutta la durata della composizione. Come già anticipato il loro sound è un miscuglio di generi, caratterizzato da un basso incalzante, che fin dall’inizio scandisce il ritmo facendo muovere il piedino a tempo, ma che alla lunga risulta un pò statico. I brani scorrono bene, ma fanno fatica ad essere ricordati per qualcosa, complice forse la semplicità compositiva o il fatto che quasi mai uno strumento o soprattutto la voce stessa provino a fare qualcosa al di sopra delle righe. Ne è un esempio lampante Surfin’ And Waitin’, brano solo musicale di ispirazione surf/r’n’r. Per tutto il pezzo si aspetta qualcosa che giustifichi l’assenza della voce, che emerga dal sound di tutti gli altri brani, ma il pezzo finisce e a chi ascolta rimane solo un brano di difficile interpretazione. Oltre alla già citata traccia di apertura, il meglio arriva verso la fine. I Wanna chiude le danze (prima dell’enigmatica outro Hammer) con un intro molto Rise Against e cambia pelle man mano fino a sfociare in una bellissima chiusura 100% stoner rock in un amalgama che riassume ancora una volta le molte facce della stessa band.

Il suono è volutamente grezzo, complice la scelta di registrare in presa diretta, ma calza a pennello con ciò che i The Splitheads hanno da dire. Scelta azzeccata quindi, come anche quella dell’accattivante artwork rosso fuoco. Attenzione però, nei credit non appare da nessuna parte la voce “mastering” e questo in effetti si sente sia nel volume della riproduzione, sia nel bilanciamento dei vari strumenti. Per un demo di presentazione questo può non essere importante, ma per un disco completo di 12 tracce che in qualche modo deve essere “vendibile” questo processo ormai è quasi d’obbligo per uniformarsi allo standard delle produzioni moderne. In New Era May Be Obsessive i The Spitheads dimostrano di saper “surfare” egregiamente tra i generi che li hanno influenzati e di saper sfornare pezzi diretti e potenti. Un pò più di cura nei dettagli e magari qualche azzardo tecnico/compositivo in più potrebbero sicuramente alzare l’asticella e far lievitare l’interesse per i loro prossimi lavori. Vi aspettiamo, boys!

Fakir Thongs – Lupex

Secondo album per i Fakir Thongs e le quotazioni salgono. La band si presenta come fautrice di uno stoner rock crudo ed elettrico ma in realtà la loro proposta è molto più colta e sapiente. Non vi aspettare riff al fulmicotone in Lupex, brani tosti ci sono ma l’incedere dei FT è calibrato e spesso geometrico tanto da scomodare alcune soluzioni progressive (State Of Grace, Pen Strokes); polvere, tanta polvere ma non è questione di riff, piuttosto di un terreno arido su cui poggiano le tracce per intero, un sapore quasi settantiano (ascoltare A Secret o Unfold per credere) perché è quella l’epoca che i Nostri sembrano omaggiare. Dicevamo niente brani radiofonici, niente riff da strofa e cambio di tempo per l’orecchiabile chorus, il power trio (accompagnato da Oliver Pranzini ai synth come quarto elemento) costruisce un’idea di musica più complessa dove ciascun strumento si manifesta in maniera personale e solo la fusione di tutti i contributi rende distintivi i brani nel loro complesso. Prendete ad esempio un brano come Pen Strokes che potrebbe far impallidire una prog rock band: le linee vocali sono l’unico elemento che ammorbidisce il costrutto che al contrario si erge intricato e diagonale da stringere a sé per chi ama i pentagramma articolati.

Non vi spaventate perché i Fakir Thongs abbracciano comunque il rock nella sua essenza, nell’opener ci sembra di sentire una sei corde che piacerebbe ai Wolfmother, ma anche quando i riff cambiano pelle e si induriscono, come in Wasting Your Smile, regalano attimi pregevoli per chi ha sete di chitarra e di rock in generale. Al contrario vi sono anche momenti in cui l’ascolto diventa più impegnato e l’approccio ricercato potrebbe non essere digeribile per tutti, come nei sette minuti di Hormiga Bite, in Luxia Rajosa o anche in parte in Reaching The Coast, ma va riconosciuta l’eccezionalità di queste tracce visto che gli altri esercizi sono meglio avvicinabili. Anzi, questa pesantezza sonora e compositiva più ragionata a nostro parere rende l’album più variegato espandendo gli orizzonti di riferimento. Insomma che siate fanatici del rock più muscoloso, del prog rock o di sistemi più sperimentali vi consigliamo caldamente un ascolto (e anche più di uno) di Lupex.

