Intervista ai Gecofish

È tardo pomeriggio e ci troviamo all’Arci Area di Carugate (MI), a farci compagnia ci sono i Gecofish, band originaria di Cantù che, a poche ore dal suo concerto, ci ha concesso un’intervista. Tra un sorso di prosecco e l’altro, hanno risposto così alle nostre domande.

R.G.: Ciao ragazzi e benvenuti su RockGarage! Raccontateci un po’ il vostro progetto.
G.: Ciao e grazie! Che dire, noi siamo i Gecofish, ci definiamo un power-trio, esistiamo dal 2012 e all’attivo abbiamo un album, Nonostante Tutto, uscito un paio di anni fa e lo scorso febbraio abbiamo pubblicato un nuovo EP, intitolato Motivi Per Uscire.

R.G.: Ed a proposito dell’EP, volete raccontarci un po’ la genesi di questo lavoro?
G.: L’EP è composto da 4 pezzi, 3 nostri ed una cover che è Una Giornata Uggiosa di Lucio Battisti.

R.G.: Come mai avete optato per un EP?
G.: E’ stata più che altro una scelta dovuta al fatto di poter proporre qualcosa di nuovo in ambito live, tenendo conto che al giorno d’oggi, almeno per noi, ma pensiamo anche in generale, l’aspetto live sia prioritario.

R.G.: Poco fa avete citato Una Giornata Uggiosa di Lucio Battisti, come mai avete scelto di inserire questo brano nell’EP?
G.: E’ un pezzo che facevamo live anche prima dell’uscita dell’EP e, sembrerà una battuta, la facevamo anche per allungare i nostri live! Che poi, noi siamo anche abbastanza contro le cover in generale, ma su questo brano ci siamo trovati tutti d’accordo. Aggiungici che quest’anno è il ventennale della morte di Lucio Battisti, quindi abbiamo pensato che fosse quasi doveroso omaggiarlo inserendo un suo brano nel nostro disco.

R.G.: Quali sono le vostre influenze musicali?
G.: Tutti e tre abbiamo diverse influenze musicali, che poi forse è un bene per il gruppo. C’è chi è cresciuto con Nirvana, Verdena e alternative italiana e c’è chi, influenzato dai genitori, è cresciuto con il prog rock. Attualmente invece ascoltiamo parecchia musica italiana.

R.G.: Prima accennavate al discorso dell’attività live: a questo proposito che idee vi siete fatti riguardo l’attuale situazione generale e i vari aspetti che può trovare una band underground nel cercar spazi, visibilità eccetera?
G.: Per quanto ci riguarda noi non possiamo lamentarci, visto che abbiamo in programma diversi concerti. Siamo dell’idea che se una band, un artista si fa il mazzo, i risultati arrivano, ma tutto deve partire dalle band o dagli artisti. Perché se poi non ci si impegna, sia nella fase di realizzazione di un disco, sia nel cercare date come si dice, diventa troppo facile poi lamentarsi. Fortunatamente noi non siamo così. Difatti lo scorso anno abbiamo fatto circa 70 concerti. Anni fa, quando avevamo qualche anno in meno, meno contatti, e perché no, meno soldi da investire, per suonare non uscivamo dalla provincia di Como. Con impegni, sforzi, sacrifici possiamo tranquillamente dire che dei risultati li abbiamo ottenuti.

R.G.: Avete molte date in programma, in questo periodo continuate a scrivere o vi dedicate esclusivamente ai concerti?
G.: Ora siamo presissimi dai live! Anzi, in realtà facciamo fatica anche a trovarci per provare!

R.G.: Se doveste descrivervi attraverso una vostra canzone, quale scegliereste?
G.: Domanda molto difficile…forse Perditi, io che scrivo tutti i testi (parla Vittorio Massa ndr) le sceglierei tutte in egual maniera.

R.G.: Vi siete posti degli obiettivi?
G.: Il vero obiettivo resta sempre quello di divertirci e soprattutto di migliorarci, poi non siamo persone che si pongono delle scadenze, vedremo passo dopo passo, però…ma sì, diventare milionari con la musica ecco! (risate).

