Intervista ai Motelnoire

Abbiamo incontrato Nick Castaldi, chitarrista della band milanese Motelnoire, che hanno da poco pubblicato il nuovo abum On Tv (recensito da noi a questa pagina). Vediamo cosa ci hanno raccontato.

R.G.: Ciao Nick e benvenuto su RockGarage. Parlaci del vostro nuovo album, della sua composizione, delle fonti di ispirazione, della fase di registrazione.

N.C.: On Tv è un album scritto in poco tempo, molto istintivo e poco ragionato. I temi principali sono quelli legati alla società : il lavoro, il disagio, il potere, il terrorismo e tutto quello che si sente e che ci circonda. Non è propriamente un album di protesta ma è un disco che non vuole schierarsi ed adattarsi alle solite cose pop ed ai soliti argomenti d’amore. Non che non mi piaccia l’amore, io amo parlare di sentimenti però abbiamo preferito concentrarci su quello che sono il quotidiano e le grandi difficoltà della vita. E’ stato realizzato in maniera molto tradizionale, per quanto riguarda la realizzazione e l’arrangiamento. Metà del lavoro è stato registrato a Londra dal mio carissimo amico e collaboratore Matteo Cifelli, fonico di Tom Jones, de Il Divo e di Bryan Adams, solo per citarne alcuni. Pochi anni fa, lavorando ad un disco negli Stati Uniti, ho avuto la fortuna di conoscere Gary Wallis (batterista e percussionista dei Pink Floyd durante i tour Delicate Sound Of Thunder e Pulse, nda) e Nathan East (bassista turnista collaboratore di molti artisti tra i quali Eric Clapton, nda) con i quali ho registrato le ritmiche in presa diretta a Londra. Tutto il resto è stato realizzato dal resto della band con la collaborazione di Danilo Di Lorenzo, arrangiatore e responsabile del mix dell’album. Penso che la musica sia un modo per aggregare, che non ha frontiere e non ha lingua. Quando si fa musica si fa musica e mi sembrava bello tirare fuori vari punti di vista durante la lavorazione. On Tv è stato molto istintivo e veloce. L’unico pensiero che avevamo è stato quello di fare delle buone canzoni.

R.G.: Si nota subito che i temi affrontati nelle vostre liriche sono di protesta e di descrizione della società attuale. Quello che vi caratterizza però è il linguaggio molto chiaro e diretto, a differenza di alcune correnti del rock italiano, soprattutto quelle politicamente schierate, che si perdono in sofismi e linguaggio “difficile”.

N.C.: Innanzitutto io odio appartenere ad una determinata cerchia e non mi piace schierarmi. Anche da bambino mi piaceva avere più amici piuttosto che un amico o un’amica singola. Mi piace confrontarmi con più persone e quando penso alla politica ascolto tutti ma non appartengo a nessuno. Amo il concetto di anarchia, se costruttivo. Esiste una minoranza di persone che migliora la vita di tutti senza avere dei preconcetti. Noi come Motelnoire cerchiamo sempre durante le nostre serate di confrontarci su tutti i temi e le notizie che ci capita di sentire. Così nascono le tematiche che affrontiamo. Non apparteniamo a nessun tipo di corrente. Mi piace essere diretto, soprattutto nelle canzoni, perché voglio che il messaggio arrivi a più persone possibili e per questo voglio essere molto chiaro. Se vuoi possiamo dire che sono molto scarno e magari anche un po’ ignorantotto ma preferisco che se dico “vaffanculo” uno capisca vaffanculo e nient’altro. E’ inutile fare giri intorno ad un tema, lasciamoli fare a chi sa fare queste cose. Preferisco utilizzare un linguaggio semplice per fare capire cosa voglio dire e non rivolgermi soltanto ad alcuni. La torvo una forma di rispetto.

R.G.: Come è nata la collaborazione con Vince Tempera (storico arrangiatore italiano, nda) per la canzone Per Sempre?

N.C.: Quando ero un bambino sono rimasto fulminato dalle sigle dei cartoni animati e così Vince è diventato il mio eroe. Appena partiva una sigla iniziava un viaggio particolare ed ho sempre sognato di conoscere le persone che le cantavano o le scrivevano. Ho conosciuto Vince per caso in studio di registrazione a Milano. Mentre stavamo registrando le voci per l’album, ci ha sentiti ed è entrato in studio chiedendo chi eravamo e cosa stavamo facendo. Gli ho fatto ascoltare un brano strumentale, composto guardando alla mia grande passione per le colonne sonore cinematografiche. Adorando Ennio Morricone, ho chiesto a Vince se fosse possibile aggiungere una parte orchestrale a ciò che aveva ascoltato. Si è messo al lavoro sugli arrangiamenti ed abbiamo realizzato con un’orchestra Per Sempre.

R.G.: Rimanendo in tema, Per Sempre ricorda Libera L’Amore, canzone di Zucchero (contenuta in “Oro, Incenso e Birra”, nda) la cui musica è stata appunto scritta da Morricone. E’ per caso ispirata a quella?

N.C.: No è una somiglianza assolutamente casuale. La canzone è nata come ti raccontavo prima ed erano delle idee sparse di chitarra che poi sono state arrangiate e registrate così senza il cantato. Mi fa molto piacere che tu mi abbia detto questo e citato questo riferimento.

R.G.: Essere a contratto con una major vi schiaccia o vi lascia libertà di azione?

N.C.: In effetti è strano parlare di anarchia e di libertà e poi essere sotto contratto con una multinazionale. Con Sony abbiamo però trovato un giusto equilibrio: noi siamo liberi di fare ciò che vogliamo senza essere intralciati. E senza essere completamente indipendenti in termini di produzione cosa che, se è vero che ti lascia la possibilità di decidere completamente tutto, dall’altra parte ti rende magari “invisibile”. E’ durissima anche con una grossa azienda, figuriamoci provando a fare tutto da soli. Quello che ci ha convinti è stato il fatto che non ci abbiano mai proposto di cambiare anche una sola nota del disco, proponendoci un percorso molto commerciale che noi abbiamo rifiutato. Credo che sia doveroso per una band essere sincera e suonare il più possibile altrimenti non si contribuisce per nulla allo sviluppo musicale e ci si riduce a fare radio, talent e magari a suonare davanti ad un pagante. Tutto questo non ci interessa. Ci piacerebbe aprire un movimento artistico nel quale potrebbero confluire altre band emergenti, in modo da poterci supportare l’uno con l’altro senza nessuna competizione o invidia. In un momento come quello che stiamo vivendo per quanto riguarda la musica, ci vorrebbe maggiore coesione e collaborazione. E’ pieno di artisti che quando arrivano in alto chiudono i battenti e tanti saluti a tutti, al supporto ed all’aiuto.

R.G.: Quali sono le tue maggiori influenze musicali?

N.C.: Ho un debole per la musica napoletana classica e questo è dovuto al fatto che mio padre ne era un grande appassionato. Di quella corrente mi entusiasmano il modo in cui esprimono il sentimento e l’amore nel cantato, nei testi e negli arrangiamenti. Crescendo ho studiato chitarra classica ed ho iniziato ad ascoltare musica classica. Poi ho scoperto i Pink Floyd, tutto il rock che va dai ’60 agli ’80, il jazz. Per farla breve, ho dei generi preferiti ma una bella canzone è una bella canzone, indipendentemente dalla corrente in cui viene incasellata. Il bello dei Motelnoire è che tutti i componenti hanno differenti influenze ed esperienze, creando così una sacco di contaminazioni. Quando compongo solitamente mi si presentano in testa delle immagini o delle fotografie, da cui trarre ispirazione per scrivere la musica.

R.G.: Come vedi il rock nei prossimi vent’anni? Perché viviamo in un’ epoca di contraddizioni assurde: ad esempio l’anno scorso sono stati stampati più vinili che CD nonostante continui a proliferare il file sharing e comunque siano presenti mezzi come internet dove trovare tutta la musica da ascoltare. Crissie Hynde (cantante dei Pretenders, nda) in una recente intervista ha affermato che si tornerà ad ascoltare rock e fruirne come in passato, ora è solo un problema di crisi di identità del mondo che non sa che strada imboccare. Alla luce di questo, come sarà secondo te il futuro?

N.C.: Ricordo che mi prestarono Master Of Puppets e misi da parte i soldi per comprarmi il vinile. Il mio atteggiamento è sempre stato quello di avere in mano le cose delle band che amo. Credo che chi fa questo mestiere con coscienza sotto tutti i punti di vista non punta ad un mero ritorno economico e che se i fruitori, indipendentemente dalla loro età, riescono a riconoscere questa caratteristica, sentiranno il bisogno di investire dei soldi nell’acquisto di un prodotto. Ognuno dovrà fare la sua piccola parte per fare ripartire questo cerchio.

R.G.: Grazie mille Nick per il tempo concesso e per la disponibilità.

N.C.: Grazie a voi! Un saluto a tutti i lettori di RockGarage.

Intervista agli Hammerfall

Esistono band nel panorama metal mondiale che sin dal debutto sono riusciti a forgiare uno stampo musicale personale che hanno mantenuto nel nome della perseveranza nel corso degli anni, album dopo album. Tra questi nomi è impossibile non citare gli svedesi Hammerfall, con ormai più di venti anni di storia sulle spalle. La band è tornata lo scorso anno con un nuovo lavoro studio, dal titolo “Built To Last” che rispecchia in pieno la “tamarraggine” che li ha resi importanti sulla scena. A qualche ora dalla loro esibizione presso il Live Club di Trezzo sull’Adda abbiamo avuto l’onore di sederci in compagnia di qualche altro giornalista come noi per avere la possibilità di sottoporre un paio di quesiti a Fredrik Larsson, bassista al servizio della band da un bel po’ di anni ormai. Qui a voi un estratto dalla conferenza stampa.

D.: Il vostro ultimo disco “Built To Last” ricorda molto il sound dei vostri primi lavori, soprattutto per quanto riguarda il songwriting e la struttura dei brani. Ci parleresti un po’ delle differenze esistenti tra il processo di lavorazione di quest’ultimo rispetto ai lavori di quel periodo?