A Forest Mighty Black – Chemical / Physical

Caldo, afa, sudore. Non è l’estate che ci sta dando alla testa ma l’arrivo come un razzo macchiato del primo album degli A Forest Mighty Black, quintetto del Nord Est che firma per Go Down Records e realizza un album che si incastra alla perfezione nel catalogo della suddetta etichetta. Siamo nello stoner, ovviamente, ma i ragazzi ci mettono del loro. Le linee vocali sembrano avvicinare la proposta musicale ad un combo di post-grunge moderno, anche se i riff sono davvero sporchi e ruvidi come non mai; questo l’elemento che li inserisce nella scena stoner insieme ai riff rotolanti (groovy, qualcuno potrebbe dire blues) che lasciano tutti gli aloni possibili nella nostra mente. In alcuni tratti sembra addirittura percepire delle influenze sludge, tanta è l’irruenza con cui la musica degli AFMB penetra nelle nostre orecchie e questo non è l’unico elemento che li riconduce ad un sound d’oltreoceano.

Ma quando i ragazzi iniziano ad uscire fuori da questa struttura che si sono loro stessi costruiti ci piacciono ancora di più. Intendiamo quando inseriscono la vena più “chimica” che “fisica”, per parafrasare il titolo di questo album, allora mettono la quinta e scorrono sull’autostrada del rock. Ci riferiamo ad esempio alla titletrack, davvero ben costruita, un pezzo rock di tutto rispetto con un intro che ti fa venire il cuore in gola e fa salire la voglia di sapere dove andrà a finire il pezzo. A Complicated Story è un altro esempio, seppur diverso dalla traccia precedente: qui i ritmi sono diluiti e la forza implosiva si è tramutata in un viaggio interiore lungo 7 minuti, tra effetti di chitarra ed altri effetti più sintetici.

Attenzione quindi che gli A Forest Mighty Black, pur essendo legati ai generi musicali prima citati, sono consigliatissimi anche a chi divora rock moderno, di quello elettrico e distorto. Consigliamo in particolare brani come It Happens o Sunset Cream con un tiro ed una carica che ci piacerebbe sentire nelle migliori radio rock in circolazione. Insomma Chemical / Physical è un album che da qualsiasi punto lo si guardi sprigiona energia senza tante preamboli.

Tuna De Tierra – Tuna De Tierra

Power trio. Stoner. C’è un sottobosco in Italia che fonde questi due concetti e ne crea una scena viva e vegeta che insiste con convinzione in queste sonorità. Se non per il fatto che il trio in questione proviene da Napoli e non dal Nord-Est, dove sulla base del nostro osservatorio lo stoner sembra più pulsante. Differenze geografiche a parte i Tuna De Tierra giungono al primo full-lenght omonimo e si accasano presso la Argonauta Records. Il loro stile è sì stoner ma di quello lento e asfissiante, dimenticate i riff super prodotti e grondanti cemento lavico di formazioni ben più note (quelli compaiono solo raramente e non rispecchiano il vero sound della band): arpeggi continui e intricati, sonorità anni 70, incedere lento e quasi psichedelico, linee vocali che timidamente restano un passo dietro gli strumenti, offrendo un effetto misterioso e vintage che album di decine di anni fa conferivano. Non è un caso che le tracce hanno una durata consistente, ci si allontana volutamente dall’intenzione di comporre singoli o brani dal facile piglio, la sezione ritmica si muove su schieramenti classici abbandonando ogni intenzione di spingere sull’acceleratore e trascinare lo sventurato ascoltatore.