R.G.: Ve lo auguriamo ovviamente! Intanto grazie per l’intervista e in bocca al lupo per stasera!
G.: Grazie a te e a RockGarage! Seguiteci sulla nostra pagina Facebook dove potrete leggere le nostre prossime date e venite ai concerti!

Intervista agli Highly Suspect

Tra i nomi più fortunati del rock di questi ultimi anni spicca quello degli statunitensi Highly Suspect: due album pubblicati e ben tre nomination ai Grammy’s. Il giovane trio dedito ad un sound alternative moderno è stato di recente in tour qui in Europa e in occasione del loro esordio live in Italia abbiamo incontrato il batterista Ryan Meyer. Così il backstage dell’Alcatraz di Milano ci ha ospitati per saperne di più della band e del successo ottenuto, questo è ciò che abbiamo avuto modo di scoprire.

R.G.: Ciao Ryan! Questo vostro primo, vero, tour europeo sta giungendo al termine, sono rimaste poche date ormai in programma quindi sarebbe già possibile tirare le somme. Siete soddisfatti del risultato ottenuto?
R.M.: Sì, siamo assolutamente soddisfatti. È la prima volta che abbiamo un tour bus, quindi sì, non è stata proprio la nostra prima volta qui in Europa ma di sicuro il più grande tour europeo al momento. Abbiamo visitato la Repubblica Ceca, siamo qui in Italia per la prima volta e abbiamo suonato più date in Germania. Come dicevo qui in Europa avevamo già suonato, infatti ieri abbiamo suonato a Monaco di Baviera nella stessa location della scorsa volta. Non è andata affatto male!

R.G.: L’intento di questo tour era di farvi conoscere meglio dal pubblico europeo o mi sbaglio? Quindi come mai avete scelto di intraprendere questo viaggio da headliner? Sarebbe stata una decisione più conveniente essere in tour come supporto per una band maggiore, non credi?
R.M.: Noi preferiamo essere headliner, forse per una questione di abitudine. Lo siamo stati per diversi anni negli Stati Uniti, anche perché io adoro creare una sorta di community con i fan, quindi questa scelta prevede un lavoro maggiore ma a lungo andare queste persone hanno la possibilità di relazionarsi al meglio con noi avendo la possibilità di vederci suonare in piccoli club. Dico, tipicamente i piccoli club permettono più contatto tra fan e artisti, diamo loro la possibilità di vederci chiaramente, di sentire il nostro sudore, le nostre espressioni mentre suoniamo. Altre band prediligono la strada più semplice, quindi acquistano subito visibilità, grazie anche solo ad un tour di supporto a band più grandi, suonando in arene ma non pensano al contatto con il pubblico perché si tratta di ambienti dispersivi. Per questo ti dicevo che è la strada più faticosa quella da noi scelta ma vorremmo creare una vera e propria famiglia dove saremo sicuri di poter sempre tornare.

R.G.: Secondo te, esistono delle forti differenze tra il pubblico americano e quello europeo?
R.M.: Sì, assolutamente. Le differenze sono numerose come per esempio la cultura del bere qui in Europa e nel Regno Unito, la gente beve in maniera diversa in America, oppure la personalità data da un diverso sistema di studio, le tradizioni sono diverse. Come dicevo per la tradizione del bere, in Inghilterra cantano tutti a squarciagola bevendo tanta birra, è un party e tutti cantano insieme. Qui in Europa durante i concerti il pubblico non vede l’ora di cantare le nostre canzoni, conosce i nostri testi e canta insieme a noi ed è una bellissima sensazione sentire la platea così rumorosa che quasi non ci sia bisogno di dover cantare sul palco. Diciamo in via generale la gente qui in Europa tende a godersi maggiormente il concerto. Diversamente l’America sembra sia più che satura: la TV è di buona qualità, tantissimi film, tantissima musica, l’America è la casa dell’intrattenimento, quindi il pubblico si gode il concerto ma alle volte è come se stesse vedendo un film più che un concerto e questa è una sensazione che non ho mai avvertito qui in Europa! Con ciò non vorrei dire che il pubblico europeo sia migliore di quello americano, semplicemente sono diversi. Alle volte il pubblico americano diciamo che fa più attenzione a ciò che sta succedendo sul palco e non si lascia trasportare dalla musica e fare casino. Sai, la nostra musica è capace di creare casino nel pubblico, quindi non lasciandosi trasportare da essa fanno in modo che l’energia si disperda e ciò rende più duro il nostro lavoro per riportarla su affinché si possa avere un pubblico che simuli di suonare la chitarra mentre noi suoniamo. In fondo it’s fucking rock’n’roll man!