F. L.: Dopo la pausa che ci siamo dati nel 2013 siamo ritornati con il pieno delle nostre energie così abbiamo realizzato il disco (r)Evolution che credo sia molto simile a quest’ultimo lavoro studio, che forse per la mia opinione si tratta di un disco migliore e più stimolante. Con (r)Evolution siamo ritornati a farci ispirare da ciò che in passato erano le nostre fonti di ispirazione, come un ritorno alle nostre radici.

D.: Credo che uno dei vostri principali punti di forza sia rappresentato dalla produzione dei vostri lavori, il vostro sound moderno incontra uno stile musicale tipicamente old school. Credi che questo riesca a rendere le vostre produzioni molto attraenti sia per un pubblico giovane che a quello più adulto?

F. L.: La nostra intenzione è scrivere heavy metal classico, insomma la musica con cui noi tutti siamo cresciuti. Vogliamo proprio conservare questo stile però allo stesso tempo non possiamo di certo far uscire un album che suoni esattamente come se fosse uscito negli anni ’80, abbiamo bisogno di qualcosa di nuovo. Io per esempio negli ultimi periodi ho recuperato dei dischi di quegli anni che non avevo mai ascoltato in passato e devo ammettere che non sia semplice ascoltarli oggi per la loro produzione nonostante all’interno del disco ci siano le canzoni migliori di sempre, risulta difficile oggi provare a tornare indietro ascoltandoli. Quindi noi volevamo avere una produzione nuova e fresca dietro il nostro metal old school.

D.: Il vostro primo album “Glory To The Brave” compie 20 anni quest’anno, un disco da molti ancora considerato il vostro capolavoro assoluto. Dopo questo siete stati capaci di realizzare tanti altri ottimi dischi. Non vi infastidisce il fatto che gli Hammerfall vengano principalmente associati ai primi album?

F. L.: No, alle volte è difficile perché quando una band pubblica un disco che diventa molto importante per un dato periodo, lascia il segno in molte persone. Quindi magari anche i primi due o tre dischi di una band vengono considerati come i “classici” della loro discografia da parte di tutti. Eppure allo stesso tempo noi abbiamo diversi dischi tra le produzioni più recenti o nel periodo centrale che il pubblico ha riscoperto e ha saputo apprezzare e alle volte anche pensato che sia stato il periodo migliore degli Hammerfall. Guardando il canale Youtube si può notare come uno dei video più cliccati tra quelli usciti qualche anno fa sia Last Man Standing. Però ovviamente, se il primo disco riscontra un enorme successo del genere, quell’album rappresenterà la tua immagine nella testa di tutti quando si dovrà giudicare la tua band.

D.: Dato che quest’anno ricade proprio il ventennale, avete in mente di fare qualcosa di speciale per festeggiarlo?

F. L.: Purtroppo questa ricorrenza è ricaduta in un “brutto” periodo perché avevamo appena rilasciato Built To Last e avevamo pensato di fare qualcosa per festeggiare questo traguardo di Glory To The Brave ma per il momento siamo impegnati nella promozione dell’ultimo disco, forse più tardi nel corso dell’anno ma ancora non abbiamo pensato a nulla di specifico.

D.: Avevate già in mente un’idea precisa di come volevate che suonasse il vostro ultimo “Bluit To Last” nel corso della fase di composizione oppure è stato qualcosa che è venuto nel corso della sua registrazione?

F. L.: Abbiamo un modo ben strutturato su come lavorare ad un album. Oscar e Joacim scrivono la maggior parte del brano, ce lo propongono quando si tratta già di una struttura piuttosto definita. Loro due hanno sempre un’idea ben precisa su come il brano debba suonare a lavoro ultimato. E’ difficile cogliere l’idea di brano ultimato partendo dall’ascolto della demo grezza. Noi l’ascoltiamo e la sistemiamo, ognuno mettendoci la propria parte. Quindi io registro la linea di basso, poi la batteria e così via. In fine vengono incisi diversi livelli di chitarra per ottenere così il suono degli Hammerrfall. Non riesco sempre a cogliere il sound finale delle demo ma sono sicuro che in ogni modo funzionerà in studio come lavoro completo.

D.: Cosa ci puoi dire invece riguardo al tuo side project Death Destruction?

F. L.: Non abbiamo abbandonato il progetto ma attualmente non abbiamo nulla in cantiere per questo. Io mi sto dedicando agli Hammerfall mentre Henrik e Jonas sono impegnati con gli Evergrey e Tony con i suoi diversi progetti. Ritorneremo, anche se non abbiamo un’etichetta discografica, quindi senza pressioni…ma ritorneremo!

D.: Sappiamo che non sei tu l’autore dei testi degli Hammerfall ma alle volte ci chiediamo come si fa a cantare di epiche e gloriose tematiche per 20 anni e riuscire ancora a trovare nuove parole per farlo?

F. L.: Lo so, alle volte è molto difficile riuscirci (ride, ndR)! Di solito quando Oscar scrive la musica di una canzone, la intitola anche e così passa la palla a Joacim che ha il compito di interpretare il titolo del brano utilizzando ciò che sente nei confronti di quel titolo.

Intervista ai Cirque Des Rêves

Una delle più recenti uscite discografiche che maggiormente c’ha colpito è stata quella dei Cirque Des Rêves, band partenopea dedita ad un sound particolarmente sofisticato ed etereo. Purtroppo, è notizia di questi giorni, la band ha subito la dolorosa perdita del chitarrista (e fondatore) della band Giovanni Ilardo. Era da un po’ che noi di RockGarage avevamo intenzione di sottoporre ad un fuoco di domande il gruppo, ma a causa di vari impegni, il tutto non si è mai concretizzato. Solo oggi abbiamo parlato con Lisa Starnini, co-fondatrice e voce solista, per fare due chiacchiere e sapere quale sarà il percorso – laddove vi sarà – della band, orfana di uno dei suoi fondamentali membri.

R.G.: Ciao Lisa. Anzitutto complimenti per questo disco, a noi di RockGarage è piaciuto molto. Ad un primo ascolto abbiamo individuato parecchi riferimenti ad altri artisti, sia della scena musicale italiana, sia – ovviamente – di quella internazionale: vuoi dirci quali sono i tuoi nomi di riferimento?
L. S.: Ciao a tutti e grazie per aver deciso di dedicarci questo spazio su RockGarage! In effetti le influenze sono tantissime, da Regina Spektor a Tori Amos a Eva Cassidy passando per Deftones, Tool, Dresden Dolls e tantissimi altri. Ho sempre ascoltato generi anche molto diversi tra loro, amo spaziare in base all’umore del giorno e Mirabilia ripercorre molte di queste mie diverse sfaccettature.

R.G: come è nata l’idea di questo lavoro? Sei (o siete) legata a qualche brano in particolare? (io adoro Tramonti Di Stelle)
L.S.: Mirabilia è nato con spontaneità, componendo in ascensore, in coda nel traffico o nel silenzio della notte quando i miei bimbi finalmente dormivano. Ogni brano racconta una parte di me: sogni, speranze, illusioni, cadute, protagonisti positivi e anche negativi… è un viaggio nella mia vita e nel mio cuore. Difficile dire se sono legata più o meno a un brano in particolare. Posso dire che sia Notte d’Aprile che Mirabilia sono state registrate piangendo (e in alcuni punti si sente). Volevo ripetere le registrazioni ma Maartin si oppose perché si era commosso a sua volta dall’altro lato del vetro.

R.G.: Ecco, mi hai anticipato. Tra i nomi impegnati nella produzione del disco spicca quello di Maartin Allcock, figura di spicco del folk rock inglese dei ’70, oltre che collaboratore di sua maestà Robert Plant: come è stato lavorare con lui e quanto di quella esperienza ha portato nel vostro lavoro?
L.S.: Maartin è stato ed è tuttora una guida, un’ispirazione e un amico oltre a un’anima stupenda. Mi ha insegnato a non vergognarmi di essere me stessa e a credere in me, ha saputo tirare fuori il meglio di ognuno di noi mettendo in risalto i nostri punti forti e ordine nel nostro costante caos creativo. Lavorare con lui mi ha cambiata, cresciuta e aiutata a capire chi sono musicalmente parlando. La cosa che gli riconoscerò per sempre è avermi insegnato a non aver paura di esprimermi, ovunque mi porti la mia voce.

R.G: Il disco è stato accolto decisamente bene, ma quanto ha influito il supporto dei vari Spotify e di piattaforme similari? Che ne pensi di questo modo di fruire la musica? Occhio che parli con maniaci del vinile, ma maniaci old school!
L.S.: Ah non dirlo a me… Mirabilia doveva uscire in vinile ma non abbiamo avuto nessun tipo di supporto (visto il genere catalogato “senza scaffale” e quindi non vendibile) e il costo si è purtroppo rivelato elevatissimo. Le piattaforme digitali sono ormai fruibili da chiunque e dopo un anno e mezzo dalla fine delle registrazioni (passato alla ricerca di etichette interessate a scommettere sul disco) abbiamo deciso di farlo uscire con i nostri mezzi e questo è il massimo che ci siamo potuti permettere.

R.G.: Mirabilia è formato da tanti piccoli quadretti di atmosfera notturna, come preferite riproporli live? Un ambiente familiare e ristretto, come può essere un club, un luogo più “solenne” come un teatro, o addirittura un grande palco?
L.S.: Abbiamo sempre preferito teatri, castelli e festival con palchi adatti a proporre lo spettacolo con i nostri amici artisti di strada. Il Cirque Des Rêves live viaggia in carovana con mangiafuoco, trampolieri, clown, danza aerea e tanto altro… la realtà dei locali non si è mai rivelata molto adatta sia per contesto che per pubblico poco attento.

R.G: Quale sarà il futuro della band, alla luce di quanto è accaduto? Avete intenzione di proseguire e di preparare una tournée?
L.S.: Mirabilia è l’ultimo viaggio del Cirque Des Rêves e con essa si congeda anche a fine album. Non credo ci saranno date o tour. Nessuno di noi intende sostituire Gianni alla chitarra. Come dice anche la canzone “Il viaggio finisce qua…“. Per il momento il Circo dei Sogni si ferma. Ognuno di noi prosegue comunque con i propri progetti musicali.