Più che scomodare grossi nomi dello stoner potremo citare formazioni classiche i cui echi si sentono nella musica dei Tuna De Tierra, dai Led Zeppelin (Out Of Time) ai Blue Öyster Cult (Raise Of The Lights), opportunamente ricoperti di polvere ed ovatta per incastrare il suono in quell’epoca. Il sapore di blues (Long Sabbath’s Day) non molla l’osso ma senza quella ritmica che tiene su il morale, piuttosto una caduta verso ambienti roventi e in cui il tempo si ferma. Un buon album ma lo vediamo troppo indicato per gli appassionati del genere.

Childrenn – International Exit

Un anno dopo il loro disco d’esordio Animale recensito da noi a questa pagina, i danesi Childrenn ritornano alla ribalta con International Exit, il nuovo lavoro discografico che questa volta si avvale della colalborazione di Randall Dunn, produttore di un certo spessore (nonchè fondatore dei Master Musicians Of Bukkake), che ha firmato album di gruppi come i Wolves In The Throne Room, gli Akron Family o i Sunn O))) (giusto per citarne alcuni). Ad aprire quest’ultima fatica ci pensa Cool Ache un brano deciso che, tra cori, riverberi e una batteria pesante, fa presagire quell’atmosfera psichedelica che caratterizza difatti l’intero disco. Nonostante questo però la traccia non parte mai realmente lasciando l’ascoltatore un pò con le orecchie asciutte. La successiva Royal Fever invece, distinta da sonorità prettamente stoner, sembra rivelare un pò di più il vero carattere di questa sorprendente band scandinava. Where’s The Door? è il titolo del primo singolo di questo disco che, grazie alla potenza allucinata del riff principale della chitarra, continua a infondere all’intero progetto un’energia vibrante difficile da schivare.

Year Of Complaint è forse la canzone più violenta e coinvolgente di International Exit: 2 minuti e 41 secondi di pura energia elettrica accompagnata da una batteria martellante e da una voce altrettanto presente. Melodiche e trascinanti invece The Signal’s Clear e A New Low. Vagamente riconducibile alle atmosfere dilatate dei Radiohead è il singolo 11^th Hour Lullaby/Cloud#22 dove l’inclusione di una parte elettronica-strumentale lascia intendere soprattutto la voglia di sperimentare dei Childrenn senza dover essere per forza inseriti all’interno di etichette o spazi circoscritti. Le ultime trace del disco tendono al raggiungimento di una melodia sempre più rarefatta, quasi da ambientazione desertica, con I Am The Antenna, Sing Sing Electric e la solenne Year Of Desire.

International Exit si presenta in definitva come un album che scivola molto piacevolmente facendosi ascoltare, con tutte le sue sfaccettature, in maniera estremamente naturale. Un lavoro colto e pieno di riferimenti dal quale si percepisce tutta l’influenza di progetti stoner psichedelici come i Samsara Blues Experiment, Desert Session o di sonorità ancora più intimistiche e ipnotiche come quelle dei King Gizzard And The Lizard Wizard. Da ascoltare più e più volte, magari in macchina, di notte, sulla strada verso casa.

MinimAnimalist – W.O.K.

Direi che ci sono regole buone per restar fermi in casa, regole ottime per somigliare a chi ci sta di fianco che a sua volta somiglia a chi gli sta di fianco ancora, e alla fine ci sono regole assai efficaci per far finta che le regole non servano a nulla. La verità è che alla fine non ci stiamo inventando nulla dunque questo secondo disco dei MinimAnimalist lo lascio scorrere senza ricercare la novità. Ma chi riesce più ad essere originale oggi? Di sicuro non è questo power duo che viene dalla Puglia a fare cose originali. Power duo, come andava di moda fino a qualche anno fa, tra i poppettari Pan Del Diavolo ai BSBE e come loro tanti meno noti e più famosi. I White Stripes hanno sdoganato questo modo di fare musica anche ai mondiali di calcio…ma questa è un’altra storia…che poi loro con la parola “power” non è che c’entrino poi tanto. Un passo indietro e uno di fianco. I MinimAnimalist pubblicano W.O.K. con queste 11 tracce inedite che sinceramente mi restituiscono aria buona. Sono andato a sentire le canzoni di Motta, lui che ha vinto il Tenco, lui che viene incoronato come un nuovo “poeta”…poi sinceramente mia nipote ha scritto cose per gioco assai più intense. Dunque aria fresca e sinceramente aria anche pulita nonostante la ruggine degli amplificatori e la pastosità ruvida del suono che i Nostri ci regalano.

