OverKhaos – Beware Of Truth

Quando il prog metal si fonde con l’heavy thrash. È tutta qui l’essenza degli OverKhaos, band che, dopo le classiche tribolate avventure di tutte le giovani formazioni, arriva ad un nuovo moniker e un debut album di tutto rispetto. Con questo compatto quanto aggressivo Beware Of Truth non aspettatevi un album dai ritmi intricati o composizioni eccessivamente tecniche; c’è un approccio prog sul fondo ma è principalmente formato da riff e attacchi heavy thrash, arricchiti da stacchi e affilamenti vari che si lasciano molto apprezzare. Per ascoltare qualcosa che ricordi più direttamente il prog potete fare riferimento a Khaos Inc., un pezzo tra l’altro molto ben costruito che osanna a tratt il thrash tedesco a tratti l’heavy più calibrato. La linea vocale non ci convince al 100%, sicuramente non è scontata ma la timbrica che sembra essere acuta ma non incisiva non è a livello della musica. Di certo in primo piano, anche per scelta produttiva, resta la parte musicale, quella che affascina di più l’ascoltatore.

Altra song molto interessante è The Lie You Need, sia per il suo intermezzo strumentale che placa i toni, sia per le cavalcante terrificanti (con tanto di growl al seguito inserito in alcuni momenti) che è in grado di offrirci, da citare anche Ana’s Song in cui compare Derek Sherinian (ex tastierista dei Dream Theater) anche se si tratta di una vera e propria comparsata più che di un ruolo da protagonista. I brani sono tutti relativamente lunghi nonostante i bpm di ciascuno di essi siano in quantità tutt’altro che moderate: le tracce non stancano, in alcuni momenti si poteva intervenire spuntando qua e là o rinunciando alla ripetizione di qualche ritornello rendendo il tutto più accessibile in toto, ma se osserviamo la mera qualità dei pezzi le critiche in fatto di durata cadono.

Bello l’artwork, che in qualche modo ci ricorda Time Waits For No Slave dei Napalm Death, migliorabile il booklet interno con i testi riportati con un font troppo piccolo, quasi illeggibili. Beware Of Truth resta comunque un lavoro davvero consigliato per gli appassionati del genere.

Prong – Zero Days

Il 2012 è stato sicuramente un anno fenomenale per i Prong, anno della nuova rinascita, anno di pubblicazione di Carved Into Stone (recensito da noi a questa pagina). Lì Tommy Victor, ormai unico membro storico dei Prong, ha dimostrato che la band aveva ancora qualcosa da dire e lo ha fatto egregiamente con uno stile moderno e personale. Da lì la band, nonostante i cambi di line-up che li ha contraddistinti da sempre, ha seguito un percorso coerente e costante come un carrarmato: Running Lives, Songs From The Black Hole, X – No Absolutes arrivando ai giorni nostri con Zero Days. Tommy e (i nuovi) soci non hanno voluto cambiare la loro ricetta e a nostro parere hanno fatto benissimo: i Prong del nuovo millennio solo la miglior interpretazione dell’hardcore statunitense fuso con il thrash metal moderno. Il loro sound è assolutamente attuale, la produzione che ormai è marchio di fabbrica dei Nostri accentua un appiglio molto legato ai giorni nostri, eppure i ragazzi (per modo di dire) riescono a proporre anche riff copiosi che appagheranno i thrasher in giro per il globo. Qui sono tutti gli ingredienti della loro ricetta, fattori questi che fanno sì che i Prong vincano la partita sia in cuffia che in sede live.

Brani come Forced Into Tolerance, Operation Of The Moral Law, Zero Days non sono solo dichiarazioni di intenti ma delle conferme che scolpiscono il nome Prong sulla pieta del metal del nuovo millennio; Blood Out Of Stone è invece un pezzo meno veloce ma il cui ritornello farà sicuramente saltare la folla durante i loro show, come anche in Self Righteous Indignation. Divide And Conquer ce la saremo aspettata diversa, con quel ritornello che strizza l’occhio all’ascolto facile mentre dal titolo immaginavamo un attacco bellico senza remore ma resta comunque un pezzo interessante; non possiamo dire lo stesso per The Whispers, un brano un po’ troppo innoquo rispetto a ciò che aveva offerto il trio ad inizio scaletta. Nel complesso l’album arriva come un monolite, non ci sono tracce che romponogo gli schemi rispetto a quanto i Prog ci hanno offerto negli ultimi anni, ma è l’intero sound che ci colpisce e ci fa scommettere una carta sicura quando si parla di metal internazionale nel 2017. Prong è il nome.

