Intervista ai Grind Zero

Abbiamo incontrato tre membri dei Grind Zero, band lombarda di death metal. Alex,Udo e Mr. D sono stati ultra disponibili per più di due ore di chiacchierata che sono state sintetizzate nei punti più importanti in maniera, speriamo, soddisfacente. Freschi della pubblicazione del loro primo album dal titolo Mass Distraction sentiamo cosa ci hanno raccontato.

R.G.: Ciao ragazzi e benvenuti su RockGarage. Presentatevi ai nostri lettori.
UDO: Il gruppo nasce nel 2012. Finita l’esperienza in un gruppo precedente, praticamente il giorno dopo mi sono sentito con Mr. D. Abbiamo contattato un batterista, poi è entrato Alex. Cambiato nuovamente batterista per motivi personali…

R.G.: Scazzi?
Mr. D: Assolutamente no. Aveva altri gruppi ed una figlia piccola.
UDO: …abbiamo reclutato Rullo (l’attuale batterista, nda) e poi per ultimo il cantante.
Mr. D: Poi eravamo partiti con l’idea di suonare per divertirci. Niente di impegnativo. Qualche birra e qualche prova in compagnia. I primi abbozzi di un paio di pezzi poi ci hanno convinti che potevamo impegnarci più seriamente al progetto. Stava venendo fuori qualcosa di figo e di molto più elaborato, ogni volta si aggiungeva un riff o altro alla struttura. Così ci siamo messi dietro sul serio.
UDO: Ognuno di noi, venendo da background diversi, portava la sua idea che veniva inserita nella fase di composizione. Diciamo che il nostro primo disco è un “best of” dei demo di tutti. C’è un riff mai utilizzato che avevo scritto nel ’94. Sicuramente il prossimo sarà tutta roba nuova e, si presume, un prodotto molto più omogeneo.
Mr. D: Non ci siamo mai prefissi di fare una canzone in uno stile e una canzone in un altro; semplicemente proviamo un riff e se ci piace ci lavoriamo sopra. Poi se non ci porta da nessuna parte viene naturalmente scartato.
UDO: Alla fine è successo che un paio di pezzi siano stati messi da parte perché erano troppo orientati verso altri lidi rispetto al resto del disco.
Mr. D: In definitiva non è che facciamo un pezzo valzer ed un pezzo brutal. Comunque facciamo sempre roba estrema. Che poi un pezzo suoni un po’ più thrash, o death svedese o americano fa niente. Se ti piace e funziona… visto poi come era nata la band, per godere nel suonare cose a volumi assurdi, non stiamo tanto a considerare cosa possa piacere o meno ad eventuali ascoltatori. Non c’è una sorta di marketing.
UDO: Facciamo la musica che ci piace fare. Non abbiamo pretese di inventare o innovare. Alcune cose sono fatte come una sorta di omaggio. Mi piace una cosa e la faccio perché mi piace farla.
Mr. D: Non abbiamo l’attitudine a suonare roba con dentro 5000 riff, cose troppo intricate …

R.G.: Ci vuole comunque anche roba che sia ancorata ad uno stile passato, non solo innovazione. Almeno secondo noi anche quello fa sempre bene.
UDO: Pensa che quando è uscito il promo abbiamo ricevuto dei complimenti dall’America da un tipo che mi è rimasto impresso perché disse che “era dai tempi dei Pantera che non sentivo del metal fatto in questa maniera, con quello spirito genuino”. Conta che ora come ora tutte le band moderne si basano solamente sulla ritmica.
Mr. D: Con i suoni tutti uguali, super compatti. Noi abbiamo cercato di rendere il tutto molto grezzo. E considera che non è abbastanza grezzo, potendo lo avremmo fatto ancora di più. Effetto motosega tipo Dark Recollections dei Carnage. L’idea è quella di un nostro tributo alla roba con cui siamo cresciuti. Non ce ne frega un cazzo delle robe super moderne. Io di roba nuova ogni tanto ne ascolto ma devo dire che dopo il ’95,’96 prodotti che mi abbiano dato quelle emozioni ne ho trovati pochi. Anche nei gruppi storici che mi piacciono di più. Chi se ne frega poi se il nostro disco suona un po’ Exodus, un po’ Obituary, un po’ Bolt Thrower…meglio!

R.G.: Avete avuto problemi in questo senso con la casa discografica? Intendo per la produzione. Visto quello che mi state raccontando, vi hanno rotto i coglioni sotto l’aspetto dei suoni o il produttore non era d’accordo con voi?
Alex: Assolutamente no!
UDO: Anzi a loro è piaciuta questa cosa!
Mr. D: Hanno apprezzato che fosse una roba genuina, non fatta per seguire il trend del momento. Quando realizzammo il promo c’era molta meno roba old school di quella che c’è ora. Se non avessimo trovato il contratto ci saremmo autoprodotti.
Alex: L’etichetta ci ha semplicemente comunicato che aveva sentito il nostro promo e gli era piaciuto. E che erano interessati al materiale. E’ stato un rapporto molto semplice. Ci ha chiesto solo se eravamo sicuri di usare quella copertina (ridono).

R.G.: Come avete scelto e da dove deriva il vostro nome?
Alex: Il nome non è solamente un riferimento a Ground Zero ma sicuramente lo richiama perché pensiamo che sia un evento che abbia sconvolto le vite di tutti e cambiato la storia.
UDO: Comunque volevamo il termine grind nel nome, non inteso nel senso di genere musicale, ma proprio del suo significato di macinare, tritare…
Alex: Ero in macchina e stavo pensando a Zero Signal dei Fear Factory e da lì ho associato le due idee ed è nato il nome.
UDO: Se vedi ad esempio negli anni ’90 tutti i gruppi si chiamavano con un solo termine. Ora invece si chiamano tutti con dei nomi lunghi. Ma eravamo orientati ad avere un nome breve e di due parole, facile da ricordare.

R.G.: Sulla copertina di “Mass Distraction” si vede una sorte di pontefice che intrattiene un’adunata nazi. Pensate che solo la religione sia un’arma di distrazione di massa?
UDO: Non solo. Lì c’è sia il messaggio religioso che quello politico. L’idea di fare una sorta di collage è stata di Marco (il cantante, nda) mentre decidevamo se realizzare un disegno o una foto. Volevamo comunque collegare l’artwork ad un titolo o tema trattato nell’album. Il disco agli albori doveva intitolarsi Dislocation e quindi avevamo pensato ad una grafica con una città divisa in due, nella sua versione bella e pacifica e in quella completamente distrutta. Poi mi è venuta l’idea definitiva (è un grafico pubblicitario, nda) che è comunque cambiata perché nel primo progetto la scena si vedeva frontalmente. Ma Mr. D mi ha fatto giustamente notare che in Germania ci avrebbero tagliato completamente le gambe.
Mr. D: Potevano semplicemente associarci all’iconografia e all’idea nazista. Non lo siamo ma sappiamo che se pensano che sei di quelli, soprattutto in Germania, è la fine.
Alex: Alla fine è stata ridisegnata completamente.
UDO: Comunque si adatta bene alle tematiche che trattiamo. E stiamo avendo dei riscontri positivi anche su questo.
Mr. D: Mentre la musica è venuta in maniera più istintiva la copertina è stata una cosa molto più studiata e discussa.
Alex: Alla fine abbiamo collegato tutto: testi, musica e l’artwork completo di copertina e booklet.
UDO: Riteniamo comunque che ci sia un sacco di gente che parla a vanvera e che cerchi, con vari mezzi, di distrarre le persone da quelli che sono i problemi reali.
Alex: Se guardi bene la religione ha comunque delle implicazioni e degli intrecci con la politica e quindi poi viene mischiato tutto in maniera pericolosa.

R.G.: Di cosa parlano i vostri testi?
Alex: Ci piace molto dare un significato ambivalente ai nostri testi, con un doppio significato.
UDO: Prendi ad esempio Black River che è un pezzo da atmosfere un po’ più southern. Parla di uno che si sbronza tutti i giorni.
Alex: Però può anche essere letto sotto un altro punto di vista. Che bisogno c’è di ubriacarsi tutti i giorni? Per fuggire da qualcosa che ti opprime o perché ti diverti?
UDO: Comunque poi le tematiche che trattiamo sono quelle dette prima, legate alla copertina. Ma anche tematiche più cazzone. Alla fine facciamo death metal! (ridono, nda)

R.G.: Quali sono le vostre influenze musicali? Perché a dispetto del nome che può confondere, ho notato che ci sono molte varianti in “Mass Distraction”.
UDO: Io provengo dai Sepultura. Il death, i Carcass, il thrash di Metallica e Slayer. La parte estrema ma più commerciale tra virgolette. Poi leggevo tutte le riviste metal e quindi qualche chicca o bizzarria mi incuriosiva. Tipo il primo disco degli Anal Cunt. L’ho comprato in vinile e manco avevo il giradischi e me lo sono fatto riversare su cassetta per ascoltarlo. Il mio primo approccio con il metal comunque sono stati gli AC/DC, i Def Leppard e gli Iron. Poi sono arrivate le band un po’ più estreme. Comunque mi piacciono cose molteplici. Prediligo generi dove le chitarre sovrastano e pestano.
Mr. D: Io sono cresciuto con Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin. I miei cugini più grandi ascoltavano quel tipo di musica. A 11 anni ho scoperto i Doors ed anche Bon Jovi che a quell’età mi sembrava una cosa cattivissima. Un mio compagno di scuola poi mi ha dato 3 dischi che mi hanno cambiato la vita: Clandestine degli Entombed, Slowly We Rot degli Obituary e Harmony Corruption dei Napalm Death. A quel punto Metallica e Slayer mi sono sembrati musica troppo delicata. Poi ho scoperto il black metal norvegese con Aske di Burzum. Comunque ascolto quello che mi piace senza limiti di generi anche se prediligo la roba estrema.
Alex: Io sono cresciuto ascoltando Metallica e Anthrax. Poi per un certo periodo ho abbandonato il metal tornando ad ascoltarlo con Dark Tranquillity e Nocturnus. E da lì sono rimasto sul death ed il metal estremo. Mi piace comunque molto la dimensione live della musica e quindi sono un assiduo frequentatore di concerti.

R.G.: Cosa pensate dello stato della musica in Italia?
Mr. D: Ci sono stati e ci sono dei buoni gruppi. Il problema è che è mancata una scena e soprattutto il supporto alla scena da parte di etichette efficienti e di locali e pubblico perché era più figo farsi chilometri per vedere un qualsiasi gruppo estero che seguire il gruppo italiano. All’estero si segue tutto e c’è un sacco di supporto alle realtà locali ed alla musica in generale.
Alex: Ormai non ci sono nemmeno più i posti dove suonare, hanno chiuso quasi tutti.
Mr. D: Praticamente l’unico modo per ascoltare metal in Italia ormai sono quei promo di 20 secondi della Moto GP.
UDO: Comunque in Italia si vive molto di cicli brevi, si dà molta attenzione al gruppo del momento.
Alex: E’ anche un ambiente che si è infighettato tantissimo.
UDO: Il sunto finale è che l’Italia è una merda!

R.G.: 20 anni fa i Metallica denunciavano Napster. Oggi sembra che la musica sia intrinsecamente legata ad Internet.
Mr. D: Io ancora ordino gli album e li preferisco all’ascolto del solo file digitale. Tu pensa che però molte band piccole sono state costrette a sciogliersi a causa del download illegale. Poi però tutti si lamentavano perché quei musicisti sparivano e si cercavano un vero lavoro. Comunque sono anche contro il download legale. Che senso ha pagare 10 euro un album su Itunes quando è privo di tutto: copertina, case, eccetera? Tu hai ragione a dire che senza internet ora sembra che la musica non possa esistere ma perché c’è una generazione che concepisce solo quello.
UDO: Io penso che Spotify sia una grande invenzione.
Alex: La penso ugualmente. Ho conosciuto un sacco di musica grazie a Spotify. Comunque continuiamo tutti a comprare i cd. O i nostri preferiti o comunque cose che scopriamo sul web.
UDO: In Italia si sono subito rifatti portando i prezzi dei concerti ad un prezzo assurdo.

