Fragore – Asylum

Anche se ci si appresta a tagliare il nastro dei dieci anni di attività, è solo con il precedente album dal titolo The Reckoning (recensito da noi a questa pagina) che gli italianissimi Fragore hanno iniziato a raccogliere i primi importanti risultati. La line-up è ormai collaudata dopo i vari cambi avvenuti negli anni e il metal-trio può ora concentrarsi sul sound, collaudato dal produttore Ettore Rigotti, amico di vecchia data. Il frutto di questo lavoro si sente e l’output di queste undici tracce ci convince non poco. Il “tiro” che a nostro parere mancava a The Reckoning viene fuori in Asylum in maniera molto diretta: marginali le parti rallentate, collocate qui solo per dare respiro tra un pattern e un altro, il sound dei Nostri abbraccia il thrash metal americano di vecchia scuola ma l’aguzzo intuito nella fase produttiva conferisce alla sei corde un sapore più glaciale in modo da renderlo appetibile anche a chi apprezza proposte prossime al death metal.

Per questo i Fragore di oggi si collocano al centro della scena death/thrash metal che in Italia ha un certo seguito e anche band di un certo spessore (come ad esempio Subliminal Crusher e Aleph), ma questa sensazione viene a galla anche grazie a delle linee vocali che giocano tra growl e scream e si accostano molto a quelle di Henri Sattler, timone indiscusso dei God Dethroned. Nelle strofe di Alone Davide Nunziante opta per le clean vocals, salvo poi divenire molto più aggressivo nei ritornelli e dare quel taglio netto tra le due forme assunte, scelta in grado di dare la scossa a qualsiasi headbanger all’ascolto; le strofe sembrano voler omaggiare i grandi Voivod mentre nell’assolo si percepiscono lezioni a iosa di Kirk Hammett (periodo anni 90), questo giusto per indicare a parer nostro i riferimenti della band che comunque non pecca mai di originalità.

Dies Irae è una vera e propria dichiarazione di intenti, i suoi quattro minuti sono in grado di richiamare le lande fredde tanto care agli Immortal e portarle nel belpaese per farle gustare ai fan di formazioni come Veratrum, il tutto con un appiglio (anche) thrash che non guasta e che esplode con la successiva irruente Thor. Chi ha amato i Celtic Frost non può non appassionarsi ad Asylum, un album che mette in mostra tutta la maturità raggiunta dalla macchina di fuoco a nome Fragore e che sicuramente lancerà la band verso nuovi e più sfidanti risultati.

Kreator – Endless Pain

Non è che sia proprio un bel momento quando in redazione ti dicono “per favore scrivi una recensione del primo album dei Kreator”! Ma come, proprio io, l’ultimo arrivato? Scrivendo dei padri putativi del thrash teutonico sono ad altissimo rischio figuraccia! Vabbè, iniziamo con ordine: oltreoceano gli Slayer avevano appena “shockato” il pubblico con Show No Mercy e i Metallica avevano piantato i semi del nuovo stile della Bay Area con Kill’Em All prima e con Ride The Lightning poi. Ma anche qui da noi, in Europa, qualcosa si stava muovendo. Succedeva per lo più in Germania dove il movimento era guidato appunto dai Kreator seguiti a ruota da Destruction e Sodom. Fu così che il biennio 1985/86 tenne a battesimo tutte queste band seminali (nonché i Megadeth con Killing Is My Business). Successe poi anche che Mille Petrozza, non riuscendo a trovare un cantante che lo soddisfacesse, decise di sobbarcarsi l’onere del microfono dividendolo, per questo primo album, con l’amico e batterista Ventor. Nemmeno a farlo apposta il peculiare (per l’epoca) approccio al cantato di Petrozza darà vita negli anni a seguire al death metal come lo conosciamo oggi… ma questa è un’altra storia.