Dead Cross – Dead Cross

Ad osservare la line-up di questo nuovo supergruppo si potrebbe restare davvero annichiliti. Al di là dei meno notabili Justin Pearson (The Locust, Head Wound City, Retox) e Mike Crain (Retox), la presenza di Mike Patton dietro il microfono suggerirebbe lande sperimentali; peccato che in realtà il buon Mike si sia aggiunto in corso d’opera, in sostituzione di un precedente singer già rodato (Gabe Serbian). Mike ha rivisto le linee vocali ma probabilmente non ha potuto dare quella sferzata in fase compositiva in grado di conferire un respiro più “ampio” al progetto. Un sound sicuramente più in linea con Dave Lombardo e con il suo passato (Slayer su tutti ma anche Suicidal Tendencies), anche lui in formazione, suono pericolosamente in pogo costante in una scena che è quella del metal estremo. Appaiono infatti influenze thrash con tempi ritmici a raffica (la prima parte di Obedience School è l’emblema di questo approccio) ma anche stacchi con cadenze tanto care ai Suicidal (Idiopathic) che fanno tanto crossover americano. E’ la fusione di queste due anime quindi, non vi aspettate esorcismi o sperimentazioni di sorta, perché i Dead Cross sono esattamente come suggerirebbe il moniker l’unione del thrash e del crossover.

Le tracce non superano quasi mai i tre minuti di ascolto e non vi sono momenti davvero degni di nota, nemmeno in quanto a produzione. Se non ci fossero nomi così altisonanti in line-up si potrebbe tranquillamente scommettere che la band non arrivi al secondo full-lenght. Ma staremo (curiosamente) a vedere.

Destruction – Cracked Brain

Album da subito sottovalutato nel momento della sua uscita discografica, a causa di vari fattori: vuoi la sfiga di essere pubblicato nello stesso anno di uscita di alcune pietre miliari del metal (Rust In Peace, Painkiller, Cowboys From Hell…dobbiamo continuare?) vuoi l’assenza del frontman storico Schmier e a onor del vero, vuoi anche una produzione non esattamente all’altezza dei brani composti. Non tutto è però da buttare, in questo album i Destruction sterzano verso soluzioni più tecniche rispetto al passato (dove a farla da padrone erano i riff veloci e taglienti di Sifringer), optando per un thrash metal di stampo più americano che non teutonico. Durante l’ascolto dell’album il pensiero va inevitabilmente agli Annihilator di Jeff Waters, ma non solo per la curiosa somiglianza vocale del cantante Andrè Grieder con Randy Rampage, ma appunto per una assonanza tra i riff di scuola squisitamente Bay Area a quelli contenuti in Cracked Brain. La title track parte con un bel tiro e dei bei riff e risulta essere uno dei migliori brani di tutto il disco, seguita da Frustrated altrettanto veloce e ispirata, segue S E D dall’ottimo riff iniziale e dai soli dissonanti.

Ma già da Time Must End il disco inizia a mostrare il fianco, perché se da un lato si apprezza l’evoluzione stilistica, dall’altro non si può fare a meno di notare la prestazione vocale di Andrè Grieder che non è esattamente esaltante: con delle linee vocali differenti, a nostro parere, probabilmente i brani si sarebbero fatti ricordare di più. A metà del disco succede l’imprevedibile: partono le note di My Sharona, cover che in questo album ha la stessa utilità della prima “R” nella scritta “Marlboro”, inutile come una forchetta per mangiare il brodo o una sciarpa ai Caraibi. Da sola questa mossa riesce a vanificare quanto di buono sentito finora, chiunque abbia avuto l’idea di inserirla nell’album andrebbe legato e costretto a 24 ore ininterrotte di “Capra, capra, capra”, recitate da Vittorio Sgarbi. Per fortuna ci pensano Rippin You Off Blind e Die A Day Before You’re Born a risollevare le sorti del disco, ma resta comunque la sensazione di incompiuto che si manifesta anche nella conclusiva When Your Mind Was Free, dove Grieder si esibisce nell’ennesimo urletto di cui non ci ha fatto sentire la mancanza durante tutta la durata dell’album.