R.G.: Ragazzi ringrazio per la vostra disponibilità. Alla prossima!
G.Z.: Un saluto a tutti i lettori del sito da parte dei Grind Zero!

Plastic Made Sofa@Festival SotAlaZopa 2014 (TN)

In occasione del festival SotAlaZopa 2014, che si è tenuto a Tonadico (TN) in Valle del Primiero, abbiamo incontrato i Plastic Made Sofa, giovane band bergamasca che si è recentemente fatta conoscere grazie all’ultimo album autoprodotto Whining Drums. Un album maturo, presentato con energia, tecnica ed umiltà sul palco del SotAlaZopa venerdì sera, tra il concerto dei Linea 77 e quello dei Ninos du Brasil. Un album ricercato, che riflette un sound sperimentale e decisamente psichedelico, con sfumature che ricordano i primi Pink Floyd di Syd Barret. Musicisti originali ed amanti della musica anglosassone, i Plastic Made Sofa scrivono di viaggi reali ed irreali riuscendo a convincere il pubblico e la critica. Hanno un singolo in rotazione su MTV, Lizards On A Wire, ed un altro Midnight In Remada, il cui video “ha ispirato” (per dirla con un eufemismo) la realizzazione della clip di Echoes degli U2, il controverso brano della discordia con Apple. Ma, in fondo, sono solo quattro ragazzi con tanta voglia di suonare e di dire la propria, sperando di lasciare il segno in questo strano mondo della musica.

R.G.: Plastic Made Sofa, ospiti al SotAlaZopa 2014 a Tonadico in provincia di Trento. Un gruppo bello giovane che è uscito quest’anno con un album “Whining Drums”, che è stato ben salutato dalla critica che li ha definiti come “la band underground più internazionale d’Italia”. Perché siete così internazionali secondo le riviste di settore?
P.M.S.: Ma… Probabilmente perché abbiamo sempre ascoltato musica inglese, musica anglofona. Il nostro background musicale è molto internazionale. Diciamo… poco italiano. Soprattutto, poco italiano. Quindi, è naturale che quando qualcuno si mette a scrivere qualcosa, poi fa riferimento a quello che ha sempre ascoltato.

R.G.: Che cos’è che avete sempre ascoltato voi? Quali sono le vostre principali influenze?
P.M.S.: Le nostre influenze sono molto anni ’60. Tanto anni ’60: Beatles, Rolling Stones, Velvet Underground, Pink Floyd. In questo nostro ultimo disco, si sente tanto l’influenza dei Pink Floyd.

R.G. E come descrivereste quest’ultimo album, se doveste trovare delle parole chiave per promuoverlo?
P.M.S.: Forse la parola chiave è quella del “viaggio”. Abbiamo sperimentato strumenti che non sono del tutto propri della cultura europea. Si spazia, infatti, tra percussioni e synth, strumenti che normalmente non appartengono alla mondo rock italiano. Inoltre, nelle nostre canzoni si esprime in qualche modo una volontà di astrarsi da quella che è la vita di tutti i giorni. Quindi, il messaggio che sta dietro alle parole dell’album è la volontà di fare un viaggio un po’ più lontano dal punto in cui attualmente si è. Nei testi, infatti, si ritrova anche il racconto di posti, luoghi, sogni o cose che non sono riconducibili alla realtà.

R.G.: Quindi, dietro c’è prevalentemente una scrittura per immagini?
P.M.S.: Sì, sì. Se si chiama così, sì [ridono]. Anche oggi abbiamo imparato una parola nuova.

R.G.: Come è andata l’estate live dei Plastic Made Sofa dopo l’uscita dell’album?
P.M.S.: Gran bene. Abbiamo fatto il bilancio delle date proprio la settimana scorsa e siamo molto contenti. Quest’estate, siamo stati parecchio impegnati e soprattutto abbiamo avuto modo di girare parecchio, facendo su e giù per lo stivale. Più volte.

R.G.: E come stata la risposta del pubblico?
P.M.S.: Ottima. È stata un’estate che ci ha regalato tante soddisfazioni, tanti bei palchi, bei festival. E abbiamo avuto anche una grande risposta da parte del pubblico. Quindi è un’estate da promuovere a pieni voti.

R.G.: Quali sono i vostri progetti per l’immediato futuro?
P.M.S.: Adesso, sicuramente, il nostro principale obiettivo è continuare a suonare il più possibile, ancora per un po’. Noi siamo usciti come band autoprodotta, quindi chiaramente prima di smuovere le acque ci è voluto del tempo. Però, ora sta iniziando a girare molto bene per noi e stiamo cominciando a colonizzare territori inesplorati. Quindi, cercheremo di suonare ancora in giro nei prossimi mesi e, poi, scriveremo un altro disco.

R.G.: Tornando a parlare dell’estate dei festival, un evento come il SotAlaZopa in Trentino, che è realizzato in una location particolare nel cuore delle Dolomiti sotto le Pale di San Martino, come vi sembra?
P.M.S.: La location è stupenda. Ci piace molto che si stia recuperando la dimensione dei festival in mezzo alla natura, un po’ in generale in tutta Italia. Tanti festival di questo tipo stanno fiorendo. Questa dimensione anche un po’ più hippie, con il campeggio libero. È molto bello. E noi ci troviamo davvero a nostro agio. Poi, il nostro disco, che è molto psichedelico, in questa cornice rende di più.

R.G.: A inizio settembre, avete suonato sempre in Trentino al Lomas On, insieme ai Next Point, altra band emergente proveniente dalla Valle del Primiero (TN), che fa parte dell’associazione Aguaz organizzatrice del festival SotAlaZopa. Prendendo loro come esempio, secondo voi, oggi come oggi vale la pena suonare, organizzare festival e concerti, “sbattersi”, essere “volontari” nel creare musica e nel portare la musica all’esterno?
P.M.S.: Ovviamente sì. La realtà indipendente, anche a livello nazionale, è molto frammentata. Ci sono persone, che grazie alla loro passione, organizzando e “sbattendosi”, contribuiscono a tenere in piedi il panorama della musica indie in generale e, nel nostro caso, autoprodotta. Non solo vale la pena continuare a suonare e ad organizzare eventi, ma è necessario per fa sì sia che la musica indipendente stessa e i festival o concerti che le stanno attorno continuino a sopravvivere, sia che queste realtà di “volontari” continuino a realizzare queste cose stupende.

R.G.: Grazie mille ai Plastic Made Sofa ed in bocca al lupo per tutto.
P.M.S.: Crepi. Grazie a voi.

Intervista ai Los Fastidios

In occasione della seconda edizione del Together Fest, rassegna musicale e non solo, che si è tenuta a Lainate (MI), abbiamo avuto l’occasione di fare una chiacchierata con Enrico, cantante dei Los Fastidios, gruppo che con il suo punk-oi! segna la scena italiana dall’ormai lontano 1991, anno della loro nascita. Visto il loro attivismo e la loro sensibilità su diversi argomenti, con Enrico abbiamo toccato diversi punti, che vanno dalla musica alla politica, dai diritti per gli animali al calcio. E lui, senza mezzi termini, ci ha illustrato i messaggi e gli ideali che da più di vent’anni caratterizzano i Los Fastidios.

R.G.: Ciao e benvenuti su RockGarage! Sono passati più di vent’anni dalla vostra nascita, che sensazioni provate e come riassumeresti in poche parole questi anni?
L.F.: Ciao! A pensarci è stato proprio come un fulmine! Dal 1991 ad oggi il tempo sembra davvero volato come niente, sembra ieri che abbiamo cominciato. Se ci fermiamo un attimo a ripensare a tutto questo tempo passato viene da dire che ne abbiamo fatti di chilometri! Abbiamo avuto la fortuna di girare molto sia in Italia che in Europa. Cosa dire? Siamo ancora qui, con una botta di entusiasmo notevole, dovuto anche ad un paio di cambi in formazione dettato da impegni lavorativi dei precedenti componenti della band, impegni che impedivano loro di poter continuare con i Los Fastidios. E grazie ai due nuovi arrivati abbiamo avuto un’ulteriore ventata di entusiasmo; venivamo da un periodo diciamo un po’ piatto ma anche grazie a loro abbiamo ritrovato nuovi stimoli: difatti stiamo già lavorando al nuovo album. Quindi riassumere l’esperienza Los Fastidios…è una vita! È una vita che fai in giro su un furgone a suonare in Italia ed in Europa, arrivando in situazioni dove band italiane non erano mai arrivate prima.

R.G.: La notizia riguardo un vostro nuovo album non può che farci piacere, quando dovrebbe uscire?
L.F.: In sala prove stiamo già lavorando a riguardo; l’idea è di chiuderci in studio a novembre, per poterlo poi pubblicare verso febbraio/marzo dell’anno prossimo. Questo è il nostro programma che credo rispetteremo dato che stiamo andando avanti molto bene.

R.G.: Nel corso della vostra carriera i testi sono, man mano, diventati sempre più politicizzati, c’è un motivo particolare per questo cambiamento? O, come credo, è semplicemente un percorso di maturazione?
L.F.: Sì per me è il classico percorso di maturazione; tieni anche conto che, in tutti questi anni abbiamo spesso cambiato line-up, con i nuovi ingressi arrivano anche nuove idee sia dal punto di vista sonoro che riguardo gli argomenti che poi trattiamo nei nostri testi, quindi è un percorso di maturazione secondo me. Poi tieni anche conto che ognuno dei nostri dischi ha una storia a sé; si va dagli album più spensierati dell’inizio della nostra carriera a dischi più impegnati o più cattivi, come ad esempio Guardo Avanti, disco del 2001, anni nei quali ci sono state tantissime manifestazioni di piazza, anche represse in maniera brutale dalle forze dell’ordine come a Napoli o purtroppo a Genova in occasione del G8. Quindi è normale che poniamo la nostra attenzione su vari avvenimenti, e quell’anno c’è ne sono stati parecchi. Noi non ci sentiamo una band politicizzata, siamo una band che si ritiene anti-fascista, che per noi è un valore fondamentale, ma non sventoliamo bandiere di partiti politici, siamo in quattro, quattro teste pensanti che si creano ognuna la propria opinione.

R.G.: Molti di quelli che vi seguono, si sono avvicinati a voi più per le tematiche dei vostri testi che per il genere che proponete, siete d’accordo?
L.F.: Si è verissimo! Fortunatamente riusciamo a fare breccia sia al ragazzino che al pensionato! Questo semplicemente perché noi tocchiamo, come dicevo prima, delle tematiche a noi care, e queste tematiche possono toccare chiunque, a prescindere dal gusto musicale di ognuno. Una delle soddisfazioni più grandi è quando, ancora oggi, persone vengono a ringraziarti perché la nostra musica ha aperto i loro occhi. Noi abbiamo sempre detto e ripetuto che noi Los Fastidios non vogliamo insegnare niente a nessuno, non ci sentiamo maestri di niente, ci sentiamo quattro musicisti ai quali piace portare in giro la loro musica, e quando riceviamo complimenti e ringraziamenti ci si stringe il cuore e viene logico pensare che sì, siamo serviti a qualcosa.

R.G.: Alcuni vostri pezzi rappresentano perfettamente voi stessi e ciò che pensate su determinati argomenti, iniziamo da Rabbia Dentro Il Cuore, a 13 anni di distanza che pensieri vi vengono riguardo ai fatti di Genova del 2001?
L.F.: Pelle d’oca..guarda pure il mio braccio…la vedi la pelle d’oca? Noi eravamo a Genova quei giorni, e quel pezzo è nato proprio dal cuore; il pomeriggio, dopo che ero appunto tornato da Genova, ho preso il mio basso ed il giro è venuto giù così. Ancora oggi, dopo tredici anni, mi fa venire la pelle d’oca, perché purtroppo situazioni come quelle di Genova si vivono ancora oggi, quasi ogni mese leggiamo che persone vengono uccise o da mani fasciste o dalle forze dell’ordine, in ogni parte del mondo, ed il brano è anche per queste vittime, oltre ad essere per Carlo Giuliani; purtroppo Piazza Alimonda (piazza di Genova dove fu ucciso Carlo Giuliani) è attualissima, vorremmo fosse semplicemente il passato ma non lo è, penso purtroppo, vista la situazione generale attuale, che c’è ne saranno ancora di “Piazza Alimonda”.