R.G.: “Mr. Asylum” e “The Boy Who Died Wolf”, due album così diversi tra loro: il primo molto più hard rock, mentre il secondo un po’ più melodico, con qualche inserto di elettronica…
R.M.: Sì vero, sono diversi ma per molti punti il secondo risulta più soft mentre in altri è più pesante come per esempio nel contenuto delle liriche. Il primo è più hard rock perché quando lo abbiamo scritto vivevamo tutti a New York, eravamo giovani, carichi di rabbia, sotto pressione, così abbiamo deciso di seguire i nostri istinti e sfogarli sotto forma di musica. Ora siamo persone diverse, stiamo cambiando, veniamo influenzati da cose diverse e vogliamo essere onesti con la nostra musica.

R.G.: Ma nonostante queste differenze sono stati due grandi successi che vi hanno portato ad essere ben tre volte nominati per i Grammy’s… Quindi quale credi sia la formula del vostro successo?
R.M.: (ride, ndr) Credo che il successo sia dato dalla combinazione data dalla fortuna e tanto duro lavoro, se tu sei fortunato la gente apprezza la tua musica e se lavori duramente allora la tua musica continuerà ad essere apprezzata. Se tu non dovessi avere entrambe queste cose allora non potrai mai raggiungere il successo. Come ti dicevo prima, noi vogliamo essere onesti con la nostra musica quindi non partiamo dall’idea di dover creare qualcosa che dovrà essere suonata in tutte le radio, quindi realizzato per essere diffuso, bensì qualcosa che venga fuori dal cuore e che possa colpire le persone, che si avvicini a loro, qualcosa in cui possano rispecchiarsi. Il mix perfetto sarebbe quindi una canzone che risulti pop ma che nasca dal cuore. Come concetto è molto simile a quello di un pittore che deve realizzare un dipinto per se stesso oppure un dipinto su commissione.

R.G.: Quindi cosa dovremmo aspettarci dal vostro terzo album?
R.M.: Non lo sappiamo nemmeno noi ancora, abbiamo iniziato a scrivere della nuova musica, io ho qualche mia idea ma ancora nulla di definito. Ci lavoreremo su ma non abbiamo intenzione di darci una deadline perché lo abbiamo fatto già per il secondo disco ed è stato molto duro per noi, abbiamo sopportato un periodo veramente stressante. Abbiamo sentito troppo la pressione delle scadenze ed è una cosa che non vorremmo più, è stato realmente troppo per noi e questa volta vorremmo goderci il processo di creazione dell’album affinché al momento dell’ascolto tutti potranno avvertire quanto ci siamo divertiti a comporlo.

R.G.: Forse è anche per questo motivo che avete deciso di non essere sotto contratto con una major ?
R.M.: Credo che abbiamo fatto la scelta ottimale per l’etichetta, o meglio credo che sia quella ideale per noi. Musicisti che lavorano per etichette più grandi spesso riscontrano problemi di comunicazione con la loro etichetta, mentre essere sotto contratto con una label indipendente è diverso. Abbiamo la vita più semplice, per esempio ora davanti a te potrei mandare un messaggio al capo della mia, che è un uomo molto potente, quindi ho la possibilità di comunicare direttamente con lui e la mia richiesta si avvererebbe in un istante. Credo che la vivrei in maniera molto negativa se non potessi comunicare direttamente con la persona per cui lavoro.