Come già evidenziato, per questo primo (e unico) lavoro, chitarrista e batterista si alternano alla voce un brano per uno. Essendo lo stile dei due così differente però vale la pena di sottolineare di volta in volta chi regga il microfono caso mai non aveste il disco a portata d’orecchio. Inizierà Ventor sulla prima traccia e da qui in poi troverete l’indicazione con il nome del cantante tra parentesi dopo il titolo del brano. Torniamo quindi al nostro album d’esordio e alla sua title track Endless Pain che fa dell’immediatezza una vera bandiera sciorinando note a raffica nell’eccentrico assolo centrale in perfetto stile Slayer. Total Death (Petrozza) è il primo brano con voce “death” della storia e infatti segnerà la nascita del genere. Cos’altro si può chiedere ad un pezzo? Un assolo fulminante e una batteria-trita-tutto praticamente implacabile. Ci sono anche quelli. Con Storm Of The Beast (Ventor) i tempi si fanno, almeno inizialmente, leggermente più dilatati, ma mai lenti, mentre i cambi di ritmo e i dialoghi tra voce e chitarra abbelliscono la traccia più lunga di questo CD. La successiva Tormentor (Petrozza) è il pezzo più breve ed immediato dell’album. Rapidissima all’inverosimile si distingue per l’assolo iper-veloce. Non meno tirata Son Of Evil (Ventor) che fa del riff affilato la sua icona condendo il tutto anche con un assolo bruciante e un doppio finale di sicuro effetto.

A seguire troviamo Flag Of Hate (Petrozza) un brano che fu subito un grande successo piacendo per la velocità esecutiva e la cattiveria che derivava dal sovrapporre a ritmiche già furibonde degli assoli micidiali. Probabilmente il brano migliore del disco. Cry War (Ventor) mostra invece una struttura più articolata alternando due facce: quella scandita e malvagia e quella violenta e dirompente si alternano dopo ogni variazioni di tempo. Ottima perché questi cambi di marcia lasciano spesso spiazzati. Meno convincente il finale un po’ sospeso. La successiva Bone Breaker (Petrozza) fa quel che promette nel titolo: spezza le ossa! Brevissima e di una aggressività mostruosa sa condensare in meno di tre minuti tutta la ferocia di questo debut album. Da non ascoltare assolutamente quando si è già arrabbiati se si hanno problemi di pressione alta! Si torna ad un songwriting più articolato con Living In Fear (Ventor) che ha nel riffing incisivo il suo più grande pregio senza però eguagliare gli episodi migliori già ascoltati su questo disco. Gran finale con Dying Victims (Petrozza) primo momento in cui i Nostri disingaggiano il distorsore, anche se per poco, per poi riportare il metronomo su tempi non salutari per un cardiopatico. Concentratissima lascia un attimo di respiro solo nel finale. Ottima la prestazione di Petrozza alla voce che infatti dopo questa prova non lascerà mai più il microfono.

Nota di merito per la produzione che non è affatto male per l’epoca. A soffrire degli acerbi mezzi tecnici a disposizione sono forse solo alcuni suoni di batteria che oggi potrebbero guadagnare molto in un processo di rimasterizzazione. Un peccato veniale per una band a cui va il grande merito di aver saputo rielaborare quella che era la tendenza oltreoceano senza copiarla. Di aver saputo seguire un trend pur uscendo dai binari già posati e incidendo anzi un solco personale che di lì a poco incanalerà molte altre band. Niente fronzoli quindi per il thrash teutonico che lascia indietro vezzi compositivi come crescendo o intro melodiche per restituire solo sassate nei denti. Ma d’altronde cosa ci si poteva aspettare da un album che si intitola Endless Pain?!

Kreator – Pleasure to Kill

Dopo solo un anno dal precedente debut discografico i teutonici Kreator ci riprovano affinando leggermente la propria proposta senza snaturarla ma anzi mettendone meglio a fuoco i tratti caratteristici. Inalterate restano le tematiche delle lyrics e la formazione con Petrozza che cede il microfono a Reil solamente in tre occasioni. Anche per questo il disco risulta più vicino al panorama death metal tanto che in futuro molte band del genere lo citeranno tra le loro maggiori influenze. Impatto e immediatezza non perdono nulla e anzi forniscono un punto di continuità con il precedente lavoro. A differenziare questo album dal predecessore invece si può indicare una certa maturazione che è particolarmente evidente sotto il profilo compositivo e lascia un segno soprattutto alla voce originalità laddove ora i brani si giovano di una maggiore diversificazione nonché di una più ampia gamma di arrangiamenti. Più munizioni quindi nella cartucciera di questa macchina da guerra che, dal vivo come su disco, riesce a disorientare e a colpire l’audience con pezzi sempre velocissimi e diretti ma meglio costruiti e più strutturati che in passato.