R.G.: Animal Liberation, oltre ad essere uno dei vostri brani più noti, è anche un inno a favore della tutela degli animali. Come vedi l’attivismo animalista in Italia?
L.F.: È stato sicuramente il nostro primo impegno quello di essere a favore degli animali, sin da quando realizzammo Stop Alla Vivisezione che era uno dei nostri demo; se vuoi un pezzo banalissimo e semplicissimo però già illustrava tutto ciò che pensavamo e che pensiamo a riguardo. Per noi la lotta per i diritti per gli animali equivale alla lotta per i diritti umani, non cambia assolutamente nulla: è un essere vivente uno ed è un essere vivente l’altro. Per me, per noi, è importantissimo lanciare questo tipo di messaggio essendo uno degli argomenti cari ai Los Fastidios. E tornando alla tua domanda, mi fa molto piacere vedere come negli ultimi anni è cresciuta in modo esponenziale la lotta per i diritti degli animali, ovviamente non ci prendiamo nessun merito per questo, però fa molto piacere vedere come questo argomento, che noi portiamo avanti sin dagli inizi, abbia avuto molto più seguito negli ultimi anni.

R.G.: S.H.A.R.P.: voi viaggiate molto all’estero, come vedi, rispetto al nostro Paese, la situazione politica per quanto riguarda i giovani sulla strada?
L.F.: Io sono sempre stato legato alla scena skinhead anti-fascista ed anti-razzista, ma pensandoci oggi non mi piace essere legato ad una semplice sigla, anche perché comunque il mondo skinhead è un mondo molto ampio. Nel mondo skinhead non esiste solo la realtà S.H.A.R.P. (SkinHead Against Racial Prejudice) come anti-razzista ma anche R.A.S.H. (Red and Anarchist SkinHead) che è un movimento ancora più politicizzato. Una cosa che non ci stancheremo mai dire ai nostri concerti, e che ripeteremo anche stasera, è quella che, per colpa dei media, è assurdo che il movimento “skinhead” venga etichettato come razzista e legato quindi ad una cultura xenofoba e di destra, quando invece il movimento “skihead”, nato nel secolo scorso, nasce appunto come primo movimento multi-etnico e faceva della multi-razzialità la sua caratteristica principale. È stata la prima cultura giovanile che unì i bianchi ed i neri. E mi viene il nervoso quando vedo movimenti di estrema destra che si impossessano di valori che storicamente non appartengono a loro, come ad esempio, tornando alla domanda di prima, riguardo il discorso animalista, ma anche riguardo al fenomeno delle curve negli stadi di calcio, nate negli anni 70 come spazio completamente popolare. Ma questo però è anche colpa di alcuni movimenti di sinistra che stanno troppo fermi lì a guardare, oltre che dei mass-media che ci mettono del loro. È difficile spiegare la differenza su questo tra Italia ed Europa; ogni Paese, ogni nazione ha la sua scena, avendo suonato in giro per l’Europa abbiano notato diverse situazioni tra loro, abbiamo suonato anche nei paesi dell’Est Europa in anni molto caldi, dove abbiamo anche subìto minacce da gruppi neo-nazisti, cosa che comunque è accaduta anche qui in Italia, ma una cosa che fa piacere è che noi dei Los Fastidios siamo stati uno dei primi gruppi punk-oi! a battere a livello di tour l’Est Europa, ed anno dopo anno abbiamo visto crescere la scena, e questo non può che farci un immenso piacere.

R.G.: Ed a proposito di estero, ho notato che un Paese dove suonate spesso è la Germania, ancor di più che in Italia, come mai questo?
L.F.: È vero, guarda in Germania ormai potremmo suonare tutti i giorni! Ti dirò che anni fa avevamo anche pensato di trasferirci a Berlino ma non l’abbiamo fatto e ad oggi direi con qualche rimpianto. Ti spiego una cosa: in Italia abbiamo dei grossi limiti; una band indipendente arriva ad un certo punto, all’estero magari riesci a riempire locali, ma in Italia se alle spalle non hai nessuno che si fa i soldi su di te, oltre ad un certo livello non arrivi! In Germania invece se una band indipendente ha successo, può benissimo arrivare dove arriva un gruppo che è sotto una major discografica. All’estero ci sono band italiane che stanno avendo un ottimo successo come i Talco o i Redska, ma in Italia niente, per le radio non si passa, televisione men che meno; c’è RockTv che all’inizio era partita molto bene, dando molto spazio a gruppi indipendenti e ti lasciano dire quello che volevi come in programmi come “Database” dove vi abbiamo partecipato; dove avevi carta bianca e ti assumevi la responsabilità di quello che dicevi, ed era molto bello perché, anche tramite questo, una band aveva la possibilità di lanciare il suo messaggio. Noi puntiamo molto sull’aspetto live e, come dicevo prima, è bellissimo interagire con chi viene ai nostri concerti; ho 46 anni e per me interagire anche con il ragazzino che viene ad un concerto dei Los Fastidios è gratificante. Questo sta anche a significare che il nostro disco Contiamo Su Di Voi! del 1998 è ancora attuale. Mi infastidisce quando sento qualcuno che dice che ai concerti dei Los Fastidios ci sono molti ragazzini, allora io lì rispondo “Caro mio, ricordati che anche tu sei stato un ragazzino!”.

R.G.: E cosa rispondi a quelli che da qualche anno sostengono che siete diventati “commerciali”?
L.F.: Guarda è una cosa che ci siamo sentiti dire più volte, non so che risponderti a riguardo, noi siamo i Los Fastidios, portiamo avanti la nostra musica ed il nostro messaggio in maniera coerente da anni, con il tempo abbiamo magari curato un po’ di più il suono, siamo migliorati tutti come musicisti, se penso che nel primo singolo c’ero io al basso che sono una schiappa ed ora c’è Alvise, che è un signor bassista, è logico che siamo migliorati! Se poi per qualcuno siamo diventati commerciali, va beh siamo commerciali, ma non penso proprio.

R.G.: Un Calcio Ad Un Pallone è un pugno in faccia al calcio dei milioni di €, è un brano che può essere considerato ancora attuale?
L.F.: Visto che siamo in periodo mondiali, ti dico subito che noi boicottiamo i mondiali di calcio perché questo non è il calcio che ci rappresenta, tant’è che abbiamo fatto uno striscione con scritto “Noi tifiamo favelas”. Io sono molto malato di calcio, sono tifosissimo della Virtus Verona (terza squadra di Verona, che ha partecipato all’ultimo campionato di LegaPro 2° divisione) tant’è che la seguo sempre, sia in casa che in trasferta, amichevoli comprese, è una malattia la mia! Il calcio che piace a noi è quello popolare, fatto di passione e di sudore, non certo quello fatto da milioni di euro, e quello fatto da calciatori dove fa più notizia quello che fa al di fuori del campo da calcio rispetto alle prestazioni sportive. Sono cresciuto con le figurina Panini negli anni 70, dove i calciatori erano dei brutti ceffi con quei capelloni e quei baffoni, e non i fotomodelli di oggi. Era un calcio più genuino dove c’era spazio anche per rapporti umani con i calciatori, rispetto a quello attuale che proprio, come sistema, non mi piace. Sono orgoglioso di essere tifoso di una squadra la cui società è anche molto impegnata nel sociale, portando la squadra a visitare luoghi come Israele, Palestina, ma anche Cuba e in Polonia ad Auschwitz, siamo fieri anche del fatto che il motto della squadra è “Hasta la victoria siempre!”, scritta che portano anche sulla maglietta per gli allenamenti, e a chi ci accusa di aver politicizzato la società, io rispondo sempre che noi come gruppo ultras siamo nati nel 2006 e Che Guevara era già lì ad aspettarci.

R.G.: Come vedi la scena punk in Italia oggi? Cosa consiglieresti ad una giovane band per farsi strada?
L.F.: Seguo con molta attenzione l’attuale scena italiana, anche tramite la mia etichetta Kob Records, anche se per problemi di distribuzione ci siamo un po’ rallentati con le produzioni. Magari per la scena non è il momento migliore, ma sono anche convinto che ci sono delle belle realtà. Uno dei problemi è anche che ci sono delle location, anche autogestite, che si stanno buttando su scelte musicali lontane dal punk preferendo Dj set. Forse bisognerebbe proprio ripartire dagli stessi spazi autogestiti, facendo in modo che tornino a dare spazio a piccole realtà musicali. Ad una giovane band per prima cosa direi di autoprodursi, sfruttare internet per far arrivare la propria musica, anche se dall’altro lato l’uso di internet ha fatto un po’ in modo di perdere la “voglia di strada” che c’era una volta. La cosa importante è quella di non perdersi d’animo, anche davanti a dei “no” e continuare a credere nella propria musica e nei propri ideali. E ripetiamo il concetto di autoprodursi, anche perché l’etichetta al giorno d’oggi fa poco di più rispetto ad un’autoproduzione.

R.G.: Grazie dell’intervista Enrico, vuoi fare un saluto ai lettori di RockGarage?
L.F.: Volentieri! Un saluto a tutti i lettori di RockGarage! Andate avanti così, e c’è ne fossero di siti e di situazioni come la vostra per diffondere musica! E mi raccomando, date spazio alle band giovani piuttosto che alle band di vecchiotti come la nostra!

Intervista ai Gambardellas

In occasione del MarcaRock, rassegna musicale di tre giorni che si è svolta a Marcallo con Casone, alle porte di Milano, abbiamo incontrato Mauro, voce, batteria e fondatore dei Gambardellas, nuova realtà del rock italiano che da un paio d’anni ha avuto una costante crescita all’interno del panorama underground del nostro Paese. Mauro ci ha raccontato di questi due anni di crescita, di ambizioni future e tanto altro.

R.G.: Ciao e benvenuti su RockGarage! Fateci una vostra presentazione per chi ancora non vi conosce.
M.G.: Grazie a voi! Dunque, i Gambardellas sono una band che ho fondato personalmente nel 2012. All’inizio era una one-man-band ma anche un progetto parallelo visto che, per tanti anni, ho suonato con altri progetti musicali come George Merk, The R’s e Paletti, Dopo tanti anni di “turnismo” ho capito che per me era giunto il momento di esplorare la mia parte da compositore; per diversi anni ho scritto canzoni solo per me, quindi nel 2012 mi sono messo nel mio home studio con un co-produttore che al tempo era Fabio Dalè ed ho iniziato a lavorare su quello che poi è diventato Sloppy Sounds, ovvero il primo disco dei Gambardellas, ed una volta terminato, ho capito che la cosa poteva funzionare e quindi sono nati i Gambardellas. L’anno scorso abbiamo fatto 42 date live, assieme a Glenda e Grethel Frassi e da questo abbiamo capito che c’era enorme affiatamento tra di noi, ci siamo guardati e, visto l’affiatamento creatosi, abbiamo deciso di lavorare su altri nuovi pezzi, dai quali è nato il nostro EP Ashes.