R.G.: Allora cosa vedi nel tuo futuro? Sarà possibile un’uscita in vinile del disco?
L.S.: Sicuramente spero di riuscire in futuro a uscire con l’album fisico e il vinile. Per quanto mi riguarda proseguirò il viaggio musicale con gli Elyza Jeph e con l’album in duo con Maartin Allcock.

R.G: Cosa ascolti in questo momento?
L.S.: Sinceramente questo per me è un momento di silenzio. Sicuramente strano per un musicista ma la musica per me è espressione di emozioni e sto attraversando un periodo di chiusura. Tornerò alla musica non appena mi sentirò pronta ad aprirmi di nuovo.

R.G.: Ultimissima domanda e ci salutiamo. Quali sono per te i tre dischi da portare sull’isola deserta?
L.S.: Grace di Jeff Buckley, Aenima dei Tool e Blue Light ‘Til Dawn di Cassandra Wilson.

R.G.: Grazie per la chiacchierata Lisa, e quando incontri Maartin diglielo che lo invidiamo per aver lavorato con Sandy Denny!
L.S.: Erano molto legati…ha sofferto molto per la sua perdita e so che sarà felice di sapere quanto la abbiate amata anche voi! Grazie per questo spazio e per l’affetto! A presto.

Intervista agli Shandon

Poche settimane dopo la nuova reunion degli Shandon, questa volta definitiva, che ha portato la band lombarda a pubblicare l’EP Brandelli d’Italia, lo storico cantante del gruppo Olly Riva ci ha invitato a casa sua per concederci un’intervista. Attraverso questa lunga conversazione Olly ci ha raccontato di questa nuova avventura, delle sue nuove motivazioni e della sua ritrovata serenità, ritrovata grazie anche agli altri progetti musicali che lo vedono coinvolto.

R.G.: Ciao Olly, e benvenuto su RockGarage! Allora come sta andando il tour?
O.R.: Ciao e grazie! Direi benissimo, anche se come spesso succede, ci sono alti e bassi. Ci sono delle città ad esempio dove l’affluenza è proporzionata alla location dove si suona. Mi spiego: certa gente fa dei ragionamenti assurdi tipo “questo locale ci sta sul cazzo e quindi non ci andiamo!”, piuttosto che “la birra lì costa troppo!” o “è un posto frequentato da discotecari!”. Ho notato quindi che ultimamente c’è questa sorta di “snobbismo” legato alle location. Assurdo.

R.G.: Parliamo dell’EP “Brandelli d’Italia” uscito nei primi del mese, com’è nata l’idea di questo lavoro?
O.R.: E’ stata diciamo un’esigenza. Quando hai una certa età prendi per scontato che chiunque sappia cosa accadeva anni fa in campo musicale. Durante questo tour abbiamo visto tanta gente che veniva anche da lontano per vedere gli Shandon ed anche padri di famiglia che ci seguivano vent’anni fa che si sono presentati con i propri figli, piuttosto che con il fratellino che all’epoca era un bambino. Succede che poi, quando questi giovani, magari nati nel 1995 (e tieni conto che noi Shandon siamo nati nel 1994) pensano che noi siamo stati tra i primi a proporre un certo genere. E noi ovviamente gli raccontiamo che prima di noi ci sono state tante altre ottime band. Chiacchierando tra di noi, della band, non ci rendevamo conto che erano ragazzi nati a fine anni 90 e che non sapevano, ad esempio, chi fossero i Negazione, gli Skiantos o gli Africa Unite. Ed allora abbiamo pensato all’idea di realizzare un EP, raccontando praticamente ciò che succedeva prima di noi nel panorama alternative italiano, per far capire ai più giovani anche quali gruppi ci hanno maggiormente influenzato. Quindi abbiamo pensato che in qualche modo dovevamo tramandare questa storia. Questa è stata dunque la start-up di questo EP.

R.G.: Immagino che sia stata difficile la scelta dei pezzi e che, a malincuore, qualcuno l’hai dovuto escludere, o sbaglio?
O.R.: Ovviamente. Anche perché non volevamo fare il classico album, cosa che abbiamo già fatto in passato e che, in qualche modo, suscitò alcune polemiche. Ed al giorno d’oggi, attraverso Facebook e altri social networks, le polemiche si sprecano, non hai idea di quante cagate siano state dette su di me e su di noi.

R.G.: Ti riferisci anche a quella dove si dice che la vostra reunion è avvenuta esclusivamente per questioni economiche vero?
O.R.: Ovvio infatti guarda dove vivo! (in senso ironico, trattandosi di un normale appartamento ndr) Ma anche se fosse? Cioè non penso che la gente lavori gratis o sbaglio? Se uno considera un musicista che fa questo lavoro esclusivamente per soldi è un ipocrita. La libertà di parola è sacrosanta, ma lo è anche quando io ti mando a cagare quando mi vengono dette queste cose.

R.G.: Il disco è stato accolto bene direi, leggende e sentendo vari pareri. Sei uno che legge le recensioni?
O.R.: Guarda, io ho quattro lavori e una moglie! Tra l’insegnamento di canto, lavori di produzione che a volte mi portano a stare in studio anche diciotto ore, ovviamente quando torno a casa vorrei rilassarmi in famiglia, nei weekend solitamente si suona, quindi la mia vita sui social è veramente risicata, tant’è che spesso mi sgridano perché “posto” poco o non faccio contenuti. Quindi, davvero non ho tempo! C’è anche da dire una cosa: siete veramente tanti oggi che scrivete! Quando ero più giovane ovviamente ero più curioso nel leggere recensioni, e la figura del giornalista era molto diversa da oggi; oltre ad essere, dico in generale, magari più competente, aveva un senso più cinico nel descrivere un disco. C’era quello che ti consigliava di non fermarti al primo ascolto, ma di approfondire più volte l’ascolto. Oggi, a causa della rete, o è tutto figo o tutto fa cagare!

R.G.: Dal disco “Back On Board” a questo EP c’è stato un anno intenso per gli Shandon, da dove arriva questa nuova carica?
O.R.: Dai SoulRockets! Ti sembrerà strano, ma è proprio così! Il tour con loro, di quasi quattro anni, mi ha portato una grande serenità. Tieni conto che venivo da vent’anni di tour, fatti di migliaia di chilometri, magari anche pagato poco o nulla, con sbattimenti sia fisici che mentali, precludendoti una vita “normale” per fare una vita da musicista, il che, visto dagli occhi del pubblico, può sembrare una cosa fighissima. I SoulRockets mi hanno riportato in quella dimensione dove andare in giro a suonare non è necessariamente sbronzarsi a fine serata, andare con le ragazze di mezzo locale…a me queste cose non sono mai interessate; non bevo, non fumo, non mi drogo e sono felicemente sposato! Certe cose, negli anni, ti fanno venire un fegato così ed intendo dal punto di vista psicologico. E quindi con i SoulRockets ho ritrovato serenità ed entusiasmo che mi hanno portato a scrivere, ad esempio, roba tranquilla, reggae, rock-steady, ska, tutta roba in levare. Cose che però non potevano andare né con i SoulRockets né con i The Fire, quindi sono rimaste lì. Una sera sono andato a cena con Max (trombonista degli Shandon ndr) e quando gli ho detto questo mi ha proposto di riformare gli Shandon. All’inizio ero molto scettico; il mio scetticismo era dovuto al fatto di non voler andare incontro a nuovi sbattimenti, al fatto che, con il precedente tour, avevamo detto chiuso definitivamente con gli Shandon, non volevo andare incontro nuovamente a futili polemiche. Lui mi consigliò di smetter di pensare che fossi io la causa dello scioglimento degli Shandon, e di godermi la parola Shandon come la mia band ed il mio progetto. Le sue parole sono state per me una forte motivazione, tant’è che ho preso i pezzi di cui ti parlavo poco fa e con Max abbiamo iniziato a provarli in sala prove, solo io e lui. E dopo ho pensato, cosa faccio richiamo gli altri? Non era facile perché alcuni vivono all’estero tra Dublino, Australia, quindi ho scelto Alecs dei The Fire che è un super batterista, oltre al fatto che per me è un fratello. Poi Iasko (trombettista ndr) che suonava già negli Shandon che mi ha segnalato Willi (bassista ndr) che suonava con lui nei Figli Di Madre Ignota ed infine Massa (chitarrista ndr) che ama il questo genere. Abbiamo provato e sin dalle prime prove è stato bello risentire alcuni nostri pezzi eseguiti da una band quasi totalmente nuova. E qui torno alla serenità che cercavo in passato, e che oggi la stiamo portando in tour con gli Shandon. Ed è bellissimo vedere che le nostre date sono andate sold out…tutte! Loro hanno rispetto per me, non mi considero un leader, ma sanno benissimo che io ho delle responsabilità che loro non hanno, come se fosse un’azienda, dato che mi occupo anche della gestione generale che può riguardare i contatti con i locali, fatture, merchandising, contatti con le etichette, sponsor e tanto altro. E’ un nuovo inizio, i concerti ce li godiamo di più, le performance vengono meglio, le registrazioni degli ultimi dischi le facciamo in pochi giorni.

R.G.: Possiamo dire quindi che la reunion degli Shandon non è una cosa temporanea, giusto?
O.R.: Esatto, non è temporanea. Certo non sappiamo fino a quando, però non è una reunion legata a questo EP e conseguente tour. Infatti con Max siamo subito arrivati all’accordo che non doveva essere una cosa di un anno e ci siamo messi nell’ottica che per i prossimi anni sarà così, kilt compreso!