Ovviamente nessuna concessione alla melodia, per lo meno non nel senso tradizionale del termine, ma molta attenzione a mettere in risalto la trasudante malvagità veicolata con maestria da ogni riff, stacco, intro o accelerazione. Su tutte da citare a tal proposito l’intro Choir Of The Damned o la title track Pleasure To Kill. Sconsigliatissimo dunque trovarsi sotto il palco dei Kreator per chi sia di corporatura meno che robusta perché le tracce di questo album sono molto più che un incitamento al pogo… più che altro sembrano scritte appositamente per spremere ogni stilla di rabbia, sofferenza ed energia dall’ascoltatore. Consideratevi avvertiti. Oltre tutto, una curiosità, questo album rimarrà il più pesante e veloce finora mai prodotto dalla band. Gli assoli di Petrozza sono infatti tanti, furiosi ed articolati mentre la sezione ritmica letteralmente non lascia respiro e, nonostante qualche suono di batteria possa essere considerato perfettibile, la precisione e il ritmo forsennato non lasciano adito a dubbi sull’attitudine selvaggia dei musicisti. Ad ogni modo, complice anche una produzione un po’ migliore che sul precedente lavoro, complessivamente questa seconda prova in studio risulta maggiormente apprezzabile pur senza mostrare ovviamente lo stesso livello di innovazione ostentata dall’illustre predecessore. Ascoltando con attenzione si potrebbero infatti distinguere alcune influenze, Slayer su tutti, che, come nella riuscita Riot Of Violence, sono comunque ben rielaborate e sapientemente amalgamate nello stile della band e dunque per nulla forzose o dissonanti.

Un passo avanti sotto molti punti di vista, che evolve senza stravolgere e anzi definisce i contorni del sound di casa Kreator in quei frangenti in cui ancora si notavano delle sfumature. Siamo dunque di fronte ad un’altra pietra miliare che delinea definitivamente il marchio di fabbrica, non solo di questa band, ma anche del thrash teutonico nel suo complesso. Inarrestabili.

X-Tinxion – From Ashes To Eden

Quante formazioni di thrash metal in giro per il globo conoscete? Ok, ora vi chiediamo quante band di thrash metal con una front woman conoscete? Il numero si riduce vero? Ebbene oggi parliamo degli X-Tinxion, band che possiede questa caratteristica e a nostro parere la sfrutta in modo abbastanza buono. Infatti l’arma vincente con cui si presentano sta nel fondere aggressività e melodie, scelta stilistica che adottano sia per quanto riguarda la componente più strettamente musicale che quella vocale. Infatti Monica Janssen passa da voci clean a parti decisamente più gutturali, così come i riff sono ancorati al thrash pur spesso accettando intromissioni solistiche/melodiche come nell’opener Amalgamation in cui sembra di sentire echi dei 3 Inches Of Blood. Con Survivors Of Hell incesellano la classica andatura spaccaossa tipica del thrash tedesco mentre con momenti come Narrow Path si avvicinano di più allo stile thrash americano (di sponda Testament); in generale From Ashes To Eden parte per un binario unico fatto di tutti i cliché tipici del thrash metal internazionale.

C’è comunque qualche eccezione che ci balza all’orecchio come Uniformity che si avvicina maggiormente al metalcore, di quello cattivo, offrendo godimento a iosa per i fan di Soilwork di qualche tempo fa (dal punto di vista musicale) e di Children Of Bodom (da quello vocale), citazioni queste che emergono anche in altri momenti; i pezzi sono corposi in quanto a durata e presentano sempre qualche bridge e degli assoli (veloci) di chitarra, esaltando così gli assiomi essenziali del thrash. Influenze death pervadono comunque il lavoro, pur se i ragazzi preferiscono il sound thrash nei momenti in cui spingono il piede sull’acceleratore.

In generale quanto detto non deve disincentivare l’ascoltatore curioso: From Ashes To Eden non è un album da scartare né derivativo, i ragazzi ci mettono energia e carisma e sicuramente possono partire da questo talento per realizzare qualcosa di più personale in futuro.