R.G.: Dal disco d’esordio “Sloppy Sounds” si percepiscono diverse influenze: quali sono i generi che più ti hanno formato come artista?
M.G.: Guarda, a me piace definire Sloppy Sounds come il disco che avrei sempre voluto fare; un po’ perché avevo pieno potere sulle decisioni, e quindi volevo far sentire tutte le mie influenze musicali, che comunque, crescendo nel corso degli anni, sono state diverse. Il disco è composto anche da canzoni che ho scritto diversi anni fa, quando ascoltavo più grunge come Pearl Jam o Foo Fighters. Comunque è sempre difficile parlare di influenze, ma su Sloppy Sounds in particolare mi vengono in mente contaminazioni da parte di gruppi come Eagles Of Death Metal o Arctic Monkeys, o appunto derivati dal grunge come ti dicevo poco fa. Tante influenze, e volevo proprio che quel disco suonasse così; non dico che suonasse “acerbo” ma sapevo che poteva essere il classico primo disco di una band, e quindi, sotto alcuni punti di vista, magari un po’ “ingenuo” come lavoro. Invece con Ashes volevo che il sound fosse ancora più “nostro”, e dico nostro perché ovviamente anche Glenda e Grethel hanno messo del loro, portando la loro esperienza. E secondo me è uscito un disco ancor più maturo ed anche molto più moderno.

R.G.: Da poco è uscito il vostro EP “Ashes”, com’è nato e il titolo ha qualche significato particolare?
M.G.: No non ha significati particolari; come spesso accade si comincia a jammare un po’ in saletta, provando diverse soluzioni, ed ho pensato che la parola Ashes ci stava perfettamente in questo contesto, da lì poi ho scritto il testo del brano prendendo appunto spunto dalle ceneri e dalla rinascita da esse. Ed in effetti, pensandoci a posteriori, questo lavoro rappresenta per noi una rinascita o un nuovo inizio.

R.G.: Com’è nata l’idea di pubblicare un EP quasi subito dopo un LP?
M.G.: Guarda, nell’agosto dell’anno scorso ci siamo chiusi in saletta con l’obbligo morale di comporre venti pezzi, e ci siamo riusciti. Però allo stesso tempo volevamo pubblicare qualcosa in tempi brevi, perché ormai c’è l’esigenza per le band emergenti di pubblicare novità per far sì anche di avere una continuità a livello di live, che resta la nostra principale forma di promozione, ed anche remunerativa per la nostra band. Quindi abbiamo preferito non fare il passo più lungo della gamba; per noi è un momento di passaggio, e quindi abbiamo pensato che è stato meglio far uscire un EP, ed intanto continuare a lavorare per trovare ed identificarci in un determinato percorso.

R.G.: State lavorando ad un nuovo LP?
M.G.: Assolutamente sì! Ne stiamo parlando proprio in questi giorni, anche se non abbiamo ancora ben chiaro dove e con chi registrarlo. I pezzi sono pronti, ed alcuni di essi li abbiamo già testati dal vivo, per capire quali possono funzionare o meno, siamo anche convinti che ci saranno dei brani ancora più maturi e che quindi possano fare un ulteriore passo avanti rispetto a Sloppy Sounds. Stiamo valutando diverse opzioni, ma l’idea principale è quella di andare a produrlo all’estero, perché vogliamo dare ai nostri lavori un valore più internazionale.

R.G.: Avrete un’estate intensa riguardo il tour, tra le tante date ho letto che suonerete al Woodstock Europe, cosa vi aspettate da questa esperienza?
M.G.: Guarda, per noi è stata una bellissima sorpresa, siamo stati selezionati per quel festival attraverso un concorso. Devo dire che comunque sono sempre stato scettico riguardo ai concorsi; nel corso degli anni ne ho fatti tanti e devo dire che ho trovato dei contesti all’interno che non mi sono mai piaciuti molto. Però questa era una grande occasione, anche per mettersi in gioco a livello internazionale. Sinceramente non conoscevo questo festival, ma tramite internet e parlando con altre persone, mi sono informato ed ho scoperto che è un festival che esiste da vent’anni e di media fa 400.000 persone all’anno, una roba gigantesca! Quindi abbiamo detto: “va beh proviamoci!” Abbiamo inviato il nostro materiale e c’hanno preso! Ed è stato per noi una cosa totalmente inaspettata, anche perché saremo l’unica band italiana. Cosa ci aspettiamo? Bè il nostro obiettivo è di andare là ed innanzitutto divertirci, ma anche quella di riuscire ad ottenere una prima visibilità per poi poter iniziare a muovere qualche passo fuori dall’Italia. È un’occasione che vedremo di sfruttare al meglio.

R.G.: Insomma è un bel trampolino di lancio per riuscire ad ottenere qualche data all’estero, o sbaglio?
M.G.: Sì anche se vogliamo comunque essere cauti; come dicevo prima, l’obiettivo primario è quello di andare là e fare il nostro lavoro nel migliore dei modi, prima di questo festival abbiamo altre date qui in Italia, quindi altre occasioni per rodarci e per presentarsi lì al massimo, poi come andrà andrà, se andrà bene vorrà dire che abbiamo semplicemente fatto il nostro lavoro al meglio. Quello di suonare di più all’estero è comunque un obiettivo, sappiamo che un sound come il nostro, cantato in inglese, e che riteniamo di stampo più internazionale, fa molta fatica a trovare spazio qui in Italia, anche se per quanto ci riguarda, abbiamo fatto parecchi live e con ottimi risultati, soprattutto iniziamo a vedere gente che segue i nostri tour. Ma comunque uno dei nostri primari obiettivi resta quello di iniziare a provare ad esibirci fuori dai nostri confini.

R.G.: Cosa ne pensi delle varie piattaforme online per la musica? Sono utili o anche dannose per una band emergente come la vostra?
M.G.: Dal mio punto di vista tutto può essere utile; viviamo in questo mondo e fare una guerra contro un gigante come internet è impossibile, come si è visto in passato da band molto più grandi di noi che c’hanno provato. Ci si può convivere, a me, ad esempio, viene in mente Jack White, che nonostante la sua ottima campagna pro-vinile, allo stesso tempo è presente su canali come iTunes o Spotify. Per una band come la nostra essere presenti su questi canali è utile, anche se sappiamo benissimo che quando vendo un CD al banchetto dopo il live, hai un rientro che non hai con diecimila visualizzazioni su Spotify. Certo è un ottimo modo per promuoversi, se aumentano gli utenti che ascoltano i nostri dischi non posso che esserne contento. Noi comunque siamo molto attivi su internet; abbiamo le nostre pagine Facebook, Twitter e soprattutto Soundcloud, che è una realtà solamente delegata alla musica, cosa che non è assolutamente Facebook. Noi innanzitutto dobbiamo convincere che la nostra musica è valida, e se questo è uno dei modi per ascoltarci, va bene lo stesso.

R.G.: Come vedi la situazione oggi riguardo agli spazi per suonare, o alle possibilità che hanno (o che non hanno) le band emergenti di esibirsi dal vivo?
M.G.: Io, avendo un passato da turnista, o sempre lavorato diciamo “conto terzi”, e quindi fino ai Gambardellas non sono mai stato uno che si occupava di cercare date o che aveva a che fare con le etichette, sono sempre stato un batterista che veniva chiamato per poi adattarsi al contesto musicale nel quale andavo a far parte. Quindi non ho un vero polso della situazione, so che anni fa si suonava molto di più e che c’erano molte più occasioni per esibirsi davanti ad un pubblico. So che molte band si lamentano del poco spazio concesso, ma noi non ci possiamo assolutamente lamentare, tenendo conto che tra l’anno scorso e quest’anno abbiamo alle spalle circa settanta concerti.

R.G.: Grazie dell’intervista, fate pure un saluto ai lettori di RockGarage!
M.G.: Volentieri! Ciao ragazzi sono Mauro dei Gambardellas, un ringraziamento a RockGarage, check it out!

Intervista ad Alteria

In occasione della data milanese presso il Legend Club, abbiamo incontrato Alteria, che ha da poco iniziato la seconda parte del suo tour che promuove il disco Encore, pubblicato lo scorso dicembre. Nel corso della chiacchierata abbiamo affrontato diversi argomenti, dai suoi esordi fino ad oggi, nei quali ci ha raccontato le sue esperienze e le sue opinioni su argomenti a lei affini. Il tutto con la sua simpatia e disponibilità.

R.G.: Ciao Alteria e benvenuta su RockGarage!
A.: Ciao e grazie a voi!

R.G.: Raccontaci un po’ di te, del tuo percorso d’avvicinamento alla musica
A.: La mia passione è partita in maniera diciamo un po’ scontata, perché mio padre di lavoro fa lo speaker radiofonico, e sin da quando ero piccola, lui mi raccontava di sé, di quando a 18 anni aveva aperto una radio che all’epoca si chiamava Radio Reporter, una delle prime radio libere milanesi. Quindi in casa ci sono stati sempre questi argomenti come la musica, la radio e tutto ciò che ne riguarda. Poi quando avevo 14 anni ho iniziato un po’ per gioco  nelle prime band suonando all’oratorio o al liceo, finchè a 18 anni è arrivata la mia prima esperienza vera con una band milanese che esiste tuttora che sia chiama Chakrah; questa esperienza mi è servita molto dato che mi ha permesso di far tanta gavetta e di salire su molti palchi. Dopo i Chakrah sono arrivati i No More Speech, altro progetto per me importante che è durato circa cinque-sei anni, altra esperienza che mi ha formata molto. Finita questa esperienza ho deciso di fermarmi per alcuni mesi per capire cosa volevo fare, anche perché quando si scioglie una band, alla quale ci tieni molto, hai un po’ di giramento di coglioni, soprattutto perché investi tanto tempo e passione in una cosa che poi non è andata in porto. Quindi dopo questi mesi di valutazioni, ho deciso di lanciarmi in un progetto che mi vede come solista, e proprio perchè la band che ho alle mie spalle è fondamentale, lo spirito del gruppo lo vivo tantissimo, poi si c’è davanti il mio nome, ma il palco lo dividiamo assieme noi quattro.

R.G.: Ed il tuo nome Alteria come nasce?
A.: Alteria è un nomignolo che mi sono data sin dai tempi della prima band, quindi in adolescenza. Deriva da “alter ego”, e siccome lo volevo rendere un po’ più femminile, ho inventato per me “Alteria”, e da lì è rimasto. Devo dire che è un nome che rimanda un po’ ad uno scenario epic metal, genere nel quale io però non c’entro assolutamente niente, ma poi sai, grazie alla visibilità che ho avuto anche grazie a Rock Tv, togliermi questo nome non era così facile, quindi ho deciso di tenermelo!

R.G.: Da qualche mese è uscito il tuo disco “Encore”, ti va di parlarcene?
A.: Encore è arrivato facilmente, perché questi mesi di stop mi hanno permessa di ripartire proprio di slancio; le musiche sono state composte tutte da Nando De Luca che è il bassista del mio progetto e che, come me, arriva dall’esperienza con i No More Speech, come il mio batterista. Scrivendo le musiche lui è stato molto bravo a captare quello che stavo vivendo anche il mio stato d’animo, perché non è un disco così allegro diciamo, è un po’ cupo e molto eterogeneo ed ha molte sfumature. Io mi sono occupata di tutte le linee melodiche e di tutti i testi. Il disco l’abbiamo scritto abbastanza in fretta, ci abbiamo impiegato meno di un anno, e direi che siamo molto contenti nonostante come genere non sia catalogabile visto che non è un disco metal, non è un disco rock‘n’roll, non è un disco hard rock e non è un disco nu-metal, proprio questa eterogeneità è stata l’arma vincente, cosa che abbiamo riscontrato anche leggendo varie recensioni.

R.G.: È da poco iniziata la 2° parte del tuo tour, come sta andando e cosa ti aspetti?
A.: La seconda parte del tour è partita da circa tre settimane, quindi è un po’ presto per dirlo, però stasera qui al Legend Club per noi è una data importante visto che siamo proprio a Milano. Però devo dire sembra esserci molta risposta, anche nei social network dove abbiamo letto che c’è molta gente che ci vorrebbe anche al Sud, quindi speriamo che in agosto riusciamo anche a scendere giù in Meridione, visto anche che io sono di origini siciliane!