In conclusione Cracked Brain è un buon album, suonato in maniera eccelsa e con delle buone idee, ma penalizzato però dai difetti sopra citati; forse avrebbe potuto godere di sorte migliore con la presenza di Schmier e una produzione più curata.

Ozaena – Necronaut

A questa band capitolina di certo non manca il groove, elemento che già in passato era vivo all’interno del proprio songwriting, anche con questo nuovo capitolo dal nome Necronaut la band si muove con disinvoltura sui binari di un thrash diretto e senza troppi orpelli decisa a far male. Già dalle prime note mi trovo a dover fare i conti con un muro sonoro, costituito da suoni potenti, massici, quanto i riff che richiamano a dovere anche una sezione ritmica presente, dove la doppia cassa gioca un ruolo da primattore. Nonostante tutto questo preambolo dove l’assedio musicale sembra farla da padrone la melodia non manca, o meglio la voglia di lasciare qualcosa, attraverso qualche chorus che emerge tra sonorità robuste. Necronaut è un album omogeneo, che non conosce spunti singolari ma che colpisce nella sua totalità, nonostante il genere potrebbe essere anacronistico, tuttavia il groove thrash non è mai stato dimenticato, per questo motivo mi sento di promuovere gli Ozaena, specie per la loro caratura tecnica, dove ogni singolo membro si prende in spalla e si carica di responsabilità sciorinando una buona prova.

Chi sono i fan degli Ozaena?! Di certo tutti quelli che sono rimasti ancorati alla scena thrash anni 90, consigliatissimo a chi ama band quali Pantera, Machine Head, Hatesphere, ma non solo, la band si è spinta ben oltre, laddove i Mastodon hanno fatto fortuna. Necronaut, a proposito davvero carina la cover, è il secondo album degli Ozaena, attendiamo il terzo full lenght con la convinzione che potrà essere il disco della definitiva consacrazione.

Kreator – Endorama

Pietra dello scandalo, album volutamente più accessibile e lontano anni luce dagli esordi thrash metal, Endorama è quasi costato ai Kreator lo scioglimento e la pensione anticipata, di fatto è stato subito cancellato dal successivo Violent Revolution, scontato ritorno al genere a loro più familiare. Eppure Endorama è un album che ha qualcosa di speciale. Lo scheletro dell’album è composto da riff di chitarra metal ma il tutto è supportato da elementi ambient, tastiere, campionamenti e un nuovo stile di canto di Petrozza che rinuncia in gran parte del disco al tipico scream, in favore di un cantato più melodico ma mai scontato. Golden Age è il brano che apre il disco e che funge da biglietto da visita dell’intero album, non tanto per la posizione ma quanto per il fatto che al primo ascolto si avverte subito che qualcosa è cambiato, visti i ritmi rallentati e il cantato sussurrato di Petrozza, che si riserva comunque il tipico scream nel ritornello. Il testo è molto introspettivo (tema principale di tutta la release) e nella parte centrale del brano fa capolino un tempo rallentato con tanto di voce filtrata, nonché un bel solo melodico.

Si accelera con Endorama, brano che dà il titolo all’album e che vanta la collaborazione di Thilo Wolff dei Lacrimosa, qui si fanno ancora più sentire i campionamenti di cui abbiamo accennato in precedenza e il brano scorre via sorretto da un bel ritornello. Ma i Kreator non vogliono rinunciare alle loro origini e a ricordare a tutti che la loro band ha scritto pagine e pagine del thrash teutonico, ci pensa Shadowland un brano sfacciatamente veloce e metal con un altro bel solo di chitarra (chi ha detto Tommy Vetterli?). Segue Chosen Few, brano malinconico che rappresenta perfettamente l’album, niente solo qui ma tanta melodia, come in Everlasting Flame, Passage To Babylon e la bellissima Future Ring che può vantare un intermezzo davvero ispirato e originale. Non è tutto oro quel che luccica, nel mezzo c’è qualche episodio minore come Soul Eraser e Tyranny, ma in generale il disco si lascia ascoltare con piacere grazie all’abbondante dose di melodie e una produzione all’altezza.