Assassin – Combat Cathedral

Se potessi usare solamente due parole per commentare questo nuovo album degli Assassin, sarebbero “Nuova vita”. Nati più di 30 anni fa, a Düsseldorf, il gruppo si era perso per strada dopo qualche anno. Nel 2002 la reunion, qualche cambio di line up, un paio di album, ma non troppa gloria. Ora a cambiare è un elemento importante come lo storico cantante e fondatore, Robert Gonnella. Un evento del genere, se pur non improvviso, può significare due cose: la fine della storia o una rinascita, una nuova vita appunto. Come già detto prima, in questo caso ci troviamo davanti alla seconda ipotesi. E che rinascita. Combat Cathedral è un disco che definire potente è davvero poco. Ruvido e sporco quanto basta ma curato e finalizzato professionalmente. Suoni eccellenti per canzoni tirate nelle quali batteria e chitarre varie la fanno da padrone, ma non mancano cori azzeccati e testi che non faticano a entrare in testa, come Servant Of Fear. Ingo Bajonczak è il nuovo cantante della band tedesca, nonché la nuova linfa vitale. Autore di tutti i testi e dotato di un’ampia vocalità che ha riportato gli Assassin, dei quali è sempre stato fan, in territori decisamente più thrash rispetto alla strada hardcore percorsa negli ultimi anni. E questo non può che essere un bene.

Tornare a un suono più classico ma allo stesso tempo più originale e grezzo, vedere What Doesn’t Kill Me Makes Me Stronger per credere. Ritmi serrati, Frozen Before Impact, e chitarre cavalcanti, Slave Of Time, un album scritto nella parte musicale dai due chitarristi, a volte supportati dal bassista, questo Combat Cathedral è un concentrato di potenza; può bastare l’ascolto del brano di apertura, Back From The Dead, per rendersene conto. Ma il lavoro non finisce certo in fase di stesura, anzi. Gran parte del merito va all’incisione e a tutta la post produzione; perché non c’è nulla di più facile che “buttar via” un ottimo disco con un mix o un master sbagliato. Il cambiamento più grande, oltre a quello del cantante, è proprio questo. Anche la grafica è gradevole, con teschi, ossa varie, sangue e un font spigoloso, decisamente thrash, ad avvolgere il CD. L’interno del libretto è invece più sobrio e minimale. Testi delle canzoni alternati a foto in bianco e nero dei componenti della band e di momenti live.

Se li dovessi trovare nel cartellone di qualche festival di sicuro non me li perderei, nel frattempo mi riascolto questo album. Great job Assassin!

Santa Sangre – Ali D’amianto

Devo essere onesto, non sono mai stato troppo preparato o predisposto ad ascoltare metal cantato in italiano, anche se grazie ai Santa Sangre sto iniziando a ricredermi. Come avete capito la band ha deciso di cantare in madrelingua, la cosa non stona specie perché le metriche non appaiono forzate, nonostante l’italiano non è certo la lingua più consona a tali sonorità. La musica dei Santa Sangre è a metà tra un potente thrash post-moderno e un hardcore rivoltoso, il tutto davvero ben confezionato, a partire dalla produzione che esalta le trame chitarristiche, sorrette dal basso, mentre il drumming è furioso, complice improvvise accelerazioni. Nei cinque minuti di media per ogni brano la band si preoccupa di raccontare tutto, sia per quel che concerne le liriche, che musicalmente e direi che ci riesce molto bene. A tratti ho percepito, qualche rimando a una band storica del passato, i mai dimenticati Negazione, i Santa Sangre, in alcuni frangenti sembrano la versione più violenta, nonostante quest’ultimi siano decisamente più votati al thrash metal che all’hardcore.

Si parte con la title track Ali D’Amianto, un brano diretto sicuramente tra i migliori dell’intero full lenght, dove fin dai primi minuti la band dimostra una buona tecnica e il giusto atteggiamento, quello che un genere tale richiede. Con la successiva Schegge ci rilassiamo, anche se le già citate accelerazioni non vengono meno e ancora una volta siamo catapultati nel vortice infernale. Al Guinzaglio: anche questa figura tra le mie preferite, pogo, stage-diving si spreca, si continua sulla falsa riga con la seguente Manifesto, traccia di soli 55 secondi. I giochi si fanno sempre più seri, nonostante apprezzo l’autoironia che la band dimostra attraverso i loro spazi web, sono arrivato a metà album, con Passi Di Piombo, la carica distruttiva e lo sdegno verso il mondo sono sempre più presenti. Visione Esoterica esalta le doti della band, che passa dal thrash all’hardcore e non solo, con estrema disinvoltura, i Santa Sangre sono una band da tenere sott’occhio, la voce di Alessandro Parrini è acida, rabbiosa, in perfetta sintonia con tutto il resto. La Gente Che Conviene è la traccia numero sette dove emerge maggiormente la vena hardcore della band.