R.G.: Oltre ad essere una musicista, ti dividi tra i lavori di vj su Rock TV, speaker radiofonica e dj, ma dov’è che ti senti più a tuo agio?
A.: Io sono una cantante! Ma purtroppo questa è stata ed è tuttora la cosa più difficile da far arrivare. Ho iniziato a lavorare su Rock Tv perché Mario Riso all’epoca mi vide sul palco con i Chakrah, e mi chiese di venire su RockTv per fare qualche intervista perché, secondo lui, avevo lo spirito giusto. Questo fa capire che però io nasco cantante e di conseguenza sono diventata vj/dj, sono una cantante principalmente e quando la gente mi dice “Alteria quella di RockTv” la sfida per me più difficile ma anche più importante è nel dire “ma vieni ad un mio concerto, così spero di convincerti che sono una cantante!”.

R.G.: Nel corso degli anni hai avuto modo di conoscere artisti e di collaborarci, con chi sogni di collaborare in futuro?
A: Se parliamo di stranieri, io cito sempre i miei due idoli di sempre che sono Robert Plant e David Coverdale, un po’ vecchietti ma sono artisti che potrebbero salire su un palco e star tranquillamente zitti. Se invece dovessi nominarti artisti un po’ più moderni ti direi Deftones e Korn. Rimanendo in ambito italiano per me è difficilissimo perché non ascolto molta musica italiana, ma ultimamente mi sono artisticamente innamorata di un’unica band che sono Il Teatro Degli Orrori; di loro trovo che il cantante Pierpaolo Capovilla abbia un carisma pazzesco.

R.G.: Una donna nell’ambiente rock; trovi che, ancora oggi, ci sia un po’ di maschilismo nell’ambiente?
A.: Tenendo contro che per immaginario generale il rock è maschio, quando sale una donna su un palco, che sia cantante o strumentista, scatta sempre un po’ di scetticismo. Nel rock ci sono poche icone femminili e fanno fatica a combattere contro quelle maschili. Poi ci sono state molte rappresentanti che hanno aiutato un po’ le donne nel rock, come Cristina Scabbia, oppure Masha degli Exilia, piuttosto che tutta la scena epic metal del Nord Europa, e piano piano queste donne sono venute fuori con due palle virtuali così. Spero anche io di poter contribuire e sto lavorando ancora per poter arrivare a livelli come quelli citati prima.

R.G.: Cosa consiglieresti ad una ragazza giovane per farsi strada nel mondo della musica?
A.: Una cosa che dico sempre è di studiare tanto! Sembra una roba da vecchia bacchettona ma lo dico perché io in primis ne ho sofferto molto, parlando da cantante. Se studi molto, diventi poi anche un po’ inattaccabile nel momento in cui sei consapevole dell’uso del tuo strumento, nel mio caso le corde vocali, che sono uno strumento alla pari di tutti gli altri, anzi, sono più delicate e quindi vanno trattate meglio. Altro consiglio che spesso mi capita di dare è quello di non scimmiottare nessuna. Se posso però vorrei aprire una parentesi, sperando di non crearmi antipatie o inimicizie: una cosa che non mi piace di alcune donne sul palco è quello di dover per forza essere femminili all’ennesima potenza per essere apprezzate ancor di più dal pubblico maschile. È fuori dubbio che per noi donne essere belle e sensuali possa costituire un’arma vincente, però non è solo quello. Per esempio, Masha degli Exilia che non punta sulla sensualità, io la trovo fighissima e per me è una bomba!

R.G.: Da dj ed esperta delle scena milanese, cosa ne pensi di queste continue chiusure di storici locali?
A.: Una tragedia! Anche se non scopro l’acqua calda, penso che il problema di molto locali è che, quando vogliono proporre la serata “rock”, propongono la stessa cosa, ma non da tre anni ma dal ’97! E dico questa cosa chiamando in causa anche me stessa perché spesso dico, ad esempio “che palle sempre Rollin’ dei Limp Bizkit in ogni dj set” ma poi sono la prima a metterla, perché appena la metti tutti ballano, quindi è un cane che si morde la coda. Ci vorrebbe un black-out generale, e secondo me ci stiamo arrivando, per poi ripartire con uno spirito, non dico giovane, ma indubbiamente nuovo, che piano piano ritirerà su il rock.

R.G.: Grazie della tua disponibilità, vuoi fare un saluto ai lettori di RockGarage?
A.: Amici di RockGarage vi ringrazio! E come sempre io chiudo dicendo “long live rock‘n’roll!”, ciao da Alteria!

Intervista a Giovanni De Liso Part 2

Seconda parte della nostra intervista a Giovanni De Liso, autore del bel libro Genesis. Once Upon A Time – testi commentati (1969-1974), edito per la casa editrice Arcana, pronti a farci raccontare il seguito della tortuosa avventura di Rael, protagonista del disco The Lamb Lies Down On Broadway, pietra miliare della categoria concept album nonché, ovviamente, pietra miliare del prog rock anni ’70. Ecco qui quanto ci ha raccontato (la prima parte dell’intervista è disponibile a questa pagina).

R.G: Ciao Giovanni, grazie di nuovo per la tua disponibilità. Avevamo lasciato Rael in un mondo “alieno” alle prese con essere fantastici e particolarmente strani. Alla fine del primo disco Rael era bloccato in un salone con 32 porte dalle quali non riusciva ad uscire. Cosa succede ora?
G.D.L.: Ciao a tutti e bentrovati! Allora Rael riesce ad uscire da questo “strano” salone grazie a Lilywhite Lilith, che è il titolo del brano che apre il secondo disco. Tradizionalmente Lilith è una figura presente nelle antiche religioni mesopotamiche e nella prima religione ebraica. Per gli antichi ebrei Lilith era la prima moglie di Adamo (quindi precedente ad Eva), che fu ripudiata e cacciata via perché si rifiutò di obbedire al marito e per questo motivo ritenuta un demone che divorava neonati. Gabriel nel suo racconto la descrive invece come un’anziana donna cieca che riesce a condurre Rael fuori dal labirinto delle 32 porte semplicemente grazie alla brezza che lei solo riesce a percepire. Una volta fuori Rael si ritrova in un altro ambiente e Lilith lo fa sedere su di un trono di pietra chiedendogli di aspettare qualcosa o “qualcuno”. A questo punto parte lo strumentale The Waiting Room, appunto la sala di attesa.

R.G.: Cosa aspetta?
G.D.L.: Nientepocodimeno che la Morte! Trovandosi in una dimensione sovrannaturale si presenta questa figura della Morte. Dapprima citata nel brano Anyway si presenta nella successiva Here Comes The Supernatural Anaesthetist, dove viene definita come l’anestesista sovrannaturale, quale scherzosa descrizione. Ma non è ancora giunta la fine per il nostro Rael, quindi questi passa da un’esperienza vicino alla morte ad un’esperienza completamente diversa. Giunto in una piscina incontra le tre Lamia, figure mitologiche metà donna e metà serpente, che lo seducono. Il brano The Lamia è forse uno dei più belli di tutto il disco, sia a livello musicale che a livello di liriche. Il testo è molto poetico con parole particolarmente ricercate e descrive questo “incontro” con la particolarità che, a differenza del mito in cui le Lamia succhiavano il sangue dei loro occasionali amanti, le stesse, dopo il rapporto “orgiastico” avuto con Rael, muoiono tra le convulsioni con il protagonista che fa scempio dei loro cadaveri. Alla fine della storia l’ambiente si “resetta” creando un nuovo luogo. Qui entrano in scena i personaggi più importanti di tutto il disco, anche questi rappresentati in concerto da Gabriel con i suoi molteplici costumi, ossia la colonia degli Amorfi. I grotteschi personaggi in questione sono, se vogliamo, una sorta di omaggio al cinema di Alejandro Jodorowsky – sopratutto a El Topo.

R.G: Chi rappresentano gli Amorfi?
G.D.L.: Gli Slipperman sono niente più e niente meno che umani trasformati a seguito del rapporto con le Lamia. Infatti uno degli amorfi si avvicinerà a Rael e lo avviserà che presto o tardi anche lui sarà mutato in uno slipperman proprio perché ha avuto un rapporto sessuale con le Lamia. L’unico modo per evitare questa mutazione sarà la castrazione ad opera del dottor Dyper. Sconvolto per la notizia Rael si accorge che tra gli amorfi è presente anche il fratello John, anch’esso in procinto di mutarsi in amorfo. Entrambi partono alla ricerca del dottor Dyper per effettuare questa operazione, operazione che viene effettuata in maniera alquanto caricaturale. Una volta effettuata la castrazione, l’organo genitale viene messo in un tubo con un biglietto di avviso a rimaner lontano da eventuali pulsioni. All’lmprovviso un corvo si avventa dall’alto e ruba il tubo con il suo prezioso contenuto, per cui i due – Rael e John – si lanciano all’inseguimento del volatile il quale getterà il contenuto del tubo nelle rapide. Ora, qui succede qualcosa di particolare che offre la chiave di volta a tutta la storia: Rael viene abbandonato ancora una volta da John che ritiene il viaggio si stia facendo troppo pericoloso; resta di nuovo da solo, abbandonato nuovamente dalla sua famiglia in un momento topico dell’esistenza, ripiomba in un nuovo stato depressivo, quando all’improvviso  in The Light Dies Down On Broadway, brano fondamentale di tutto il disco, si apre una sorta di “finestra” in questa realtà parallela. Rael vede la reale Broadway con il suo traffico e i suoi abitanti. Una porta in grado di far ritornare il nostro protagonista alla sua realtà ma contemporaneamente, mentre questo accade, Rael vede il fratello che, dopo averlo abbandonato, è caduto accidentalmente nelle rapide e sta per annegare. Rael in pochi secondi deve decidere se tornare nel suo mondo abbandonando John al suo destino o tentare un estremo salvataggio. Tutto questo in pochi secondi in quanto il passaggio si restringe sempre più velocemente.

R.G.: Possiamo leggere in questa “scelta” un qualcosa di autobiografico?
G.D.L.: certo! Gabriel qui doveva scegliere se tornare a “Broadway”, ossia rimanere con i suoi compagni della band e proseguire una nota e sicura carriera musicale rimanendo però legato alle scelte degli altri musicisti o il salto nel buio di una carriera solista, forse con qualche successo ma sicuramente legata ai fasti precedenti. Ovviamente Rael/Gabriel sceglierà di salvare John (e quindi di gettarsi nel buio di una carriera solista) abbandonando ogni chance di tornare a “Broadway” (infatti il passaggio si chiuderà definitivamente) e si getterà nelle “rapide” (In The Rapids) salvando il fratello John. Rael trascinerà John in salvo sulle rive di queste rapide per accorgersi che John è lui stesso. Rael ha salvato se stesso. Qui entra il discorso della figura dell’alter-ego (Gabriel era un accanito lettore di Jung), del conscio e dell’inconscio. John rappresentava dunque l’inconscio di Rael.

R.G.: Fine della storia?
G.D.L.: No, non ancora. È presente un ultimo brano It, pregno di citazioni, giochi di parole in puro Genesis-style. It è qualcosa di etereo, è la dimensione finale in cui il personaggio Rael riesce ad arrivare avendo fatto un percorso di redenzione e di espiazione. Una sorta di Nirvana (o di più semplice Paradiso) che ingloba il personaggio rendendolo Reale (difatti Rael è l’anagramma di Real – reale). Così si chiude il disco e la storia.

R.G.: La scelta di Peter Gabriel (non più di Rael) di gettarsi in una nuova avventura sarà premiata o meno?
G.D.L.: Bella domanda! La scelta di Gabriel ha fatto sicuramente la fortuna dei suoi compagni (sopratutto di Phil Collins) che hanno inanellato una serie di successi invidiabili, soprattutto negli scintillanti anni ’80. Peter Gabriel ha dimostrato sicuramente nel corso della sua carriera che quando ha voluto, ha saputo anche sfornare successi pop praticamente eccellenti, ma quasi a sfregio come a dimostrare “visto? Lo so fare anche io ma non lo faccio” (basti pensare al famoso So).