R.G.: Shandon, Fire, SoulRockets, GoodFellas; negli anni ti sei dimostrato come un artista poliedrico; quali sono le tue influenze musicali, o comunque come ti sei avvicinato a suonare generi lontani da quello degli Shandon?
O.R.: Tieni conto che la vita dell’artista è sempre in salita. L’artista ha il compito di creare e non di intrattenere, io ragiono come artista e non come intrattenitore, altrimenti sembra che non ho nulla da dire. Ogni esperienza di cui ho fatto parte è logico che per me ha avuto una funzione di arricchimento personale quanto professionale. Per assurdo, nell’ultimo degli Shandon, c’è molto più di Pino Scotto che delle esperienze musicali che ho avuto in passato. Ma non Pino Scotto in senso musicale; Pino per me è un fratello anche se ha l’età di mio padre! Lui mi ha spronato eticamente, musicalmente ed artisticamente a fare determinate scelte, e quindi è stato più determinante lui per me che lo ska-punk. Lui è una persona meravigliosa, tutti pensano che sia un metallaro, ma lui è un esperto di jazz e blues, e ti sa fare nomi e cognomi di qualsiasi cosa. E’ una persona dolcissima nonostante sia volgare come la merda! (risate ndr) E’ uno che in studio tira fuori delle perle che ti lasciano sbalordito, è un ragazzino di sedici anni del corpo di un sessantasettenne. E questo mi ha insegnato che se non scrivo con entusiasmo, il tutto diventa una merda. Poi ovviamente arriva quello che ti dice che non siamo più gli Shandon di una volte..e quindi? Dov’è il problema? C’è sempre questo complotto che il cambiamento porti a voler vendere più dischi, ma magari! Ma poi nell’epoca di Spotify che devo vendere? Ma meno male che non sono più quello di Janet, nel senso che se creassi una Janet 2 in maniera naturale ben venga, ma se non viene, non viene!

R.G.: In altre tue interviste ho letto che condanni fortemente piattaforme proprio come Spotify, sei sempre della stessa idea?
O.R.: Assolutamente si! Ma rimane una battaglia persa. Quando una roba è gratis è gratis, puoi raccontarla come vuoi, ma la sostanza non cambia. C’è chi dice che se ascolti un disco su Spotify e ti piace, poi vai a comprarlo. Non ci crederò mai, proprio perché è gratis! Siamo anche stati accusati di non aver messo il disco su Sportify per fare soldi nelle vendite, roba assurda, anche perché i soldi che ho investito nel disco non li rivedrò mai perché i dischi non si vendono più ed i concerti sono sempre pagati meno, quindi come recupero il mio investimento? Va sfatato il fatto che dentro la musica circolano enormi quantità di soldi. Pensano che chi esce, ad esempio, da X-Factor fa soldi a palate, mentre in realtà rimangono con un microfono in mano e fregati per cinque anni, ed a parte rare eccezioni, vanno in giro per locali a far karaoke con le basi. Spotify mi fa l’effetto “all you can eat” ma gratis, cioè entri, mangi, ma non sai cosa stai mangiando, si è arrivati a punto che molta gente dice che gli piace una canzone di quel gruppo, poi due di quell’altra band.

R.G.: Dall’alto della tue esperienza, e non solo come musicista, qual è il primo consiglio che daresti ad un giovane che vorrebbe approcciarsi in questo mondo?
O.R.: Oggi è dura, quand’ero io ragazzino i consigli che ci venivano dati ad esempio era quello di andare da quell’etichetta e non da quell’altra. La prima cosa che direi oggi è quella di non farsi dei film in testa, dove tutto è bello, facile ed immediato. Io rispetto molto Fedez, dal punto di vista imprenditoriale, anche perché è uno che è partito dai concerti al Leoncavallo davanti a cinque persone, a fare due sold-out consecutivi al Forum di Assago. Lo prendo come esempio perché ha fatto tutto da solo, e in un periodo come questo non è affatto facile, sfruttando al meglio i social network e youtube. Una sorta di “do it yourself” degli anni 70, riportato a giorni nostri. Serve la tipica gavetta, ma diversa da com’era prima. Prima era sbattersi per locali per cercare delle date, ora la cosa è più ampia, anche a livello di immagine. E chi fa hip-hop l’ha capito prima, come ad esempio Salmo, che ha una band dove suona Dade dei Linea 77, è uno che è partito dall’estetica, dai video, e da come parlare alla gente. Come così nacque Caparezza, ed io, mi sento un po’ vecchio proprio perché non riesco a stare dietro i social, ma anche perché non ho un ego così sviluppato. Ben inteso che non considero l’egocentrismo una cosa necessariamente negativa, ma sono una persona che preferisce il lavoro “dietro le quinte”.

R.G.: Come procede la tua attività da produttore ed a tal proposito vorresti consigliarci qualche artista che merita d’esser seguito?
O.R.: Procede bene, ovviamente tra le band e le lezioni ho dei limiti di tempo. Ora sto lavorando al secondo disco dei Mataleon, è una band interessantissima perché riescono ad integrare testi in italiano cari all’alternative come possono essere quelli di Verdena o Afterhours, con le chitarre degli Slipknot. Quando mi si presentarono ero un po’ dubbioso ma lavorando mi hanno pienamente convinto, anche perché sono persone intelligenti, e che si fanno aiutare e consigliare. E fa piacere perché capita anche che gruppi che vengono da me, mentre lavorano si chiedono “ e qui cosa farebbe Olly?”. E per me è un motivo d’orgoglio.

R.G.: Grazie dell’intervista Olly, e buon proseguimento del tour!
O.R.: Grazie a te ed a RockGarage! A presto!

Intervista ai Luca Turilli’s Rhapsody

Abbiamo incontrato al Rock ‘N Roll di Milano, in una giornata che più piovosa non si poteva, uno dei più grandi chitarristi italiani: Luca Turilli. Il giorno prima della nostra intervista è stata annunciata la reunion con Fabio Lione ed il tour che ne seguirà. Vediamo cosa ha avuto da dire ai nostri microfoni il favoloso axe man.

R.G.: Ciao Luca e benvenuto su Rockgarage.it. Non possiamo non iniziare parlando della notizia freschissima della reunion con Fabio Lione per celebrare i vent’anni di “Legendary Tales” (primo leggendario album dei Rhapsody, uscito nel 1997, nda).
L.T.: In realtà la reunion non è riferita all’album ma per celebrare i vent’anni della band. Io non farei mai una reunion per celebrare un singolo album, ma per un senso speciale, unico e definitivo. Non ci sarà mai più alcuna reunion dopo.

R.G.: Eseguirete integralmente “Legendary Tales” durante questo tour?
L.T.: Assolutamente si!

R.G.: Come vi è venuta l’idea di portare una pietra miliare del metal in tour?
L.T.: Essendo il ventennale della band continuavamo a ricevere un sacco di richieste di tutti i tipi da moltissime parti. Dopo tanto tempo ci siamo sentiti io e Fabio (Lione, torico cantante dei Rhapsody e della scena metal italiana ed internazionale, nda) ed ci siamo detti: “Ok, facciamolo per un’ultima volta”. Soprattutto per fare contenti quei fan che non avevano potuto godere delle performance live della band in prossimità della nostra separazione, avvenuta in maniera abbastanza sorprendente lasciando molti con l’amaro in bocca. Per me e Fabio questo passo rappresenta la chiusura di un capitolo importante della nostra carriera artistica e musicale. Personalmente è anche un personale addio, da parte mia, a quello stile che rappresentava le mie composizioni, mentre ora faccio altre cose e ci saranno nuovi progetti in arrivo. Il ventennale ha fatto scattare la reunion che rimarrà un qualcosa di unico, non una cosa commerciale che poi si ripete ogni cinque anni. Questa è l’ultima volta, definitivamente, che suoneremo insieme quelle canzoni. Sarà molto emozionante sia per chi assisterà che per noi che staremo sul palco.

R.G.:Come è andato il tour di supporto a Prometheus Symphonia Ignis Divinus ( ultimo album dei Luca Turilli’s Rhapsody uscito nel 2015 nda) e che feedback ne hai tratto?
L.T.: E’ stato faticosissimo, per fortuna è finito! (risate,nda). In Sud America è stato grandioso ed esaltante. E’ stato incredibile: inneggiavano ad Alessandro (Conti, cantante del gruppo, nda) come ad un cantante famosissimo. Era la prima volta che tornavamo in quei posti con la nuova band e non ci aspettavamo un’accoglienza così incredibile. Nessuno se lo aspettava. In Europa le cose sono andate diversamente: ci sono Paesi in cui ci aspettavamo di trovare molte più persone ed invece il pubblico era calato mentre la situazione era ribaltata in altre nazioni. Ad esempio nell’Est Europa improvvisamente ci siamo trovati con una risposta molto grande, in Paesi come Polonia e Repubblica Ceca. Dopo le difficoltà dello split ci stiamo ricostruendo un pubblico e questo ci permette di ripartire bene. Era solo questione di aspettare e pazientare dopo avere cambiato stile.

R.G.: Come è nata l’idea di remixare l’album in Dolby Atmo?
L.T.: Non è stata un’idea perché non avrei avuto i mezzi economici per farlo! (risate,nda) E’ stato veramente un colpo di fortuna. E’ successo che per caso (poi sai, io credo più in un discorso di energie e se vuoi una cosa fortemente con tutte le tue forze prima o poi la ottieni) in uno studio di Monaco di Baviera equipaggiato con questa tecnologia, lo Msm, dove registrano colonne sonore per il cinema, ci fosse Chris Hayes, uno dei più grandi ingegneri del suono del mondo, che ha sentito il nostro album e la nostra musica venire da uno studio vicino. Incuriosito è entrato dal suo collega chiedendo che musica fosse ed è rimasto a bocca aperta che ci fosse del metal suonato e composto in quel modo. E’ rimasto molto stupito ed ha chiamato subito Dolby e Yamaha, facendogli ascoltare King Solomon And The 72 Names Of God. La Dolby rimase anche lei a bocca aperta e stupita favorevolmente e così, dopo vari meeting e riunioni, mi viene proposto di mixare l’intero album con questa nuova tecnologia! E’ stata individuata la nostra musica, per la sua poliedricità e tutti i suoi differenti colori, come quella perfetta per valorizzare il Dobly Atmos. Per noi questo è stato l’inizio di una grande avventura. Per me che amo il cinema poi questa è una soddisfazione incredibile. Tutte le sale americane sono ormai equipaggiate con questa nuova tecnologia che ora arriverà anche in Europa. Ti posso dire che entro due anni sostituirà il Dolby Surround, perché ti offre un suono che è veramente tridimensionale. Figurati che quando ho ascoltato il mix di Prometheus ho sentito tracce di strumenti che avevo composto e che non mi ricordavo nemmeno più perché erano sparite dal mix stereo. E’ stato un risultato incredibile, un sound dove senti tutto.