Il nostro capo è scosso dalle granitiche note di Samsara, la ricerca della melodia non manca, proprio per questo motivo mi sento di promuovere a peni voti i Santa Sangre, per quella ricerca di fare male, senza dimenticare l’importanza del realizzare canzoni in senso tale. Al termine di Ali D’Amianto, trovo il Serpente Di Cenere, canzone che chiude nel migliore dei modi questo nuova fatica targata Santa Sangre. Non sono mai stato troppo preparato o predisposto ad ascoltare il metal cantato in italiano, ma da oggi questa mia lacuna è stata sopperita dalle note di Ali D’Amianto. In alto il nostro saluto!

Scarlet Anger – Freak Show

Parto nell’elogiare la produzione, dalle prime note di questo Freak Show, nuovo capitolo per gli Scarlet Anger, band proveniente da Bridel (Lussemburgo), si capisce subito che si tratta di un disco ben confezionato, sotto ogni punto di vista. La produzione è cristallina, pulita, ma al tempo stesso, strizza l’occhio ai caldi master di qualche anno fa, a dimostrazione che gli Scarlet Anger sono ancorati a quel thrash che imperversava anni dietro. Il sound della band è da definirsi thrash metal a tutti gli effetti, anche se i Nostri sono dediti, quantomeno sotto l’aspetto immaginario a un horror cartoon, sodalizio questo che si sposa a perfezione con il genere musicale proposto. La preparazione tecnica di ogni membro della band non lascia dubbi, gli Scarlet Anger ci sanno davvero fare. Difficile avere preferenze, tutti i brani sono all’altezza della situazione, coadiuvati da riff tipici, da una sezione ritmica pronta a supportare a dovere quanto detto dalle sei corde, mentre la voce del bravo singer, Joe Block, si divide tra timbri dominanti e decisi, cantati avvolgenti, fino a raggiungere picchi disperati dove ho trovato timidi accostamenti ai primi Entombed o ai Devildriver, del buon Dez Fefara.

Thrash metal, tutto vero, ma non facciamoci trarre in inganno, all’interno di questa nuova release troviamo anche frammenti odierni, tentativi riusciti e ricerca di sperimentazione, di tutto un po’, potenza genuina, tecnica, gusto, specie quando i chitarristi iniziano a fraseggiare, tra solos e cavalcate di matrice Slayer, mentre nell’eleganza, vado a scomodare gli esimi colleghi Maiden. Dieci song che non lasciano scampo, si parte con l’opener Awakening Of The Elder God, una manciata di secondi e siamo trascinati nell’abisso, fino a che Joe Block non decide di ordinare la tregua con un chorus mozzafiato. Tra le mie preferite, voto la successiva e seconda canzone del disco Attack Of The Insidious Invader, in cui mi vedo all’interno di un pogo, nascosto nei meandri della mia mente, ci stiamo facendo molto male! Ma non è finita qui, The Thing Without A Name suona nelle mie orecchie come qualcosa di piacevole, qualcosa che dal primo ascolto mi lascia un buon gusto.

Questo è un album che scorre via velocemente, tra buone impressioni e con la voglia di ascoltarlo altre volte, forse proprio per il motivo che, nonostante gli Scarlet Anger giochino la parte dei cattivi, nella loro musica troviamo anche altro: intelligenza, melodia, capacità. Questa è una band da tenere sott’occhio, nella speranza di vederli all’opera on-stage. Into the pit! In alto il nostro saluto!

Betoken – Beyond Redemption

Beyond Redemption non è un album normale di una band normale. I Betoken sono una band longeva (che ha raggiunto i 15 anni di attività) ma soprattutto che, nel tempo intercorso dall’autoproduzione alla vera produzione discografica, hanno collaborato con tantissime realtà del metal tricolore. Tra queste vanno annoverati sicuramente i Time Machine con cui condividono non poche scelte stilistiche, accarezzando anche talvolta qualcosa tanto caro ai Thy Majestie. Come se non bastasse i Betoken sono una band con sette componenti di cui tre lead vocalist, numeri che fanno intuire la ricerca sonora e compositiva dei Nostri.