R.G: Il primo singolo da solista per Gabriel fu Solsbury Hill che richiamava la sua precedente carriera.
G.D.L.: Fai bene a citarlo, infatti Solsbury Hill è legato molto anche a The Lamb Lies On Broadway il testo è autobiografico in cui Gabriel racconta della sua necessaria “fuga” dalla macchina che lo aveva inglobato e lo stava stritolando. Una fuga irrazionale in quanto il suo reale interesse forse era rimanere.

R.G.: Come un tuffo nelle rapide praticamente.
G.D.L.: Esatto!

R.G.: Un’ultimissima domanda. Consiglieresti “The Lamb Lies On Broadway” ad un neofita dei Genesis?
G.D.L.: No, dico la verità. È un disco troppo complesso e un neofita potrebbe correre il rischio di trovarlo noioso e di non apprezzarlo appieno. A mio avviso il disco ideale per avvicinarsi all’universo Genesis potrebbe essere Duke – stranamente un disco senza Gabriel – proprio per il suo essere un disco a metà strada tra il progressive dei primi anni ed il pop (che da lì a breve diventerà lo stile del gruppo) per poi passare a Selling England By The Pound, sicuramente più digeribile, e The Lamb Lies On Broadway lo terrei per ultimo proprio per la difficoltà di essere metabolizzato, anche se nel momento in cui viene “assorbito” non lo lasci più! Confesso che i miei dischi preferiti sono i due successivi all’uscita di Peter Gabriel (A Trick Of The Tail e Wind & Whutering), sottovalutati ma con tante perle.

R.G: Per sapere qualcosa dei testi del secondo periodo dei Genesis? Qualcosa in cantiere?
G.D.L.: Sì, la casa editrice Arcana a ottobre, oltre a ristampare il primo volume, pubblicherà la seconda parte dei testi commentati – quindi in piena era Collins – e molto sarà dedicato ai due dischi sopra citati.

R.G.: Grazie Giovanni per averci dedicato il tuo tempo e averci spiegato nei dettagli la misteriosa storia di “The Lamb Lies Down On Broadway” . Ricordiamo che se avete curiosità su questi testi e altri testi del primo periodo Genesis potrete consultare l’ottimo volume Genesis. Once upon a time. Testi commentati (1969-1974) edito dall’Arcana editrice (lo potete trovare cliccando qui).
G.D.L.: Grazie a voi ragazzi, a presto!

Intervista a Giovanni De Liso Part 1

Per intere generazioni il termine progressive era identificato immediatamente con i Genesis. Il gruppo di Peter Gabriel è stato – soprattutto in Italia – particolamente amato e studiato da intere generazioni di fan e la stessa figura austera ed enigmatica di Gabriel, il quale interpretava magistralmente i suoi personaggi, fu fonte di ammirazione da parte del pubblico italiano. Uno dei dischi più complessi della band è sicuramente The Lamb Lies Down On Broadway, pregno di simbolismi, giochi di parole, testi enigmatici, insomma sicuramente uno dei lavori simbolo di tutto il prog-rock dei ’70. Abbiamo fatto due chiacchiere sul disco con Giovanni De Liso, esperto dei Genesis ed autore del bel saggio Genesis – Once Upon a Time (1969-1974) Arcana Edizioni. Quale migliore occasione per avere una definitiva chiave di lettura su tutto l’album?

R.G.: Ciao Giovanni, allora parliamo di The Lamb Lies Down On Broadway forse il disco più complesso di tutta una carriera. A grandi linee sappiamo che è la storia di un alter-ego di Peter Gabriel. Ma di cosa tratta?
G.D.L.: Eh, bella domanda! Beh possiamo dire che sicuramente è un lavoro complesso, opera principalmente di Peter Gabriel per ciò che riguarda il soggetto ed i testi. Era una storia assolutamente nuova, tanto da imporsi sul vecchio progetto proposto da Mike Rutherford, una riduzione in musica de Il Piccolo Principe di Antoine de Saint-Exupéry.

R.G.: Perché nuova?
G.d.L: Perché per la prima volta il progressive parlava di argomenti reali. La storia è ambientata nella nostra società, almeno nelle prime fasi, con il protagonista che è un teppistello di origini portoricane, decisamente lontano dunque dai classici stilemi del rock progressive. Apparentemente perché poi la storia prenderà una direzione decisamente più sovrannaturale.

R.G.: La critica definisce The Lamb… come il primo disco in assoluto di Peter Gabriel, per la scelta di voler scrivere da solo i testi, senza alcuna collaborazione da parte dei restanti membri. Che ne pensi?
GdL: Oh sì, dal punto di vista lirico assolutamente sì! Basti pensare che il copyright sui testi è di assoluta proprietà del cantante e lo stesso inserì all’interno del vinile delle note – anch’esse di suo esclusivo pugno – che potevano essere considerate un aggiunta ai testi del disco. Va ricordato che alla vigilia della scrittura dei testi del disco Peter lasciò i Genesis. Fu convinto solo dal management – in particolare da Tony Smith – a rientrare nella band ma i rapporti erano incrinati. Basti pensare che dal vivo si poteva assistere a una completa divisione: sul palco Peter Gabriel – ora nei panni di Rael, ora nei panni degli altri personaggi, dietro il cantante un enorme tendone bianco illuminava con strategiche luci, i restanti membri del gruppo. Peter sentiva come castrante la presenza degli altri membri e avrebbe voluto spaziare in altri campi, ad esempio il cinema, mentre Banks, Collins e gli altri preferivano concentrarsi solo sulla musica dunque impedivano tali divagazioni. La separazione era netta e alla fine della tournée – o meglio durante la stessa – Gabriel lasciò il gruppo in maniera definitiva anche se leggendo “in filigrana” i testi del disco già potevamo notare che il cantante aveva già deciso che quello sarebbe stato l’ultimo album dei Genesis.

R.G.: Anche a livello musicale il lavoro è di Gabriel? O ci fu una divisione?
GdL: No, ci fu una ripartizione. Il gruppo in una stanza componeva e incideva la musica mentre il cantante – rigorosamente da solo – in un’altra stanza scriveva ed elaborava i testi. In realtà a causa della nota lentezza compositiva di Gabriel ci fu anche un notevole supporto da parte di Banks e Rutherford che all’epoca erano gli unici che scrivevano per i Genesis. Il risultato è abbastanza evidente: tutta l’opera è scritta in prima persona mentre il brano The Light Dies Down On Broadway, che poi è il punto di snodo di tutto il racconto, è scritto in terza persona.

R.G.: Ok, parliamo della storia allora. Chi è Rael?
GdL: L’opera si apre su Manhattan, l’alba di una giornata qualunque. Appare il nostro protagonista Rael, descritto come “Il Principe Imperiale dell’Aerosol”. Protagonista che si presenta uscendo dalla metropolitana della fermata di Broadway brandendo una bomboletta di vernice spray, pronto ad imbrattare le mura e le pareti circostanti con il suo nome (ossia l’anagramma di Real, “Reale”). È l’alba che nasce in una città molto frivola e spensierata. Ricca, con i suoi cinema e i suoi teatri, tutto ciò in contrasto con la figura di Rael, povero teppista di origine portoricana che ha come unico scopo nella vita il fare danni e creare risse. Sembra quindi un racconto metropolitano ben distante da quanto sta per accadere. All’improvviso su Time Square appare una enorme nuvola che sembra fagocitare tutto quello che trova sul suo percorso (Fly On A Windshield). Rael vede i passanti muoversi tranquillamente, non accorgendosi della presenza di tale nuvola, mentre lui è il solo a vederla e cerca di scappare per non essere fagocitato. Ma è impossibile e viene inglobato entrando improvvisamente in un’altra dimensione, ma prima di farlo Rael rivive per un istante tutta la sua vita. Qui siamo al terzo brano Broadway Melody Of 1974, che è una carrellata di personaggi celebri americani: Groucho Marx, Marshall McLuan, Lenny Bruce e tanti altri. Ad un tratto la musica si arresta e entriamo in un’altra dimensione (Cuckoo Cucoon). Rael si sveglia in una grotta avvolto in un bozzolo dal quale esce. Questo è un brano in cui le influenze con un certo tipo di cinema si fanno maggiormente sentire. Pensiamo a Jodorowsky. Il regista cileno autore del seminale El Topo era particolarmente amato da Gabriel e lo stesso cantante pensava di affidare a questi una riduzione cinematografica della storia. Peccato che non se ne fece niente!

R.G.: Ci stiamo appassionando! Vai avanti!
GdL: Rael si trova in una caverna (In The Cage) dove si accorge che non è solo. Incontra il fratello John, personaggio chiave della storia. Qui si possono dare due chiavi di lettura al testo, o meglio si può parlare di due metatesti: uno letterale, ossia Rael è in un mondo a lui sconosciuto ed uno più prettamente religioso. Cosa che si evince già dal titolo del disco “The Lamb…” ossia l’agnello, simbolo cristiano per eccellenza. In realtà si può dare anche un altro significato più psicologico al tutto con l’idea dell’abbandono del gruppo da parte di Gabriel. Ecco queste sono le tre chiavi di lettura di tutto il disco. La gabbia (The Cage) è il luogo che per Peter lo nasconde al mondo e gli impedisce di esprimersi liberamente (ossia il gruppo madre) tanto che ad un tratto urla, per bocca del suo alter ego, “…Fatemi Uscire da Questa Gabbia”. Ovviamente non possiamo che pensare alla “platoniana” caverna ma Gabriel, all’epoca dell’incisione del disco, era particolamente affascinato dagli scritti di Carl Jung e lo stesso psichiatra svizzero in molte sue opere citava il mito della Caverna di Platone. Tornando alla storia, Rael esce in qualche modo da questa caverna per arrivare a quella che viene definita La Grande Parata Dell’Imballaggio Inanimato (The Grand Parade Of Lifeless Packaging), un luogo nel quale Rael vede “impacchettate” le anime umane che dopo la morte sono destinate alla reincarnazione per tornare pulite e nettate sulla terra. Back in N.Y.C e Hairless Heart sono una sorta di flashback del protagonista. Il primo è un brano molto interessante da un punto di vista delle liriche. Qui Rael ripercorre la sua infanzia ed adolescenza vissuta da teppista per le strade della Città.

R.G.: Interessante!
GdL: La successiva, strumentale Hairless Heart, rappresenta una sorta di prima redenzione del protagonista. Nella chiusura del precedente brano Rael si chiedeva se non era il caso di “rasare il suo cuore peloso”, quindi abbandonare il cinismo che lo caratterizzava e provare dei sentimenti. È quindi un inizio alla redenzione che verrà via via a manifestarsi durante il racconto. Counting Out Time è un brano più allegro che spezza quel clima ossessivo e cupo che si era creato e si parla della prima esperienza sessuale del protagonista. Segue The Carpet Crawlers e prosegue il viaggio ultraterreno del novello Dante all’interno di questo folle mondo. Qui Rael conosce le “creature striscianti”, esseri amorfi che vanno avanti e indietro sul pavimento tentando di aprire una porta che si apre su una scala a chiocciola che dovrebbe condurre verso la salvezza. Questi esseri ripetono incessantemente la frase “Dobbiamo entrare per poter uscire”, ossia entrare in quella porta per uscire da questo ambiente. In realtà non ci riescono tranne Rael che è l’unico che può abbandonare il tetro ambiente e può ascendere verso la scala a chiocciola che lo introdurrà nella Sala delle 32 Porte (The Chamber Of 32 Doors), brano che chiude il primo disco di The Lamb Lies Down On Broadway. Rael si trova in un ambiente degno della migliore Alice nel paese delle meraviglie: una enorme sala circondato da 32 porte ed ognuna di esse, nel momento in cui il Nostro vi accede, lo riporta al punto di partenza. Il brano nello sviluppo narrativo è fondamentale in quanto il protagonista re-incontra il fratello ed i genitori che però non gli danno le indicazioni necessarie per uscire da tale ambiente, a conferma del fatto che l’infanzia del personaggio non è stata semplice o facile. Per questo identifica i suoi familiari come persone inclini al tradimento. Il primo disco quindi si chiude con questa invocazione disperata, cantata a cappella da Peter Gabriel “Qualcuno mi aiuti ad uscire da questo luogo”.