R.G.: Come avviene la fase di scrittura di un vostro disco?
R.M.: Non esiste una fase del genere! Non esiste un vero e proprio momento in cui pensiamo tutti insieme come dovrebbe essere il nostro disco, quello che facciamo è… Sbronzarci e basta! (ride, ndr) Praticamente raccogliamo le idee mentre ci divertiamo, nel corso dei nostri party, suoniamo tutti insieme e poi il giorno dopo, a mente lucida riascoltiamo cosa abbiamo registrato e spesso ritroviamo ottimi spunti per quanto riguarda i riff da usare, sì magari suonati male ma si tratta comunque di qualcosa su cui poter iniziare a lavorare. Così facciamo praticamente uscire i nostri istinti più puri e cerchiamo poi di dargli un senso compiuto.

R.G.: Credo che sia molto strano come concetto, lontano magari da quello di essere veri e propri musicisti ma bensì semplicemente tre amici a cui piace suonare insieme…
R.M.: Ma non è proprio così che si possa definire una band!?! Noi abbiamo vissuto insieme per 12 anni, siamo amici, fratelli, come lo sono alcune tra le più grandi band al mondo, prendi per esempio i The Rolling Stones, anche loro hanno vissuto insieme.

R.G.: So che siete stati a Bogotà, in Colombia, per registrare il vostro secondo album, come mai avete scelto proprio questa nazione?
R.M.: Avevamo la possibilità di registrarlo lì, quindi perché non farlo?!? Tutto è nato perché il nostro produttore Joel Hamilton ha lavorato soprattutto lì negli ultimi dieci anni, quindi noi conoscevamo già tutti lì, conoscevamo lo studio, gli ingegneri del suono, l’equipment ed era un posto adorabile. Bogotà è una città magica, dove tutto ciò che potresti immaginare si avvera, è una cosa difficile da spiegare ma se tu andassi a visitare la città percepiresti questa sensazione, lì accadono le cose più pazze che tu possa immaginare. È stato un periodo molto intenso per noi, ho suonato la batteria per otto ore al giorno fino a rimanere senza ossigeno, nel frattempo abbiamo imparato anche lo spagnolo andando così in giro per la città e ogni tanto, nei days off ci siamo anche divertiti. Prima che partissimo per Bogotà credevamo che avremmo avuto molto più tempo per poterci divertire, in realtà è andata diversamente, anche perché si tratta di una città molto pericolosa e anche quando uscivamo a bere qualcosa avevamo sempre la nostra sicurezza con noi che si metteva in un angolino a controllare l’ambiente. Sai, in Colombia sono molto frequenti i sequestri di persona, vieni preso con la forza, portato su un furgone e viene subito richiesto il riscatto alla tua etichetta di quarantamila dollari, se l’etichetta paga tu vieni rilasciato, si tratterà anche una piccola cifra per noi ma non lo è per chi vive in Colombia. Quindi tra i pericoli e il tanto lavoro da svolgere non abbiamo avuto modo di girare così tanto, abbiamo più che altro lavorato. Dopotutto credo sia stata la scelta migliore per noi, se fossimo rimasti a Los Angeles avremmo preso le cose con molta più calma, avremmo avuto priorità diverse rispetto al disco, mentre noi dovevamo essere concentrati sul nostro lavoro. (ride, ndr) Non pensavamo fosse così prima di partire, credevamo che ci sarebbe stato molto divertimento in Sud America, spero di poterci rifare suonando al Lollapalooza Festival, anche perché i rocker colombiani sono molto fieri di averci ospitati per le registrazioni del disco, quindi spero che avremo l’occasione di essere su quel palco, questo ci aiuterebbe sicuramente per quanto riguarda il mercato discografico nel Sud America. Nonostante ci sia stato poco divertimento per noi, abbiamo viaggiato e conosciuto culture e tradizioni differenti e questo credo che sia il senso di viaggiare, ciò che indelebilmente ti fa crescere come persona.