R.G.: Come avviene il processo compositivo della tua musica?
L.T.: Il mio modo di comporre è molto particolare. Non parte con la band in sala che prova e riprova. Io sono uno di quelli che sta chiuso in casa ed improvvisamente grazie ad una particolare sensibilità si connette a queste “dimensioni parallele” da cui traggo particolari vibrazioni. C’è una sorta di passaggio di energia che si traduce in titoli e “visioni”. Per me parte tutto dal titolo: quando io ho quello c’è già un mondo rappresentato da colori e cose che dopo vengono tradotte in musica. Poi posso comporre sulla tastiera o la chitarra. Quando finisco un album o una saga, mi piace vedere tutto di diversi colori: ogni canzone per me ha una colorazione diversa, è tutto riportato ai colori ed alla loro vastità. E’ per quello che tutto è così vario quando compongo. Suonare uno strumento ad un certo livello mi è sempre interessato soprattutto per avere la dimestichezza per potere comporre qualcosa di vario e valido.

R.G.: C’è una domanda che ho fatto anche in una precedente intervista ad Alex Staropoli (ex tastierista dei Rhapsody e, dopo lo split, dei Rhapsody Of Fire, nda). Ti sei accorto della portata che ebbe l’uscita di “Legendary Tales”, storicamente parlando, insieme ad altri gruppi, in un periodo commercialmente difficile per il metal? In quegli anni si riprese ed iniziò a rialzare la testa come genere musicale.
L.T.: Prima di noi soprattutto gli Angra, poi noi a ruota e poi gli Hammerfall. Se la guardiamo facendo un’analisi storica adesso, sicuramente sento molto questa cosa. Soprattutto per il panorama italiano, dove finalmente le etichette si accorsero che c’erano band anche qui che producevano un certo tipo di sound. A quei tempi componevamo già quello che poi col tempo è stato definito “cinematic metal”. E la differenza con il metal sinfonico sta nel fatto che ogni parte orchestrale non è fatta di semplici accordi o tappeti sinfonici, ma da una parte orchestrale arrangiata in maniera completa e singola. La parte orchestrale per me è importantissima e fondamentale. Ciò che dà l’epicità è proprio questo. Io non riesco ad ascoltare e comporre cose troppo intimiste ad un certo punto ho bisogno di esplodere (risate, nda). E’ il mio modo più naturale di esprimermi. Per tornare alla tua domanda, quando noi siamo nati era per essere diversi, solo che la tecnologia dei tempi non ti permetteva come ora di mettere in risalto tutte le componenti della musica. Non eravamo innovativi, perché avevamo preso l’elemento folk dei Blind Guardian, che adoravamo, quello epico dei Manowar, quello neoclassico della chitarra di Yngwie Malmsteen. Tutto questo mix, con la voce di Fabio, aveva creato qualcosa di innovativo, nel senso di idea dell’innovazione. Fu un successo clamoroso che nessuno si aspettava, nemmeno la nostra etichetta. Quando iniziammo ci furono delle difficoltà perché nessuno si era mai trovato di fronte ad una proposta del genere. Quando Sascha Paeth (il produttore di Legendary Tales,nda) rivoluzionò la nostra musica in fase produttiva noi rimanemmo molto delusi. Per fortuna la Limb Music (etichetta dei Rhapsody a quei tempi, nda) gli impose di non cambiare nulla. Quella fu la nostra salvezza e così uscì il nostro primo album. Ci tengo a dire che se il nostro manager avesse accettato la completa rivoluzione del nostro stile ci saremmo rivolti ad altri produttori. E magari la storia sarebbe stata completamente diversa in peggio.

R.G.: Cosa pensi del fenomeno che è assurto ormai su tutti i media nazionali del secondary ticketing?
L.T.: E’ una truffa colossale che penso danneggi i musicisti stessi! Con noi sicuramente non capiterà mai perché siamo troppo piccoli per suscitare interessi di certi tipi!

R.G.: Quale pensi sia il futuro della musica nei prossimi dieci anni anche alla luce del fatto che i mostri sacri, per motivi anagrafici, prima o poi si ritireranno?
L.T.: Posso sicuramente dire, ed è sotto gli occhi di tutti, che il mercato è in decadenza. Le stesse case discografiche, anche le major, non sanno cosa risponderti su un periodo ancora più breve rispetto a quello che mi hai chiesto tu. Purtroppo l’evoluzione tecnologica ha portato con sé questo lato oscuro che danneggia l’ambiente. Per le nuove generazioni acquistare qualcosa sembra molto strano. L’unica cosa che puoi fare è adattarti. Solo che molte case discografiche si sono trovate impreparate e non hanno saputo reagire. Così i musicisti cercano delle loro soluzioni. Essendo io prettamente un compositore il lavoro non mi manca mai, per fortuna. Per un semplice musicista invece è molto dura, anche perché c’è tantissima offerta ormai. In ogni tracollo di mercato c’è una parte che paga il dazio più di un’altra purtroppo.

R.G.: Grazie Luca per la chiacchierata e la disponibilità.
L.T.: Grazie a voi! Aspetto tutti i lettori dal vivo durante il tour della reunion!

Intervista agli In Flames

Abbiamo incontrato in quel di Milano Bjorn Gelotte, chitarrista degli storici In Flames, nella città meneghina per promuovere il nuovo album della band svedese, uscito con il titolo di Battles sotto l’egida della nota Nuclear Blast. Ecco a voi il resoconto di una sostanziosa chiacchierata.

R.G.: Ciao Bjorn e benvenuto ai microfoni di Rockgarage.it. Iniziamo l’intervista in maniera canonica. Parlaci del nuovo album, del suo processo di creazione e composizione e delle sue fasi di registrazione.
B.G.: Il processo di creazione e di composizione è stato lo stesso come sempre. Parti da alcune melodie, da alcuni riff e la creazione di demo davvero grezzi. E’ dopo che tutto cambia ed è nella fase successiva che ogni album prende una piega ed una storia a sé stante. Questa volta siamo riusciti a lavorare con un produttore che è da sempre uno dei nostri eroi (Howard Benson, nda) ed il management ci ha aperto le porte verso orizzonti ed idee che prima non eravamo mai riusciti a raggiungere, facendoci parlare e comunicare con chi volevamo noi. Così abbiamo potuto decidere direttamente con chi lavorare, persone che conoscevano la nostra musica e cosa volevamo. In passato, per essere completamente onesti verso di noi ed il pubblico, anche se la cosa è molto egoistica, abbiamo sempre scartato in maniera gentile ciò che i produttori suggerivano, facendo poi sempre ciò che volevamo. Stavolta abbiamo aperto i nostri orizzonti accettando e valutando suggerimenti da parte di chi lavorava alla registrazione dell’album. Dopo 11 dischi, fare una cosa del genere è merdosamente spaventoso. In realtà, questo atteggiamento si è rivelato assolutamente fruttuoso ed appagante. Questo è potuto accadere perché nessuno ci voleva portare in direzioni opposte a quelle che avevamo in mente. C’erano solo consigli utili e un aiuto a focalizzarci in maniera determinata su alcune cose senza volere apportare cambiamenti a tutti i costi. Per fare questo, bisogna lavorare con tutto il team in maniera coesa per quanto riguarda il songwriting, il cantato e gli arrangiamenti di tutti i materiali. E’ stato superproduttivo! L’album dove essere composto da undici canzoni; quella era l’idea di partenza. Ne abbiamo poi inclusa una in più. Essere in studio tutti assieme per otto ore, comporre e registrare ogni giorno con la presenza di un produttore ti permette di sprecare meno tempo, tenere alta la tensione creativa per tutto il tempo che passi lì.

R.G.: Avete anche realizzato un video a supporto del vostro nuovo lavoro (“The End”, nda). Parlaci anche di questo.
B.G.: C’è una storia che lega il video di The End e quello di The Truth. Vedendoli entrambi avrai la visione completa del cerchio. Ognuno ovviamente avrà poi una sua opinione ma quello che penso io è che al giorno d’oggi è tutto troppo veloce: i media in generale ma i social media in particolare. E’ cambiato il mondo a cui eravamo abituati. Al giorno d’oggi shoccare qualcuno è davvero un’impresa ardua. Chi è affascinato dalla morte o da tutto ciò che riguarda la morte oramai può andare su Google e trovare tutto ciò che gli interessa. Sotto un certo punto di vista tutto questo è abbastanza spaventoso. Quando ero piccolo, ed internet non c’era, io e tutti dovevamo aspettare. Se leggevo su una rivista che gli Slayer o i Metallica avrebbero fatto un nuovo disco dopo sei mesi, ero lì che contavo letteralmente i giorni e c’era uno scambio di opinioni febbrile con i miei amici. Non potevi assolutamente avere anticipazioni a portata di mano. Come è adesso, dove puoi entrare nella vita di ognuno. Questo porta le persone a pensare di avere il controllo su ogni cosa ma non è così.