R.G.: Beh, una storia davvero complicata fino ad ora! Forse è il caso di interrompere qui la prima parte della storia. Ringraziamo Giovanni per la sua disponibilità e ci vediamo prossimamente per sapere come finisce l’avventura di Rael.
GdL: Sì, la storia adesso inizia a diventare ancora più complessa con nuovi personaggi pronti ad entrare in scena. Alla prossima allora!

Intervista ai Klogr

È sempre bello poter interagire con gruppi musicali che hanno raggiunto traguardi importanti solo ed esclusivamente grazie al grandissimo impegno ed al proprio talento. Lo scambio di idee non si limita più ad uno sterile “domanda-risposta”, ma diventa qualcosa di più profondo e coinvolgente. È come se per un limitato periodo di tempo ci si riesca ad immergere nell’essenza stessa di un artista, portando quella che era partita come un’ “ordinaria” intervista ad un livello superiore ed estremamente appagante. Tutto ciò è stato vissuto in prima persona da noi di RockGarage sul sedile posteriore del tour bus degli emergenti ed apprezzati Klogr. L’alternative metal band modenese sta macinando traguardi importanti a ritmo serrato, dopo un acclamato tour europeo assieme ai potentissimi Prong, i ragazzi sono stati in grado di concludere un importante accordo di distribuzione negli USA con la blasonata etichetta The End Records per quanto riguarda la loro ultima fatica discografica denominata Black Snow. Cotanta determinazione non è sfuggita ai nostri precisissimi radar ed in brevissimo tempo li abbiamo raggiunti per farci raccontare gli ultimi sviluppi. Quello che ne è venuto fuori rappresenta un fedele estratto del loro modo di intendere la musica e tutto ciò che vi ruota attorno.

R.G.: Ciao ragazzi! Parliamo un attimo del nuovo album “Black Snow”.
K.: Dunque, abbiamo iniziato a scrivere Black Snow a giugno dopo aver ricevuto conferma del tour europeo assieme ai Prong, quindi possiamo dire che il tutto è stato creato in un tempo relativamente breve. Le registrazioni sono avvenute presso gli Zeta Factory Studios di Carpi con la formazione attuale, basso e batterie sono state registrate invece al Green River Studios di Varese. Tutto è stato fatto in maniera molto veloce, non avevamo molto tempo per via del tour già fissato a marzo dell’anno scorso, la pressione era davvero notevole ma grazie a Dio molti pezzi erano già praticamente pronti quindi non abbiamo avuto particolari problemi, la lavorazione è durata all’incirca tre mesi.

R.G.: Sappiamo che questo progetto rappresenta un concept album, qual è il messaggio che volete trasmettere?
K.: Con l’album Till You Turn avevamo creato già una sorta di concept che andava a descrivere quanto la società va a controllare l’individuo per poterne gestire al meglio l’espressione e le finanze, il nostro intento era quello di svegliare le coscienze e far capire che un cambiamento è possibile se si possiede la consapevolezza e la volontà per farlo. Con Black Snow ci siamo focalizzati sul tema ambientale ovvero su quanto l’uomo nel nome del profitto stia spremendo la terra senza pensare troppo ad un futuro catastrofico abbastanza prossimo.

R.G.: Cosa significa il vostro nome? Da dove deriva?
K.: Klogr è una formula matematica, sarebbe K logaritmo R, è un algoritmo che tenta di descrivere gli stimoli e le sensazioni umane. Questo ci può portare a pensare che l’uomo non sia totalmente libero ma condizionato dall’ambiente che lo circonda. Questa sigla ci è subito piaciuta e dopo averla modificata a dovere abbiamo deciso di farla nostra.

R.G.: Parlateci del vostro legame con l’associazione Sea Shepard.
K.: Tutto è nato una decina di anni fa quando io (Gabriele “Rusty” Rustichelli, cantante ndr) sono diventato guida subacquea, mi ritengo da sempre molto legato all’ambiente marino dove noi rimaniamo sempre e comunque degli ospiti. Tre anni fa i ragazzi di Sea Shepherd ci hanno invitato ad una loro serata, abbiamo partecipato con entusiasmo conoscendo successivamente in modo più approfondito tutto lo staff, da qui è nato un rapporto epistolare con alcuni componenti che ci ha portato, in maniera naturale, ad abbracciare in toto la loro importantissima causa e ad aiutarli dove possibile a portare avanti il loro messaggio. Abbiamo così deciso che il ricavato derivante dai primi 500 download su iTunes del nostro nuovo singolo Zero Tolerance verrà totalmente devoluto all’associazione Sea Shepard, ci sembra giusto dare un contributo concreto a questi coraggiosi ragazzi.

R.G.: All’interno del disco sono presenti collaborazioni con altri artisti?
K.: Sì, la collaborazione più forte è stata senza dubbio la produzione vocale avvenuta assieme ad Olly Riva, lo conosciamo da tempo ed abbiamo già collaborato assieme in passato. L’interazione umana ed artistica è molto forte tra di noi, ci troviamo benissimo e speriamo di registrare ancora molti album assieme. Abbiamo ricevuto un enorme aiuto anche da Ralph Salati dei Destrage che ha suonato il basso in alcune circostanze  nonostante lui sia un eccellente chitarrista e da moltissime altre persone che hanno fatto sì che questo progetto finisse nel migliore dei modi.

R.G.: Avete in programma di suonare in qualche festival quest’estate?
K.: Siamo appena rientrati dalle 23 date del tour europeo assieme ai Prong, faremo tre o quattro concerti in Italia non molto grossi perché lavoriamo già all’editing del dvd live girato durante le date passate, stiamo anche mettendo a punto qualcosa in acustico. In autunno poi vorremmo fare delle date negli Stati Uniti ma dobbiamo valutare ancora molte cose.

R.G.: Come pensate siano recepite le tematiche a voi care in Italia? Credete vi sia una coscienza sufficiente?
K.: Noi da sempre utilizziamo la musica come strumento per attirare l’attenzione su tematiche che ci riguardano tutti, ci facciamo portavoce di un messaggio. l’Italia in questo momento è attraversata da una crisi economica e sociale senza precedenti che convoglia tutte le energie dei propri abitanti verso situazioni a volte di mera sopravvivenza che portano, purtroppo, queste tematiche in secondo piano. Cerchiamo comunque sempre di far aprire gli occhi a quante più persone possibile ma ci rendiamo conto che attualmente la situazione non è delle più fertili.

R.G.: Raccontateci qualcosa di divertente che vi è accaduto ultimamente.
K.: Essendo freschi di tour europeo con i Prong abbiamo vissuto situazioni davvero pazzesche. Siamo partiti con questa avventura timorosi essendo una band giovane e suonando con dei veterani della scena avevamo mille dubbi, dopo il secondo giorno tutti hanno perso qualsiasi tipo di inibizione; durante l’ultima data abbiamo dato fondo alla nostra creatività su invito degli stessi roadies. Sono partiti degli scherzi epici come ad esempio borotalco sulle pelli del batterista dei Prong, scalette dei pezzi sbagliate o flaconi di idratante per la gola del cantante incollate direttamente sugli amplificatori, ne abbiamo fatte e viste veramente di tutti i colori! (ride ndr.) È comunque sempre rimasto un senso di  reciproco rispetto e fratellanza davvero unico.

R.G.: Grazie mille ragazzi! In bocca al lupo per il futuro e a prestissimo!
K.: Grazie a voi di RockGarage, un grosso saluto a tutti i lettori.

Intervista a Pino Scotto

Alcune persone nel proprio ambito lavorativo non hanno bisogno di presentazioni. Grazie a ciò che hanno fatto ed in molti casi, continuano a fare, basta pronunciarne il nome per far intuire alla maggior parte delle persone l’intero contesto a cui si andrà ad attingere. Questa è esattamente la situazione che si va a richiamare quando si parla di un mostro sacro della scena heavy metal nostrana come Pino Scotto. Impossibile non riconoscerne i meriti sia come componente di spicco dei mitici Vanadium, una delle prime band capaci di introdurre il metallo pesante nella penisola ed in grado di vendere più di due milioni di dischi, sia come cantante solista ed alfiere della cultura rock a tutto tondo. Grazie alla buona volontà e ad un ottimo tempismo, RockGarage ha avuto modo di incontrare il rocker campano che, con la consueta energia e l’immancabile entusiasmo ci ha raccontato tutto sulla miriade di nuovi progetti che ha in serbo e sul nuovo disco fresco di stampa intitolato Vuoti Di Memoria. Pino è stato come sempre un fiume in piena, ciò che ci ha raccontato delinea un quadro sul suo stile di vita inedito ed assolutamente da non perdere, vediamo insieme cosa ci siamo detti.

R.G.: Parlaci del nuovo album “Vuoti Di Memoria”.
P.S.: Di solito faccio un disco ogni due anni e poi lascio parecchio spazio al tour live in giro per l’Italia. Durante la serie di date del penultimo album Codici Kappa avevo un paio di canzoni inedite ed ero pervaso dallo sconforto, al giorno d’oggi ci sono grandi musicisti dotati tecnicamente ma manca quel guizzo creativo, quella vena che c’era un tempo e che adesso si è persa, così una sera mentre mi trovavo a Roma mi sono imbattuto su di un servizio riguardante il fascismo alla televisione. Una delle canzoni della colonna sonora era È Arrivata La Bufera di Renato Rascel un brano che voleva sdrammatizzare l’entrata in guerra dell’Europa; ho trovato la canzone talmente attuale e dinamica che ho deciso di imbastirci attorno il nuovo progetto. Ho creato un disco composto da cinque cover di grandi artisti italiani del passato con una traccia inedita in italiano e cinque cover di pezzi in inglese con un inedito in lingua straniera. La seconda parte di questo lavoro richiama più il percorso della mia crescita musicale partendo da Elvis che ha svegliato la mia coscienza all’età di sedici anni passando man mano tra i grandi del rock fino ad arrivare ai mitici Motörhead. Da qualche anno oramai mi affido per la produzione al grandissimo Olly Riva che considero un autentico genio, sia come produttore che come cantante e musicista, lo reputo una persona molto speciale. Le registrazioni sono state interamente eseguite presso i Rocker Studios di Sesto S.Giovanni.

R.G.: Cosa ci puoi dire riguardo gli altri progetti che stai portando avanti?
P.S.: Porto avanti diversi progetti paralleli, da poco mi hanno proposto di fare alcune date con una band sarda chiamata Tamurita, una formazione abbastanza etnica che propone strumenti come violino e fiati. Questa cosa mi intriga molto, adoro queste contaminazioni musicali, bisogna sempre cercare di sperimentare ed ampliare i propri orizzonti, sono curioso di natura.

R.G.: Negli anni hai collaborato con numerosi artisti, chi ti ha impressionato di più in senso positivo e chi invece ti ha deluso?
P.S.: Michele Caparezza mi ha regalato veramente tanto sia dal punto di vista umano che da quello artistico. È una persona stupenda e geniale non si è mai tirato indietro sopratutto quando c’erano in ballo progetti per fare del bene in giro per il mondo, davvero un artista immenso. Sono rimasto colpito anche da artisti come Kee Marcello degli Europe, Mike Terrana o Blaze Bayley degli Iron Maiden, vecchietti che hanno ancora un fascino immenso, puoi vedere ancora, dopo tanti anni di carriera, i loro occhi brillare al momento di salire sul palco. Se parliamo invece di chi mi ha deluso non c’è una band o un artista in particolare, ci sono tanti progetti che lo hanno fatto. Quando ho registrato la canzone Gli Arbitri Ti Picchiano con i Club Dogo il nostro intento era di ricavare soldi tramite la piattaforma di distribuzione musicale da destinare ai bambini meno fortunati, non siamo riusciti a racimolare più di trecento euro, una vera delusione sopratutto quando poi vedi che nei talent show migliaia di persone pagano per votare dei fantocci.