Endorama purtroppo ha il difetto di riportare sulla copertina il logo dei Kreator, difetto che lo pregiudica all’ascolto, ma se si supera questo pregiudizio si avrà la possibilità di scoprire un album maturo e originale. Da rivalutare.

Kreator – Gods Of Violence

Maestria, ferocia, coerenza. Queste le tre parole d’ordine del nuovo lavoro a nome Kreator, un lavoro indicato per tutti gli appassionati di heavy metal (e non solo per i thrasher) ma che non ha fatto perdere nemmeno un grammo dell’importanza di questo combo. Gods Of Violence è un prodotto molto compatto, in grado di far lievitare di molto le quotazioni della band, dopo cinque anni di attesa dall’ultimo parto in studio (Phantom Antichrist) e le due pubblicazioni speciali (Terror Prevails, Dying Alive). Il thrash metal teutonico è garantito: i Kreator non tradiscono le loro radici, ma il modello compositivo cambia. Già ascoltando la titletrack si nota che c’è molto di più, echi di Blind Guardian sono evidenti ma anche riffing affilati di scuola Children Of Bodom (Lion With Eagle Wings) e sfumature alla Running Wild (Hail To The Hordes). Ecco la trasversalità dei Kreator nell’anno di Satana 2017.

Quindi lungi da noi dire che Petrozza e Soci hanno tradito le loro radici, piuttosto si sono evoluti, di molto, ma conservando un imprinting decisivo. Le cavalcate non mancano (Army Of Storms ne è un ottimo esempio), ma dimenticate l’epoca di Coma Of Souls e il suo pungente estremismo, i Kreator, a dispetto di colleghi altrettanto rinomati (chi ha pensato agli Slayer?!), hanno saputo reinventarsi costruendo mattone su mattone un muro bellico ben differente dalle trincee su cui si muovevano agli esordi. Strofe e ritornelli ben chiari, cambi di ritmica di ottimo livello, assoli affilati e non estremi, sapienza compositiva di una band che è in piedi da 35 anni e che non mostra segni di cedimento.

L’uso delle chitarre è assolutamente trasversale sullo scenario heavy metal, passando da ritmi che qualcuno definì death’n’roll (Lion With Eagle Wings), al thrash più intransigente (Totalitarian Terror), all’heavy power death (Fallen Brother) ma sempre con un piglio molto deciso e una marcatura a fuoco che in sede live sicuramente stupirà tutti. E poi ci sono gli assoli che non possono mancare, spesso molto appuntiti e veloci ma che non disdegnano forti dosi di melodia, attinti da generi affini (metalcore?! Non è una bestemmia!). Non un attimo di noia, non un punto debole. Gods Of Violence si appresta a diventare non solo una delle uscite più interessanti dell’anno ma anche un nuovo standard compositivo per il metal in generale. E ci troveremo tutti a cantare “Satan is real“.

Skulldrain – Hatred Rising

In un mondo musicale in continua evoluzione e spasmodicamente alla ricerca di sempre nuove ispirazioni, sperimentazioni e addirittura generi, succede che il passato ritorni per ricordarci quanto siano ancora valide le “cose belle di una volta”. Dichiaratamente senza alcuna velleità di innovazione o sperimentazione questo quartetto svedese ripropone infatti la classica formazione degli Slayer con due chitarristi, un bassista cantante e ovviamente un batterista. Dei padri del thrash i Nostri riprendono anche il genere che si discosta dall’originale solo per qualche venatura death metal in più nel sound. Per il resto tutto segue un canovaccio noto compresi i testi che tra ingiustizie e problematiche sociali sono decisamente più orientati all’impegno che non alla spensieratezza. Detto così potrebbe sembrare che la mancanza di personalità affossi sul nascere questo debutto discografico che invece, con l’andare dei minuti, mette in mostra diversi punti d’interesse. Primo su tutti il sapiente impiego della tecnica che, soprattutto per quanto concerne gli axemen, incalza a velocità stratosferiche ma senza mai soffocare melodia e cattiveria.