R.G.: Il vostro stile musicale, rispetto agli esordi, è cambiato molto ma il vostro trademark musicale c’è sempre. La vostra evoluzione musicale è tenere sempre le basi sonore che vi permettono di essere riconosciuti al volo da chi vi conosce, instillando nella musica sonorità moderne sempre al passo con i tempi ma senza mai snaturarvi.
B.G.: Concordo con te al cento per cento! Io la chiamo l’essenza degli In Flames. Noi tutti della band amiamo il metal, siamo cresciuti con quello ed è lo stile musicale che più definisce ognuno di noi. Sono cresciuto ascoltando Thin Lizzy, Deep Purple, Black Sabbath, Rainbow… scoprendo poi più tardi il death. Cannibal Corpse, Mobid Angel, Death… tutta la roba che arrivava dalla Florida. Questo mix di generi per me è qualcosa di molto importante. E lo è anche per i miei compagni. Ci vogliono almeno un paio di album per definire il proprio sound . Per fare questo devi amare ciò che fai e non prestare attenzione a ciò che la gente pensa. Non mi interessano le opinioni delle case discografiche, del management, dei giornalisti… mi interessa quello che pensa il pubblico ma senza farmi angosciare e sovrastare da queste opinioni. Non potrò mai soddisfare ogni singola persona e quindi mi interessa che io, e la band nel suo complesso , si senta soddisfatta e felice di ciò che fa. Solo così si può essere completamente onesti. A qualcuno piace, a qualcuno no. E’ da anni che dividiamo i nostri fan in quanto ad opinioni ma lasciami dire che questa è anche la bellezza della musica. La musica non è un diritto acquisito ma siamo fortunati che esista un qualcosa che può ridefinire il tuo mondo, che può permetterti di ragionare, lasciando da parte tutti i problemi e le brutture della vita e della società. Ed io sono molto fortunato a vivere di questo, ad avere questa opportunità. Lo dico dopo dodici dischi e più di vent’anni di carriera. Se penso a ciò che ho fatto nel passato, posso solo dire che da quello ho da imparare ancora molto. Non lo rinnegherò mai ma mi sento di dovere sempre aggiornare qualcosa per creare nuovi stimoli e creare nuove cose. Abbiamo bisogno di cose fresche per potere essere sempre soddisfatti. Non andremo mai a cambiare e stravolgere il cuore del nostro sound. Questo non cambierà mai. Se dovessimo fare un album country, comunque troveresti la nostra impronta identificativa. Poi capisco che tutto questo o certe evoluzioni possano non rientrare nei gusti delle persone. Se non mi piace qualcosa, non gli presto attenzione. Amo suonare, amo la mia musica, le mie composizioni, essere seduto a Milano a parlare con te in compagnia di una birra gelata. In conclusione, siamo cambiati e cambieremo ancora. E’ ovvio che se fai ascoltare ad uno che non ci conosce Lunar Strain (primo album degli In Flames pubblicato nel 1995, nda) e Battles uno dopo l’altro gli risulteranno completamente opposti. Ma ci sono di mezzo vent’anni. Un viaggio lungo ed anche in termini anagrafici cambia tutto rispetto all’epoca degli esordi, soprattutto come forma mentis.

R.G.: Quindi qual è la tua opinione riguardo alle noiosissime questioni che portano le persone a dire: “Ah, vedi, quella band ha cambiato il sound perché vuole vendere di più, perché ha firmato per una major e si sta svendendo al mercato”?
B.G.: Molte persone si ergono a giudici assoluti e sinceramente non me ne frega nulla. Come dicevo prima, non sono qui e non suono per fare piacere a qualcuno. Quello che faccio è davvero per me. Se penso a quanto sia breve la vita e vedo quanto tempo si sprechi a sputare addosso agli altri… beh, per me è un loro problema e tempo davvero buttato. E’ veramente triste vedere che non trovino nulla di meglio e di positivo da fare. Ti facciamo cagare? Mi va bene lo stesso. Non sto dicendo di avere ragione ed essere nel giusto. Si può sempre ascoltare altro.

R.G.: Quando siete usciti con i primi album il death metal era in una fase abbastanza calante. Voi ed altre band scandinave avete rivitalizzato e rigenerato in maniera storicamente importante il genere, creando qualcosa di totalmente nuovo. Cosa pensi in merito a questo?
B.G.: Eravamo tutti amici. Noi, i Dark Tranquillity, gli At The Gates. Giravamo in tour assieme e c’è stata sempre una sorta di competizione amichevole. Sono stato fortunato a diventare parte di questo e capisco benissimo quello che tu stia dicendo. A Stoccolma c’era un sacco di fermento in quel periodo e un sacco di band che sperimentavano diversi generi. Era davvero stupefacente vedere tutto questo. Quando abbiamo iniziato non avevamo piani e non sapevamo nemmeno come sarebbe stato il nostro secondo album.

R.G.: E’ curioso sentire la tua risposta perché anche quando abbiamo intervistato Miakel Stanne (il cantante dei Dark Tranquillity, nda) all’Hellfest 2015 sembrava che anche lui non avesse idea o desse peso all’impatto che le vostre band hanno avuto sulla storia del metal e della musica in tutto il mondo.
B.G.: E’ fantastico sentirselo dire ed ho la pelle d’oca in questo momento (mi mostra il braccio, nda) ma veramente non ci rendevamo conto di questa cosa dall’interno. Sono orgoglioso ed emozionato quando mi sento dire queste cose.

R.G.: Siete stati tra i primi a porre l’attenzione dei testi sull’interiorità e la coscienza umana invece che essere semplicemente gore o horror.
B.G.: Sotto questo punto di vista non siamo mai stati una band death classica. E’ molto più interessante scrivere dell’animo e della mente umana piuttosto che di barbecue e birra (risate, nda). Le questioni più profonde che hai dentro di te, quelle che ti fanno rodere dentro, i temi etici e morali. E’ molto più interessante che cantare “Guerra!” (esegue un growl, nda). Meglio delle cose merdose che vedi in televisione. Quello che hai dentro e ciò che scegli di fare è ciò che ti definisce in quanto essere umano. E io trovo molto interessante tutto questo. La birra ed il barbecue sono cose fantastiche, ma non così interessanti come i temi di cui parlavamo prima.

R.G.: C’è qualche band o qualche musicista con cui sogneresti di suonare o a cui aprire un concerto?
B.G.: E’ irrealizzabile ma viaggiamo con l’immaginazione. Vorrei andare in tour con i Rainbow nel ’76. Siamo stati molto fortunati come band. Abbiamo fatto un sacco di tour e festival senza avere mai paura di presentare la nostra musica, dividendo palchi con Metallica, Iron Maiden, Slayer, Black Sabbath e tantissimi altri grandi nomi. Siamo stati davvero baciati dalla fortuna. Anche se non sono mai soddisfatto e sono curioso di sapere con chi suonerò la prossima volta. Sono anche curioso di vedere cosa produrrà la scena attuale.

R.G.: Hai qualche influenza artistica che non deriva strettamente dalla musica metal?
B.G.: Saresti sorpreso se vedessi quanto poco tempo dedico ad ascoltare ora la musica in una giornata. Non riesco a rilassarmi totalmente ascoltando dischi. La cosa che mi rilassa davvero e che mi ispira tantissimo per poter comporre è dipingere. E’ una cosa che mi svuota e pulisce la mente completamente. Magari è una risposta stramba, ma è proprio così!

R.G.: Grazie mille Bjorn per il tempo dedicatoci! E’ stato un piacere!
B.G.: E’ stato un piacere anche per me. Saluto tutti i lettori ed i nostri fan italiani!

Intervista ai Satanic Surfers

Ferragosto. Igea Marina. Riviera romagnola. Siamo alla seconda giornata del Bay Fest 2016 e ci prepariamo per un nuovo show all’insegna del punk rock, dove i protagonisti principali sono Derozer, Screeching Weasel e Satanic Surfers. E proprio questi ultimi, attraverso le parole del loro storico leader e cantante, Rodrigo Alfaro, ci hanno concesso un’intervista, nella quale ci hanno raccontato di questa reunion del gruppo svedese, ed anche dei loro futuri programmi.

R.G.: Ciao ragazzi e benvenuti su RockGarage! Pronti per stasera?
S.S.: Sì diciamo di sì, o meglio..quasi! (ridendo ndr)

R.G.: Come sta andando il tour? Immagino vi stiate divertendo!
S.S.: Sì il tour sta andando molto bene! Siamo stati in diversi festival in Europa e dopo questo in Italia andremo in Austria ed in Danimarca. E’ ovvio che ci stiamo divertendo!

R.G.: Com’è stato ritrovarsi assieme sul palco dopo diversi anni di inattività dei Satanic Surfers?
S.S.: Beh è stato assolutamente divertente, era una cosa alla quale ci pensavamo da tempo e siamo assolutamente contenti e soddisfatti di averla messa in atto, è bello!

R.G.: E com’è nata l’idea di questa reunion?
S.S.: Guarda sarò onesto: inizialmente l’idea di una reunion dei Satanic Surfers non faceva parte dei miei piani, o meglio, non era una delle mie principali priorità. Come sicuramente saprai, dal 2007 (anno dello scioglimento dei Satanic Surfers ndr) sono stato impegnato con altri progetti musicali. E’ successo poi che ci è arrivata un offerta per suonare in un festival in Canada, posto che per noi, per svariati motivi, è sempre stato speciale. Ne ho parlato con Magnus e con Fredrik, ed anche in loro notavo che c’era questa voglia, e di conseguenza…eccoci qui!

R.G.: Questa reunion è temporanea? O state pensando anche ad un nuovo disco?
S.S.: Guarda, al momento siamo concentrati esclusivamente sul fatto di volerci divertire suonando in questi festival. Ci siamo divertiti nelle precedenti date, sono certo che ci divertiremo stasera ed anche in quelle in programma. Le nostre porte sono aperte ad ogni decisione, non ci stiamo pensando più di tanto ad eventuali altri progetti, vogliamo divertirci, e poi in futuro chissà!

R.G.: Riguardo invece la vostra attuale line-up, è identica a quella di quanto pubblicaste “Taste The Poison”(ultimo disco della band, pubblicato nel 2005) eccetto per il batterista. C’è una motivazione precisa su questo?
S.S.: Robert (Samsonovitz, batterista in Taste The Poison ndr) non poteva perché aveva altri impegni in programma, così abbiamo dovuto cercare altre soluzioni. Ad ogni modo volevamo che ci fosse qualcuno della nostra cerchia di amicizie e Stefan (Larsson, attuale batterista ndr) lo è. Quindi abbiamo scelto lui, perché non solo è un ottimo batterista, ma soprattutto è un vecchio amico.

R.G.: Per stasera è facile immaginare una scaletta che ripercorra interamente la vostra carriera.
S.S.: Assolutamente, il nostro obiettivo è quello di fare un ottimo show, attraverso i nostri brani più conosciuti, ma anche quelli forse meno noti ai fans. Siamo convinti che ci divertiremo molto, sia noi che il pubblico.