R.G.: Parlaci del progetto umanitario che stai portando avanti denominato Rainbow.
P.S.: Sì, Rainbow è un progetto che porto avanti da qualche anno insieme con la dottoressa Caterina Vetro, stiamo raccogliendo fondi per poter costruire una clinica destinata ai bambini-lavoratori della discarica di Coban in Guatemala. Tutto ciò che riusciamo a racimolare sarà destinato a questo importantissimo progetto, invito tutti i lettori di RockGarage ad informarsi sul sito www.rainbowprojects.it e se possibile a fare una piccola donazione a chi è meno fortunato di noi.

R.G.: Spesso nelle tue canzoni o anche nel corso del tuo spazio televisivo Database ti rivolgi verso “Jack”, chi è costui? Cosa rappresenta per te questa figura a cui ti appelli?
P.S.: Sapete da dove nasce? Nasce dal fatto che io bevo solo Jack Daniel’s, non consumo altro ( ride ndr.) la prima volta che hanno inserito le telefonate a Rock Tv mi è venuto spontaneo chiamare colui che lanciava le domande con un sonoro “Jack!” Da lì è partito tutto, è una bevanda ma io la vedo anche in senso più ampio, è lo spirito stesso del rock’n'roll, il modo di viverlo e respirarlo.

R.G.: Dalle barricate di Database non ti fai problemi a denunciare il malcostume globale che oramai impera nel nostro Paese, cosa pensi invece sia da salvare? Per cosa vale la pena ancora lottare?
P.S.: Penso che il marcio sia così tanto che oramai è rimasto ben poco da salvare, non si può fare più nulla a questo punto. Una cosa che si può e si deve fare è scegliere il male più piccolo, combattendo così il lato più oscuro della nostra società. Il problema non è la politica o l’industria discografica, siamo noi esseri umani che il più delle volte ci comportiamo in modo abominevole e allora dobbiamo allenarci a trovare il poco di buono rimasto e lottare con tutte le nostre forze per esso.

R.G.: Quest’estate ci saranno grandissimi concerti, quello che secondo te non si può perdere?
P.S.: Sicuramente quello dei Motörhead il 24 Giugno all’ippodromo qui a Milano, anche perché ci saremo anche noi! (ride di gusto ndr.) sono comunque tanti i grossi eventi da non perdere come ad esempio gli ZZ Top con John Fogarty con cui abbiamo suonato a Roma due anni fa, gli Stones che per chi non li ha già visti rimangono un must oppure gli Aerosmith, insomma tantissima carne al fuoco che i giovani non possono farsi sfuggire.

R.G.: Che consiglio daresti d una giovane band che cerca di farsi strada nel difficile mondo della musica?
P.S.: Dipende dalla personalità che uno possiede, se sei un paraculo allora devi farti strada attraverso i talent show, ma la tua fortuna sarà breve e falsa. Se invece senti veramente la musica come me che a 65 anni ogni volta che salgo sul palco mi emoziono e considero questo mestiere un sogno ancora adesso, allora devi impegnare la tua stessa anima. Bisogna crederci veramente, solo così dopo tanti sforzi si viene ripagati, chi desidera subito il successo ed i guadagni facili è meglio che abbandoni fin da subito. Si deve trovare un lavoro che dia il sostentamento e poi suonare quello che piace con tutto se stessi, ecco il consiglio che mi sento di dare.

R.G.: Grazie Pino, in bocca la lupo per i tuoi progetti, ci rivediamo presto!
P.S.: Grazie a voi ragazzi, un abbraccio a tutti i lettori di RockGarage.

Intervista ai Crowbar

A qualche ora prima del loro concerto al Backstage Halle di Monaco di Baviera, seconda data del tour che li ha riportati nel nostro continente, noi siamo stati dietro le quinte per incontrare Matthew Brunson, chitarrista al servizio della band dal 2009 per bere insieme un paio di birre e scambiare due chiacchiere sul presente e futuro di una band da poco ritrovatasi, scopertasi in piene forze e con il solo intento di mostrare alla scena metal la loro forza che in molti hanno sottovalutato negli ultimi anni trascorsi. Ecco a voi il resoconto della nostra chiacchierata pomeridiana.

R.G.: Innanzitutto bentornati in Europa come procede il tour?
M.: Grazie, per noi è sempre un piacere tornare a suonare in Europa. Il tour è appena iniziato la scorsa sera da Berlino ma abbiamo ottenuto un buon riscontro da parte del pubblico. Ogni volta che veniamo a suonare qui in Europa molti nostri fan vengono a vederci e ci divertiamo molto, tutte le sere.

R.G.: Come ti senti ad essere ritornato “on the road” di nuovo con i Crowbar, Matt? Dopo la dipartita di Kirk dai Down, credo che ti dovrai abituare a questa sensazione.
M.: Ora che Kirk ha deciso di concentrarsi principalmente sul progetto Crowbar, abbiamo un nuovo disco in uscita a breve e ora siamo qui in tour. Da ottobre, mese in cui Kirk ha lasciato i Down, non abbiamo perso neanche un attimo di tempo, abbiamo realizzato quattro concerti in Luisiana perché avevamo bisogno di sentirci ancora vivi come band e, essendo molto conosciuti nel nostro Stato, eravamo sicuri che quel pubblico ci avrebbe dato la giusta carica di energia per riprendere a lavorare insieme al meglio. Così ci siamo subito fiondati sulla scrittura del nuovo disco e nel mese di dicembre siamo entrati in studio per registrarlo.

R.G.: Dato che hai citato il vostro nuovo album, parliamo un po’ di “Symmetry In Black”, che vedrà luce a fine maggio. Innanzitutto, come mai avete preso la decisione di partire in tour per l’Europa in questo periodo e non di aspettare l’uscita del disco?
M.: Sai, volevamo semplicemente tornare e far capire alla scena che siamo tornati, anche se il nuovo album ancora non è uscito e dovevamo rinfrescare le menti dei metalheads e solo con un tour avremmo potuto fare una cosa del genere. Qualora qualcuno ci avesse detto di stare a casa seduti ad attendere la data di uscita del disco per poi tornare a fare concerti, credo che saremmo diventati pazzi.

R.G.: Ma invece, cosa dovremmo aspettarci dal vostro disco di prossima pubblicazione?
M.: La cosa principale è che dovreste aspettarvi un qualcosa di piacevole, un disco che ovviamente suonerà tipicamente Crowbar ma ovviamente si tratterà di un prodotto che suonerà come “Crowbar ma venticinque anni dopo”, vorrei dire che suoni moderno, abbiamo toccato dei lidi musicali che non avevamo mai toccato in passato ma è semplicemente un naturale processo di evoluzione come lo è già stato con il precedente Sever The Wicked Hand e lo sarà anche per il presente Symmetry In Black, perché il processo di realizzazione è stato simile.

R.G.: E in questo album ritroveremo una band maggiormente influenzata dal tuo stile di composizione?
M.: Credo che questo sia semplicemente una concezione sbagliata che la scena ha dei Crowbar, ovvero che Kirk faccia una specie di dittatura sul processo di composizione e ciò non è assolutamente vero. Nei mesi scorsi lui è venuto spesso da me oppure mi ha chiamato per chiedermi: “Hey Matt ho bisogno che tu mi scriva una parte per questo brano”, d’altronde abitiamo a due passi l’uno dall’altro e quindi abbiamo lavorato molto a stretto contatto. Ci sono molte parti in questo album che sono state realizzate da me, come anche molte parti le ha scritte Kirk, è quasi una percentuale del cinquanta e cinquanta si può dire, la maggior parte dei brani che formano l’album sono stati realizzati in parte da me in parte da Kirk e la restante parte sono state ideate principalmente da me a cui Kirk ha aggiunto cose sue o anche viceversa. Insomma il lavoro è stato frutto di una vera stretta collaborazione tra noi due.

R.G.: Come da te detto in precedenza, quest’anno i Crowbar hanno raggiunto il venticinquesimo anno di attività, lo chiedo a te che sei entrato in formazione da pochi anni, come è sentirsi parte di una band così importante e che ha influenzato così tanto la scena musicale estrema nel corso degli anni, che ha inventato lo sludge che al momento sta vivendo un periodo florido?
M.: Ma diciamo che essendo cresciuto nella città dei Crowbar, ascoltando i loro primi album per poi conoscere Kirk di persona e diventare buoni amici per poi iniziare a suonare con lui, il tutto è nato come un processo naturale anche se all’inizio poteva essere semplicemente una cosa di transizione. Ora invece è bellissimo poter dire di far parte dell’eredità dei Crowbar, essere nella band in pianta stabile, è un onore per me esserne parte e suonare dal vivo le stesse canzoni che ascoltavo quando ero più giovane.

R.G.: Avete in mente qualcosa di speciale da realizzare per questo traguardo di venticinque anni di attività?
M.: Per il momento stiamo raccogliendo un po’ di idee a riguardo, per il momento di sicuro torneremo in Europa tra giugno e agosto per partecipare a qualche festival, proveremo a trovare qualche idea a riguardo, magari un DVD o non so. Ma sinceramente ti dico che seppur non si tratti di nulla di realmente speciale per un anniversario così importante , credo che la cosa migliore per festeggiare questo traguardo sia proprio il nostro ritorno con l’uscita del nostro nuovo album, era un qualcosa di molto atteso da tutti i nostri fan, evento che ovviamente sarà seguito dal suonare ovunque potremo, questo potrebbe essere un buon festeggiamento, non credi?

R.G.: Cosa ne pensi del periodo florido che questo genere sta vivendo? Ma soprattutto, lo sludge non è un genere facile, ogni band, sperimentando, sembra che riesca a trovare la sua concezione a sé di questo genere musicale, cosa può essere definito sludge?
M.: Credo che la situazione della scena sludge sia molto interessante, ci sono molte band interessanti in giro. Per quanto riguarda la “chiave” per definire questo genere e che comunque manchi a molte delle nuove band sia la dinamicità nei brani, volendo però seguire la scia delle grandi band del genere, come per esempio i Crowbar. Per intenderci, manca la dinamicità che noi diamo ai nostri brani, non tutti i brani sono formati da un paio di accordi ma abbiamo parti accelerate e altre ben più lente nei brani, credo che sia questo ciò che possa rendere interessante questo genere musicale, noi tutti suoniamo sempre con parti decelerate dai toni più cupi e altre più veloci ma credo che sia altro che riesce a renderci differenti dal resto della scena.

R.G.: Be’ sì, hai ragione. Cosa volete intendere con “Symmetry in Black”, cosa dovrebbe rappresentare una “simmetria in nero”?
M.: (ride) Non sono io a scrivere i testi dei nostri brani quindi non so nello specifico di cosa si tratti ma posso dirti che nell’album è contenuto un brano intitolato Symmetry In White, Kirk mi ha parlato delle idee riguardo a questo album e parlando ha detto: “sai, i Metallica hanno fatto il Black Album, gli AC/DC Back In Black…”. Quindi diciamo che questa si tratta della sua interpretazione del “black”, sicuramente ci sarà dell’altro comprendendo i testi dei brani ma non avendoli scritti io, scusa ma non vi riesco a dire di più a riguardo.

(Qualche minuto dopo riusciamo ad incontrare Kirk Windstein che ci concede solo pochi istanti per una domanda al volo perché troppo indaffarato)

R.G.: Kirk, cosa ci puoi dire riguardo all’altro tuo progetto, i Kingdom Of Sorrow, avete intenzione di realizzare un altro album in futuro oppure si tratta di un progetto morto?
K.: Sì, l’idea sarebbe proprio quella di realizzare un terzo disco con i Kingdom Of Sorrow in futuro, sono sempre in contatto con Jamey (Jasta, voce del progetto, ndr), ci sentiamo quasi tutti i giorni, ma al momento lui è troppo impegnato con gli Hatebreed come io lo sono con i miei Crowbar, quindi non credo che sarà possibile farlo quest’anno ma probabilmente il prossimo, è tutto ancora da vedere.