Certo, di aggressività qui ce n’è quanta ne volete ma, nonostante la doppia cassa sembri un mitragliatore capace di ridurre in poltiglia qualunque ostacolo, il tutto non si riduce mai all’insensata brutalità. Merito soprattutto di un songwriting abbastanza complesso da suscitare interesse e da sfuggire alla noia grazie ad un equilibrio generale davvero mirabile. La breve durata del disco poi stempera la pesantezza del contenuto scongiurando, con i suoi trenta minuti e poco più, il rischio di perdere per strada comprensibilità o l’interesse dell’ascoltatore. Anche il capitolo produzione non merita che apprezzamenti perché con un impatto tanto devastante sarebbe stato facile perdere chiarezza in un impasto insensatamente confusionario invece gli strumenti sono sempre perfettamente discernibili gli uni dagli altri così che se ne possa apprezzare ogni sfumatura e ogni preziosismo, peraltro numerosi. Un plauso anche alla confezione che, pur senza stupire, rimanda una buona sensazione di qualità ulteriormente confermata dalla completezza delle informazioni fornite a corredo.

Che questi ragazzi ci sappiano fare è quindi fuori discussione e, anche se questo esordio non brilla per originalità, di sicuro si inserisce tra le proposte di qualità di quest’anno. La maturazione di un’identità unica e distinguibile viene con il tempo ma su basi così solide si possono costruire robusti castelli quindi a noi resta solo di portare un po’ di pazienza…scommetto che l’attesa verrà premiata.

Forklift Elevator – Borderline

Dal profondissimo ed operoso Nord (senza offesa per alcuno) giunge direttamente alle nostre orecchie un quintetto patavino davvero niente male: con la “consueta gavetta” alle spalle, i Nostri arrivano al loro lenght di debutto con sul groppone le esperienze accumulate valorosamente in diversi festival del circuito italico, da cui sono usciti sempre gloriosamente “sudati”. Mixando saggiamente una varietà di generi apparentemente tra loro incompatibili, quali thrash, metal e southern (!!), i suddetti non ne escono con le ossa rotte, sfornando anzi 11 tracce molto interessanti che lasciano ben sperare per il futuro. Certo, i canoni classici di genere sono ampiamente presenti nei brani eseguiti tuttavia, non manca una certa originalità interpretativa che in alcuni momenti sfocia in picchi di assoluto livello. Un solido lavoro delle due asce conduce ad un particolareggiato ascolto dei brani, che la terna iniziale propone tra i migliori dell’album: l’Intro spiana la strada alla potentissima Misery ed al growl violento del singer, a suo agio nello spaziare tra infuocate note, mentre la seguente Blackout provoca davvero un temporaneo oscuramento sei sensi con il sound energico ed un coinvolgente groove, non assente anche in The Skin che vede protagonista assoluto il duo Segato-Maniero e le loro scale sapientemente sciorinate in alternanza senza i piedi pestarsi.

Overload è il tocco southern di cui in premessa, con i chitarristi a mostrare particolari linee sonore che in alcuni passaggi potrebbero ricordare (senza eresia) movenze in puro stile Phil Anselmo; Damn Bug non sarà magari tra le loro memorabilia, pur tuttavia il quintetto riesce a ben calarsi in una dimensione abbastanza vicina agli inferi per la quantità di metallo fresso ampiamente riversato nelle (povere) casse acustiche anche di buon livello. Struggle Of Life eleva la qualità del disco per il “calderone” di generi in esso mischiati in pochi minuti, ad iniziare dalle thrasheggianti chitarre, alla fase centrale molto “affabile”, per finire al finale che sfocia quasi nel doom per l’incupirsi del sound, che alla fine risulta del tutto coerente. Arey ci appare come la miglior traccia del lenght, con i suoi continui cambi di marcia, le chitarre abbastanza slide in alcuni passaggi, che definiscono sin dall’inizio il brano come classica ballad per un quintetto fondamentalmente anche romanticone: magari l’evoluzione del brano si avvia verso lo scontato, tuttavia non si puà negare una certa abilità tecnico-compositiva nell’estrinsecarsi della stessa, con in più una buona prestazione del drummer.