Un disco che, ripeto, non inventa niente ma che porta a casa un cofanetto di brani altamente ispirati, idee, personalità e semplicità. Sinceramente sono poco avvezzo al genere quindi metto le mani avanti recando opportune scuse a chi invece, capendone, avrebbe ben altro da dire (forse). Ad istinto e a sensazione trovo che W.O.K. sia un disco pulito, appunto. Il singolo di lancio Ing. Giannino (con un video ben fatto e assai interessante) rivela la leggerezza e la pulizia di questo disco. E non siamo di fronte al pop da cassetta per quanto i Nostri con questo brano abbiano provato a far incontrare le due facce: lo stoner che a tratti strizza l’occhio nel prog con il pop di maniera che cerca la soluzione da farti ricordare anche quando sei a spasso. Ma i MinimAnimalist sono ben altro. Sono proprio come si apre il disco, con l’eponimo W.O.K., che mi cattura d’intelligenza e di carattere quella pausa di silenzio che se durava ancora avrei gridato alla citazione di J. Cage. Brani poi come Maglione mettono in luce la capacità di fare del rock duro (stoner appunto) assottigliando anche la lama di taglio e comprimendo la scrittura in giochi melodici che qualcun altro avrebbe fatto con glockenspiel o synth dal suono di gocce. E questa voce di Fabio Cazzetta (se non erro) sottile anch’essa, sempre un poco rimaneggiata elettronicamente (mi sembra di sentire del vocoder proprio in Maglione, forse sbaglio) ma comunque distorta sulle punte ha queste sembianze di dannazione, di vibrato dannato, di sofferenza. In alcuni piccoli tratti la accosterei (con somme distanze di rispetto) al fenotipo di Jeff Buckley (avete capito? Con dovute distanze…rispettandole anche.).

Assai intrigante Elefante che più di tutte probabilmente smonta e rimonta una scrittura di drumming molto esterofila con uno special che riporta il riff di chitarra protagonista e queste sovraincisioni slide che buttano acido sul tutto. E poi ci sono momenti di sosta e di riflessione – per modo di dire – come nella bellissima Mi Buttavo: più ariosa la prima con i primi spiragli alla Foo Figthers e un testo che quasi si perde come liquido che perde dalle tubature. Bellissimi gli spazi in cui si incastrano le parole, bellissima questa intimità di batteria e questa chitarra che pinkfloydianamente ribadisce un concetto di note assai sintetico. E se il prog fatto pop si materializza nel pieno stoner di Disturbo Tripolare con questi cambi di tempo e di design, con questi ostinati assai presuntuosi, il disco si chiude con una mini suite di 5,52 minuti in cui di nuovo ritroviamo una introspezione che cerca la via di fuga e la trova in una coda – manco a dirlo strumentale – di dissonanze e di libertà invasive. Eppure questo dei MinimAnimalist non è per niente un disco invasivo nonostante ci siano tutte le caratteristiche per far bene il rumore e distrarre il popolo da questa maledetta plastica banale del pop moderno.

A quanto pare ci sono espressioni altre e di ben altro livello da ragazzi che invece di crescere a pane e televisione, son venuti fuori dai vinili dell’america rock. Sarebbe curioso sapere quali, e anche se fossero CD…davvero un bel lavoro.