R.G.: Se ti chiedessi qual è, secondo te, il miglior disco dei Satanic Surfers, quale sceglieresti?
S.S.: E’ molto difficile scegliere, perché ognuno di essi ha un valore, e sono speciali per diversi motivi. I primi hanno come caratteristica principale la loro innocenza, mentre quelli successivi hanno un valore per me più personale. Se proprio devo citarne uno allora ti dico Unconsciously Confined (pubblicato nel 2002 ndr) perché forse è quello che, più degli altri, è un insieme delle sensazioni che ti ho descritto poco fa.

R.G.: Grazie per l’intervista ragazzi, in bocca al lupo per stasera!
S.S.: Grazie a te! E ne approfittiamo per salutare i nostri fan italiani, siete sempre caldissimi e speciali!

Intervista agli A Perfect Day

Siamo a Roma. Edizione 2016 del Sonisphere e poco dopo lo show degli Anthrax, abbiamo incontro gli A Perfect Day, band capitanata da Andrea Cantarelli, già membro dei Labirynth. Andrea ed il resto del gruppo ci hanno raccontato del loro ultimo disco, The Defeaning Silence, ma anche delle loro sensazioni riguardo la loro esibizione avvenuta qualche ora prima, e tanto altro. Qui vi proponiamo la nostra chiacchierata.

R.G.: Ciao ragazzi e benvenuti su RockGarage, allora com’è andata? Divertiti?
A.P.D.: Ciao e grazie! Direi molto bene, è stato un bell’impatto!

R.G.: Domanda scontata ma doverosa: che sensazione avete provato a calcare il palco dove tra un po’ suoneranno gli Iron Maiden?
A.P.D.: E’ stato davvero bello, guarda, noi siamo arrivati già molto carichi, e la gente che era presente ha risposto bene, meglio di quanto c’aspettavamo, per questo ne siamo entusiasti. C’era già abbastanza pubblico alle 13:00 e fortunatamente c’è subito stato un bel coinvolgimento tra noi e loro. E’ stato bello!

R.G.: Quattro mesi fa è uscito il vostro disco “The Deafening Silence”, raccontateci un po’ com’è nato questo disco ed il messaggio che avete voluto mandare attraverso quest’album.
A.P.D.: Sì, il disco è uscito circa quattro mesi fa, ed è stato come un ripartire da dove eravamo rimasti, ovvero con la defezione di Roberto (Tiranti ndr), e quindi di un cantante ed un bassista. Sia con Marco che con Gigi ci conosciamo da tanti anni, e quindi ci siamo trovati, abbiamo buttato giù alcune idee e di conseguenza abbiamo iniziato a lavorare per svilupparle assieme, ed in maniera, come sempre, spontanea e naturale, è nato l’album. Secondo me non siamo ancora arrivati a raccontare ciò che davvero vogliamo, difatti stiamo già lavorando su nuove idee, ovviamente con un sacco di entusiasmo. Quindi vedremo.

R.G.: Che riscontri avete avuto? Le recensioni mi sembrano per la maggioranza positive.
A.P.D.: Sì il disco ha avuto parecchie recensioni positive. Noi le leggiamo con piacere, che siano positive o negative, perché riteniamo che l’opinione di chi ci ascolta e quindi di chi sta dall’altra parte sia preziosissima. D’altra parte però bisogna saper soppesare il tutto perché a volte puoi trovare dei riscontri troppo incoraggianti, o a volte non sono quelli che speravi. Alla fine la recensione è una cartina di tornasole per la band, perché si è a contatto con il proprio pubblico e con le loro opinioni.

R.G.: Quanto sono stati difficili i momenti successivi all’abbandono di Roberto Tiranti?
A.P.D.: Allora, il valore di Roberto non si discute. Ma che Marco sia più adatto a questo progetto è un verità importante. Quindi, come spesso si dice, ho cercato di trasformare un problema in una opportunità. La vera difficoltà quindi è stata quella di dover ricominciare da capo, ma il tutto, come ti dicevo prima, si è svolto in maniera serena e spontanea.

R.G.: Da più parti ho letto di nobili paragoni con gli Alter Bridge, la cosa vi fa piacere o vi lascia indifferenti?
A.P.D.: Premesso che gli Alter Bridge piacciono a tutti e quattro noi, non è che troviamo chissà quali elementi in comune. Certo, ci sono degli spunti che ad un primo ascolto potrebbero ricordare loro. Ognuno di noi ha le sue influenze musicali ovviamente ed è normale che queste vengano riversate all’interno del sound della nostra band. Io sono dell’idea che l’attenzione all’ascolto sia molto calata, ti spiego: negli anni 70-80 c’erano molte band che si assomigliavano tra loro più di quanto noi assomigliamo agli Alter Bridge, però a quei tempi la conoscenza approfondita di quel gruppo faceva emergere le differenze. Oggi invece se fai prog hai i Dream Theater come riferimento, se fai power gli Helloween, se fai alternative rock appunto gli Alter Bridge. Ovvio che ci fa piacere essere paragonati agli Alter Bridge, ma resta comunque frutto di un ascolto disattento.

R.G.: Se qualcuno che non vi conosce, vi chiedesse un vostro brano come sorta di presentazione, quale scegliereste?
A.P.D.: Domandona! Questa è davvero difficile! Verrebbe da dire l’intero nostro ultimo disco, che secondo noi è composto ancora da due anime, ma dovessi scegliere un brano direi In The Name Of God che è bello diretto. Ma anche Angel potrei dirti, che ha delle sonorità che sicuramente riprenderemo nel nostro prossimo lavoro. Direi che questi due pezzi rappresentano perfettamente le nostre due anime, poi in mezzo c’è tanto altro ovviamente.

R.G.: Come giudicate l’attuale movimento undergroud in Italia?
A.P.D.: Allora, che in Italia ci siano tantissime band che meritano è la verità. Ma è anche vero che ci sono molti gruppi che, ingenui o inconsapevoli, hanno troppa voglia di bruciare le tappe. Noi siamo cresciuti in un momento dove il disco era un obiettivo che dovevi raggiungere, il palco era un altro obiettivo che ti dovevi sudare, facendoti ore ed ore di sala prove per poi suonare in un pub davanti a gente che magari era lì per caso. Sono nell’ambiente da venticinque anni, quello che noto è che il talento non manca, quella che manca è la gavetta. E’ quella è necessaria quando poi ti ritrovi a suonare su quel palco (indicando lo stage del Sonisphere), perché l’esperienza è anche quella che ti fa andare avanti a suonare anche quando c’è un problema tecnico, come è accaduto oggi a noi riguardo il microfono di Marco. Il contesto in cui ci troviamo oggi, dà l’illusione di “arrivare” più velocemente, ma non è così.

R.G.: Come vi rapportate riguardo l’uso di internet per la vostra musica?
A.P.D.: Onestamente non siamo molto “tecnologici”, essendo un po’ vecchio stile, ma è una cosa che curiamo e cerchiamo di starci attenti. Internet è un’arma potentissima ma bisogna saperne fare un buon uso. Facciamo l’esempio di Spotify; lì senti qualcosa, ma non “ascolti”. Una volta si facevano le demo di cui ne stampavi tipo cinquanta copie, ora fai un video ed in un attimo hai migliaia di visualizzazioni. Le demos venivano ascoltate, i video semplicemente “cliccati”, è totalmente cambiato il modo di fruire la musica.

R.G.: Ragazzi, grazie dell’intervista ed in bocca al lupo per tutto!
A.P.D.: Grazie a te! A presto!

Intervista ai Punkreas

Chi sono i Punkreas lo sappiano. Ed abbiamo avuto modo già un anno fa di intervistarli. Anche quest’anno, in occasione del tour di supporto al disco Il Lato Ruvido ed attraverso la voce del chitarrista Noyse, abbiamo avuto il piacere di ascoltare le sensazioni riguardo al loro momento, quindi sul nuovo disco, sull’attuale tour e su qualche altro aneddoto. Tutto questo poche ore prima del loro ingresso sul palco del Carroponte di Sesto San Giovanni (MI). Ecco il resoconto di quest’intervista.

R.G.: Ciao Noyse, è un piacere ritrovarti. Allora, come sta andando il tour?
P.: Ciao! E’ un piacere anche per noi! Il tour sta andando benissimo, non ce lo aspettavamo neanche noi così! Questo tour è come una lunga onda che continua sin da quello dell’anno scorso, Paranoia Domestica Tour. Ci sentiamo come dei surfisti quando beccano l’onda giusta e non vogliono mai scendere! Siamo contentissimi, tant’è che pochi giorni fa la nostra agenzia c’ha comunicato che in una quindicina di date abbiamo superato le 30.000 presenze, cosa che credo non ci sia mai capitata. Siamo davvero contenti, considerato che siamo in un periodo dove il punk rock non è che vada per la maggiore. Sarà anche il fatto che il nostro nuovo disco, Il Lato Ruvido, è piaciuto molto, tant’è che anche nei nostri concerti vediamo l’entusiasmo della gente quando eseguiamo i nostri nuovi pezzi, come Salta o Il Lato Ruvido, ed a questo sinceramente non eravamo abituati, c’è sempre voluto un po’ di tempo prima che la gente assimilasse i nostri nuovi brani, ma in questo caso no e la cosa ci fa un immenso piacere.

R.G.: Parliamo appunto del nuovo album: raccontaci un po’ la genesi di questo vostro nuovo disco.
P.: Sì, guarda noi avevamo addosso tutto l’entusiasmo dell’ottimo tour dello scorso anno e questo ha contribuito a creare un’energia positiva sia all’interno della band che attorno alla band. Ed è stato abbastanza naturale riportare su disco tutte queste sensazioni positive. Quando abbiamo iniziato a scriverlo ci siamo posti un obiettivo comune impegnativo ed anche ambizioso, ovvero quello di cercar di recuperare l’attitudine che avevamo ai nostri esordi, quell’attitudine di pancia, aggressiva e molto istintiva, coniugandola però con tutta quella che è stata la nostra esperienza nel corso della nostra carriera. E ascoltando il disco sin dalle prime registrazioni ci siamo subito accorti di aver centrato l’obiettivo, innamorandocene fortemente.