Si torna ad essere duri con Cathedral, ed i suoi ritmi incalzanti che inducono ad imbracciare una sei corde e sparare riffoni a palla, ma anche invogliare ad un pogo senza ritegno, anche nel salotto di casa propria con gli anici, mentre The Fog spande invece un interessante gioco di squadra e sul quale si eleva ancora una buona prestazione delle chitarre, che riescono anche in questa occasione a sfangarla ampiamente, a dispetto di una produzione evidentemente ancora da migliorare. A chiudere, ancora una zampata thrash con Dream Reaper che allegramente riesce a coinvolgerci, grazie anche ai “gorgheggi” del singer che sino alla fine non manca di farsi sentire al microfono, tanto da far ben sperare in un futuro maggiormente di spessore, magari con un autentico guru alla consolle a migliorare alcune incongruenze di percorso, non influenti tuttavia sull’odierno prodotto.

Rage – Perfect Man

Peter Wagner è uno di quei personaggi irrequieti e dalla creatività strabordante che non può essere contingentata in alcun modo. Questa premessa è doverosa per spiegare tutti i cambiamenti arrivati con il quarto lavoro in studio dei Rage. Si inizia dalla line-up, completamente stravolta che inaugura l’era della formazione a tre in cui il padrone di casa, nonché unico superstite della precedente compagine, viene affiancato da un nuovo chitarrista e da un nuovo batterista. Anche il genere prende un po’ le distanze dal thrash ultra veloce che aveva caratterizzato gli ultimi due album per virare verso sonorità più vicine all’heavy metal in una sorta di ritorno agli esordi. Anche il tenore della copertina cambia per dare spazio al debutto di Soundchaser, la mascotte che da qui in avanti accompagnerà il gruppo in tutte le uscite discografiche. Ultimo, ma comunque significativo, il cambiamento nel look la dice lunga su quanto siano state profonde l’evoluzione e la maturazione della band che passa dal classico “pelle-e-borchie”, tipico dei thrash metaller d’annata, ad un “frange-bandane-e-stivaloni” di stampo più hard’n’heavy made in U.S.A. Reinventati in questo modo i Rage avrebbero potuto perdere qualità e seguito e invece si mostrarono capaci di accattivarsi le simpatie di fette di pubblico sempre maggiori grazie ad una proposta immediata ma variegata, sufficientemente tecnica e soprattutto mai eccessivamente facile. Da segnalare inoltre che proprio da questo album inizia a delinearsi lo stile con cui l’inesauribile Wagner alimenterà il suo metal nei successivi trent’anni.

Al suo fianco i nuovi entrati figurano egregiamente e soprattutto Schmidt dà prova di gran talento sia come solista che come compositore tanto da non far sentire la mancanza di una seconda chitarra. I brani sono mediamente abbastanza brevi ma comunque incisivi e quasi complessi e a guadagnarne è la resa complessiva di un album in cui solo la produzione zavorra un po’ il giudizio finale. Non che in sala di registrazione sia tutto da buttare ma i suoni sentono inesorabilmente il peso del tempo e alle orecchie di oggi sembrano un po’ approssimativi e piuttosto sguaiati tanto da necessitare un grosso sforzo di fantasia per riuscire a calare questo CD nella sua epoca e apprezzarne l’indubbio valore. Detto questo è innegabile come la band si sia presa dei rischi e come questa scelta infine abbia pagato: Perfect Man è sotto molti aspetti l’album migliore partorito dalla formazione tedesca fino al 1988 e, anche se noi già sappiamo che il meglio deve ancora venire, sarebbe un peccato non prestargli la giusta attenzione. Qualche ascolto è d’obbligo.