Sunderfeet – Nightmare For Myself

Sono sempre affascinato dalle sonorità fumose, le prime note di questo Nightmare For Myself mi rimandano all’ascolto di uno stoner sincero, che non conosce tradimenti. Dopo un primo EP rilasciato nel 2014, i Sundefeet sono pronti per il grande salto e lo fanno con questo debut, un album interessante che non aggiunge molto al genere ma che consolida appieno quello che già sappiamo. Non manca nulla perché la band possa essere considerata e rigettata nel calderone delle band stoner che nell’ultimo periodo sono emerse in buona parte del mondo. Dying Day è la giusta opener carica di energia che sposta da subito l’asticella verso la vetta, con No Man’s Land sappiamo di un altro lato dei Sunderfeet, quello che attinge anche dal grunge pur restando sugli stilemi stoner specie per i riff, dove il buon Simon Mack si fa apprezzare grazie alla sua vena sabbatiana. Adoro il feeling seventies grazie a Mushroom Fail sono catapultato in quegli anni, vestito di uno smanicato in pelle a cavallo di una vecchia Harley verso mete sconosciute, non ne voglio sapere di scendere dalla mia compagna di viaggio a due ruote, sulle note di Upset Man una song misteriosa, selvaggia. Ho apprezzato il mix del disco che non conosce alcuna sbavatura, capace di passare con naturalezza dalle parti più sabbiose all’energia di riff robusti, come per Death Prowler.

Ho raggiunto la metà del full lenght sempre più soddisfatto per essermi imbattuto nella musica di questo trio francese, che fa della genuinità l’arma vincente, 13 aggiunge qualcosa alla musica dei transalpini mettendo in risalto l’ottimo lavoro sulle voci. Questo è un genere sperimentale che fa nella ricerca dei suoni un costante lavoro, in questo caso spetta a Spread Your Story farne abuso, Simon Mack si lascia andare a un solos perfettamente incastrato a un riff massiccio dove la sezione ritmica per opera di Matthieu Ernewein al basso e Luke Duke alla batteria fornisce un lavoro pieno. Temi allegri quanto energici con l’arrivo di Common Aim, i Sunderfeet per un attimo vestono panni grunge, anche se la base di partenza resta lo stoner, la titletrack (Nightmare For Myself) è una ballad pensierosa che mi accompagna ai titoli di coda, ma prima di chiudere c’è ancora spazio per W.A.R. che come per Dying Day mette in mostra la parte più aggressiva della band.

Sono soddisfatto e appagato, posso tranquillamente rimettermi in sella alla moto, non ho meta ma di certo la colonna sonora del mio viaggio non manca! In alto il nostro saluto!

General Cluster – Greetings From Black Mountains

Lo stoner e lo sludge metal nell’ultimo periodo sono generi che si sono affacciati di prepotenza al grande pubblico. I General Cluster, band francese dedita e fedele a questi generi ne sono portavoce attraverso otto tracce di questo interessante nuovo album dal titolo Greetings From Black Mountains. Si parte con No One’s Bitch che apre le danze in maniera decisa, grazie a riff che non lasciano scampo e un chorus che entra prepotentemente nella testa dell’ascoltatore. Gli elementi che hanno reso celebre il genere ci sono tutti, dove rimandi ai Black Sabbath specie sulle sei corde sono leggibili, nel sound dei General Crusher tuttavia non mancano accostamenti all’heavy classic, grazie a una sezione ritmica che picchia duro. Dopo i mid tempo di The Rover irrompe la furia selvaggia di Shield Wall dai toni più allegri e meno doom, proprio con la seguente Voices la band assume un altro costume, quello rallentato avvicinandosi alle trame di band quali Electric Wizard e Red Fang. Apprezzo sempre molto lo stoner, che mi riporta indietro nel tempo facendomi rivivere le emozioni seventies, calandomi in un’atmosfera fumosa, sabbiosa, dal colore giallo ocra. Let’s Go Porn è una canzone energica, tra le mie preferite, che nei suoi cinque minuti a disposizione mette in mostra il genere nella sua totalità.

La formazione dei General Cluster esprime il concetto delle rock band con una line-up classica a cinque, dove ogni musicista gioca un ruolo di assoluta importanza, trascinati dalla voce di Dammut, ruvida, calda e dove serve rabbiosa; riguardo alla sezione ritmica mi sono già espresso, Ross The Boss e Sly costituiscono un muro sonoro capace di sorreggere a dovere i riff ragionati dalla coppia Erwan e Julien. Mountains e Torment Day mi hanno fatto avvicinare ai titoli di coda, poco altro da aggiungere, anzi i Nostri confermano lo stato di forma che si esaurisce con Five Months, ottima chiusura di un album che da subito mi ha colpito per la sua genuinità. Lo stoner si è diffuso in tutto il mondo e in Europa è un cuore pulsante grazie a band come i General Cluster. In alto il nostro saluto!