R.G.: A me è piaciuto molto ed uno dei punti di forza è proprio quello che richiama un po’ le sonorità degli anni passati, siete d’accordo?
P.: Infatti! Il gioco è stato questo: fare un passo indietro per poi farne due in avanti. E’ stato anche per certi versi un po’ rischioso, perché quando hai dei presupposti così netti, c’è sempre il rischio di fare una cagata. Ma come ti dicevo prima, sin da subito siamo rimasti pienamente soddisfatti del risultato.

R.G.: Non solo voi direi, considerato che i pareri, compreso il nostro, sul vostro ultimo disco sono alla stragrande maggioranza positivi. Siete un gruppo che legge le recensioni generalmente?
P.: Sì le leggiamo e siamo contenti che la maggioranza abbia giudicato positivamente Il Lato Ruvido. C’è ne sono alcune che ti fanno particolarmente piacere, come ad esempio da parte de Il Manifesto o di Repubblica. Poi ne abbiamo avuto una molto bella e divertente da parte di Joxemi degli Ska-P.

R.G.: E’ il primo disco che componente assieme al nuovo chitarrista Andrea (storico fonico dei Punkreas), è cambiato qualcosa a livello compositivo rispetto a quando c’era Flaco?
P.: Come dice Paletta (bassista del gruppo ndr) abbiamo cambiato modulo passando dal 5-3-2 difensivo al 3-4-3 all’attacco!

R.G.: In questo disco, come in quelli passati, riuscite a raccontare in maniera netta, rivolgendovi a vecchie e nuove generazioni, il vostro punto di vista su vari aspetti. Quanto pensate sia importante che la musica sia ancora un mezzo utile per poter indurre la gente a pensare?
P.: Penso che la cosa fondamentale sia la coerenza e come Punkreas possiamo dire di essere sempre stati coerenti con noi stessi, dicendo chiaramente quello che pensiamo quando scriviamo i nostri pezzi. Noi non invitiamo nessuno a fare nulla, tutto quello che hai ascoltato di noi fino ad ora è il nostro pensiero. A noi fa immensamente piacere quando sentiamo che qualcuno, grazie a noi, ha ritrovato l’energia assistendo ai nostri concerti o ascoltando i nostri dischi

R.G.: Anche perché, da quello che ho notato nel corso degli anni, tramite le tematiche che raccontate, siete riusciti ad avvicinare anche chi magari è un po’ lontano dal genere che proponete, o sbaglio?
P.: Vero, perché penso che alla fine, tirar fuori il lato ruvido, incazzarsi, non dico che serva per forza a qualcosa in modo che le cose migliorino, ma sicuramente dopo stai meglio! Ad esempio nel nostro ultimo disco c’è un brano intitolato 800588605 (numero telefonico dell’A.C.A.D. – Associazione Contro gli Abusi in Divisa), come ben sai non è un argomento di interesse esclusivo per i punk rockers.

R.G.: Ho letto che il disco sta andando molto bene riguardo le vendite in vinile, immagino che da band non più giovanissima vi faccia piacere il ritorno del vinile.
P.: Certo! Siamo stati addirittura quinti in classifica e davanti ai Pooh, che dopo questa hanno pensato di smettere dato che avranno pensato che non potevano star dietro ai Punkreas! (ridendo ndr). Considerato il periodo generale del mercato discografico rimangono comunque dei numeri limitati, ma, ad ogni modo, quello del vinile, è un mercato in più per noi. E’ una bella sensazione perché chi compra il vinile è quello che, ai miei tempi, andava in negozio a comprare i vinili o i CD. Per noi quindi è stato un risultato assolutamente significativo.

R.G.: Ho letto che avete suonato con Dario Fo. Raccontateci un po’ quest’esperienza.
P.: (nel rispondere partecipa anche il cantante Cippa) Sì è successo tempo fa. Eravamo durante una rassegna a Vicenza per il “No-Dal Molin”. Dopo di noi, sul palco doveva salire Dario Fo che faceva un intervento dei suoi e voleva anche cantare un paio dei suoi pezzi. Non avendo degli accompagnatori musicali, era alla ricerca di un blues man, trovò il nostro tour manager di allora che mi vide ed indicandomi disse a Fo “Lui è un chitarrista blues! Uno dei migliori in Italia”, io ero abbastanza imbarazzato, scambiai con lui due chiacchiere e coinvolsi da subito il resto della band. Non avevamo preparato nulla, quindi, dopo qualche piccola indicazione di Fo, siamo saliti sul palco ed abbiamo suonato assieme. Andò da Dio! Lui ne fu molto entusiasta! E ridevamo del fatto che lui, rivolgendosi al pubblico, disse “Bravi questi ragazzi! Si chiamano Punkreas! Segnatevi il nome!”. Fu un’esperienza davvero bella e divertente, e rimasi anche colpito dall’incredibile energia di un’artista come Dario Fo.

R.G.: Da poco è uscito il 3° videoclip di un brano tratto dal vostro nuovo disco, ne avete in progetto altri?
P.: Guarda, talmente siamo entusiasti di questo disco che farei videoclip di tutti i pezzi! Non so dirti se, ed in caso, di quale altro brano realizzeremo un videoclip. Però posso dirti che, per la prima volta nella nostra storia, dal vivo faremo tutti i pezzi del disco appena uscito, ovviamente intervallati dai nostri grandi classici del passato. Nelle date precedente a quella di stasera abbiamo testato questa formula è la risposta è stata veramente notevole!

R.G.: C’è qualcosa che vorreste realizzare ma che per vari motivi non ci siete riusciti?
P.: Sì ci sarebbe piaciuto suonare molto di più all’estero. E’ una cosa su cui ci stiamo pensando ed anche lavorando. Vero che, cantando esclusivamente in italiano, siamo un po’ bloccati, ma per noi resta fondamentale scrivere in lingua madre viste le argomentazioni che portiamo e le conseguenti sfumature.

R.G.: Progetti una volta finito il tour?
P.: Guarda, ci stiamo talmente divertendo che ci godiamo appieno questo tour, senza pensar troppo al futuro. Ci sono in ballo alcune cosine divertenti, ma preferiamo lavorare sul concretizzarle prima di poterle svelare.

R.G.: Grazie per l’intervista Noyse!
P.: Grazie a te ed a RockGarage!

Conferenza stampa con i Destrage

I Destrage hanno presentato, nel corso di una press conference per la stampa specializzata, il nuovo album A Means To No End quasi con venti giorni di anticipo rispetto alla pubblicazione worldwide. Noi di RockGarage c’eravamo e abbiamo potuto testare le restanti 12 tracce non ancora svelate della release, oltre al singolo Symphony Of The Ego già diffuso da tempo tramite un lyric video sul web. Prima che la band facesse il suo ingresso i giornalisti hanno potuto infatti ascoltare per intero l’album, una sessione che ci ha presentato un’uscita foriera di creatività, in coerenza con il loro percorso sebben con gli angoli molto più smussati rispetto al passato. Sarà il maggior respiro internazionale che la band ha raggiunto oggi o un semplice processo di avvicinamento ad una discreta maturità, eppure stilisticamente A Menas To No End non ha timore di celare aperture, ambientazioni particolari e meno overdose da tecnicismi. Le “esasperazioni”, se così possiamo chiamarle, a cui ci avevano abituati nei precedenti lavori sono inferiori e l’album non nasconde melodie che restano impresse e che fanno tirare il fiato. Il tutto, sia chiaro, senza rinunciare ad alcuni riff in your face, marchio di fabbrica Destrage.

I ragazzi hanno fatto il loro ingresso in sala e la conferenza si è tramutata presto in una chiacchierata con i presenti. Hanno confermato che nell’album vi sono diverse influenze e che alcune tracce rappresentano una scoperta nuova del sound Destrage. Sono passati diversi anni e loro si sentono cresciuti, hanno detto: “mentre nel precedente album vi era molta più voglia di dimostrare, qui invece c’è molta più voglia di regalare“. Oggi i ragazzi hanno superato la soglia dei 30 anni d’età e si sentono decisamente più maturi rispetto agli esordi. L’album è anche forte di significati pure non essendo un concept album: “A Means To No End significa un mezzo senza un fine e nell’album vi è anche una traccia Ending To A Means che vuol dire la fine dei mezzi” hanno detto. A livello compositivo i Destrage ammettono che le influenze arrivano anche da un approccio live: “La scena musicale sostenuta solo da musicisti ha le gambe corte” ha dichiarato il singer Paolo Colavolpe, riferendosi a band molto più tecniche ma che in sede live non riescono a creare quel contatto con il pubblico; “Non è stato semplice registrare questo album però questo è un disco molto più live degli altri ovvero le canzoni si suonano meglio, in modo più spontaneo, pur avendo parti tecniche difficili“.

Nonostante ciò i Destrage ammettono che non c’è stata una vera ricerca di comporre un singolo: “l’idea è stata abbandonata già dal precedente album, perché in passato ci accorgevamo che più si cercava di fare un singolo e più non si riusciva ad arrivare nemmeno in pre-produzione. Nessun tentativo di risultare più accessibili, è piuttosto un effetto ma non una ricerca voluta“. L’approccio seguito nell’ideazione dei brani “è stato quella di allontanarsi da produzioni iper tecniche ma avvicinarsi ad un’attitudine di band in stile Mastodon, Kvelertak…” band più umane, più sporche e meno cervellotiche. Un altro obiettivo comunque seguito è stato quello di creare un sound che fosse riconosciuto dai fan e dagli ascoltatori in generale. Molto si è discusso insieme alla band sulle tracce significative dell’album e non tutti erano d’accordo, segno che A Means To No End è un album comunque variegato e che difficilmente troverà parere unanime tra fan e critica.

Infine è stato raccontato l’artwork dell’album. Inizialmente la band aveva pensato ad una foto di una bambina viva con delle monete appoggiate sugli occhi, usanza che richiamava il pagamento a Caronte per traghettare le anime nel regno dei morti. Poi è stato dato il lavoro all’artista Eva Bowan che ha pensato ad una bambina con delle farfalle appoggiate sugli occhi, farfalle che hanno un significato importante anche per la band e questo ha contribuito all’approvazione del lavoro grafico. Un lavoro quindi emotivo ma anche concettuale, che il mondo scoprirà solo il 21 ottobre 2016.

Evento del 3 ottobre 2016