Stupisce non poco che dietro la musica del nuovo Beyond Redemption ci sia la mente del chitarrista Ivo Ricci, che con i suoi Black Dama già si era fatto conoscere tempo fa. Un musicista volto alle creazioni stratificate e alle orchestrazioni (che Jordan Rudess apprezzerebbe) capaci di offrire un sapore epico (con gioia annessa dei defender), spezie progressive che rendono il piatto davvero succulento ed infine esoterismo offerto senza timore reverenziale. Infatti nonostante la scelta nell’artwork di raffigurare il diavolo che guida, come un’ombra onnipresente, un cupo Papa, risulta davvero originale l’uso all’interno del booklet del pentacolo non rovesciato, forza simbolica almeno pari a quella del “Tao” che dimostra che nel male c’è sempre un po’ di bene e viceversa.

Raffigurazioni a parte, il prog metal dei Betoken risulta raffinato e molto ben prodotto; senza troppi giri di parole in queste quattordici tracce si celano tutti gli elementi che possono mandare in estati gli appassionati di Vanden Plas, Thy Majestie, Mastercastle e anche dei più epici Blind Guardian. Inoltre, pur trattandosi di una sorta di concept album e pur ponendo molto l’accento sulle orchestration, non vi è un abuso di intermezzi, che come ogni piccolo ingrediente andrebbe usato con prudenza. Niente brani lunghi con barbose strumentali jam session, Beyond Redemption è un album lavorato fin nei minimi particolari, dagli assoli agli strumenti non propriamente metal, un album borderline per lo stile, ottantiano nei gusti ma forse ancora più antico per le ambientazioni.

Un album che difficilmente convertirà chi non è affine a questo genere ma un prodotto più che valido e che dovrebbe passare instancabilmente nelle playlist dei progster classici e moderni.

Slayer – Repentless

Slayer, una band che certamente non necessità di approfondite presentazioni. Inseriti giustamente di diritto nel sacro Pantheon delle divinità thrash metal, sono da sempre considerati i più fedeli alla linea musicale intrapresa durante gli anni d’oro di questo genere, capaci di guadagnarsi il rispetto assoluto avanzando senza alcun tipo di compromesso per la loro strada e rifiutando facili logiche di mercato. Mai come nell’ultimo periodo il gruppo ha attraversato profondi e radicali cambiamenti, come la tragica scomparsa del compianto chitarrista Jeff Henneman, la separazione (per l’ennesima volta) dal fuoriclasse delle pelli Dave Lombardo, il fresco matrimonio con l’etichetta discografica Nuclear Blast o il cambio di producer, che ha visto allontanare la superstar Rick Rubin in favore di un Terry Date (Pantera, Deftones, Soundgarden) sulla cresta dell’onda. A sei anni dall’ultimo e non eccessivamente apprezzato album World Painted Blood la sterzata doveva essere vigorosa e così è stato. Con il ritorno di Paul Bostaph alla batteria e Gary Holt nel tentativo di colmare l’enorme vuoto lasciato da Henneman i quattro thrash killers si presentano con un nuovo studio album intitolato Repentless che, per quanto ci riguarda, ha schiarito le nuvole nere che si stavano addensando sopra la formazione.

Il disco si mostra scuro, brutale ed estremamente tagliente, esattamente come ci si aspettava dai nostri eroi. La sezione ritmica risulta detonante e precisa, con un Araya che subito vomita, dopo la cupa intro di Delusion Of Saviour, tutto il suo sdegno e rabbia contro la corruzione ed il marcio presente nella nostra società con la caustica Title Track Repentless. Take Control si fa largo con riff veloci ed affilati come lame, un autentico calcio nello stomaco. Non è possibile rifiatare, le tracce si susseguono frenetiche e colpiscono violente ed inesorabili catapultando l’ascoltatore al centro di un ring sonoro che non lascia scampo. Cast The First Stone è forse la traccia a nostro avviso più rappresentativa, possente e stilisticamente guerriera, un bombardamento composto da riff traccianti e solo sincopati di perfetta scuola Slayer. In sostanza il disco convince appieno, i nuovi elementi si sono amalgamati perfettamente, anche se sostituire il compianto Jeff sarà impossibile. Aleggia una nuova energia che rende il progetto più solido e dinamico rispetto al precedente disco, l’ascoltatore è trasportato attraverso le dodici tracce in un percorso di sofferenza che si snoda tra la meschinità e le ipocrisie umane, uno spaccato cupo capace di dare notevole profondità a tutto il lavoro.

Ci troviamo, senza alcun dubbio, al cospetto di uno dei migliori album del 2015, un concentrato di cattiveria che manderà in solluchero i thrasher di vecchia data e conquisterà i neofiti di primo pelo. Preparatevi, i cattivi sono tornati!