R.G.: Quali sono quindi i piani futuri che vi attenderanno?
R.M.: Molto semplicemente ci dedicheremo al prossimo disco ma non aspettatevi nulla di così vicino nel tempo, ci piacerebbe suonare a qualche festival europeo ma al momento non abbiamo ancora ricevuto offerte per questo. Quando torneremo a Los Angeles ci dedicheremo alla scrittura del disco che è una delle parti che io preferisco, gli show sono fantastici ma in studio è diverso. In studio scavi dentro di te scoprendo aspetti della tua persona che non conoscevi prima, sei creativo. Credo che abbiamo bisogno di entrambe le cose ma la fase creativa non arriva così spesso come quella on the road e quando arriva sono più eccitato di quando mi capita di realizzare uno degli show più adrenalinici.

R.G.: Ok grazie Ryan!
R.M.: Grazie a voi di RockGarage!

Intervista ai Punkreas

Sin dai loro esordi, nel lontano 1990, i Punkreas si sono contraddistinti come una delle band più importanti della scena punk italiana. Ora di certo sono uno dei gruppi riconosciuti come capostipiti e tra i leader indiscussi del genere. Abbiamo incontrato tre di loro nella sala prove che hanno nella provincia di Milano. Paletta (basso), Noyse (chitarra) e Gagno (batteria) si sono concessi ai nostri microfoni. Sentiamo cosa ci hanno detto

R.G.: Buongiorno ragazzi e grazie per la disponibilità nel concederci questa intervista. Partiamo subito parlando del vostro ultimo lavoro, “In Equilibrio”, (che uscirà il 23 marzo, ndr). Si tratta di un EP e non di un full length. Come è maturata questa decisione?
N.: L’idea è venuta alla nostra etichetta, Garrincha, in quanto in questo particolare periodo storico, il periodo del digitale, pare che la soglia di attenzione media verso i dischi sia molto bassa e con la presenza delle playlist, degli skip ed affini, le release vengono bruciate molto velocemente, non come quelli della nostra generazione che amavano avere il supporto fisico intero. Addirittura la casa discografica voleva realizzare solo singoli e poi alla fine fare uscire l’album nella sua interezza. Abbiamo trovato una via di mezzo tra il modo di intendere la musica della nostra generazione e il periodo attuale, decidendo per l’EP. Questa è una delle ragioni ma non solo: questa forma di pubblicazione è idonea alle canzoni che abbiamo composto, che per noi rappresentano tutte una sorta di piccolo percorso e pubblicarle a puntate farà rivivere all’ascoltatore proprio questa sorta di cammino. La prima parte che si intitolerà In Equilibrio rispecchia il periodo storico che stiamo vivendo. Infatti sotto vari punti di vista ci troviamo tutti in un equilibrio precario. Economico in primis: il sistema liberista sta mostrando di essere alla corda, la famosa mano invisibile che doveva distribuire ricchezze a tutti già non funziona più ed è un riferimento che sta cadendo. Stessa cosa per i vecchi pensieri politco-ideologici che sembra non riescano più ad interpretare la realtà e si trovano perciò in grande crisi. Allora abbiamo deciso di eseguire un’analisi, di affrontare un percorso di autocoscienza in quanto c’è bisogno di trovare strade nuove, risposte nuove e strategie nuove. Il tutto si sviluppa su tre domande: cosa eravamo, cosa siamo oggi e cosa vogliamo essere in futuro. Questo è il percorso che affrontiamo nelle nostre canzoni. Un percorso che parte dal soggettivo per andare al collettivo, perchè prima o poi tutti dovremo intraprendere un cammino di analisi della situazione.

R.G.: Ci troveremo quindi di fronte ad un lavoro in stile prettamente Punkreas classico o saranno presenti elementi di innovazione nel sound? O quantomeno alcune caratteristiche che si discostano dal vostro stile identificativo?
N.: Come dicevo, si tratta di un percorso. Quindi nel primo EP ci troveremo davanti ad un sound molto classico, non esattamente uguale ad alcuni nostri dischi ma partendo dall’idea iniziata con Il Lato Ruvido (ultimo lavoro della band,del 2016, ndr) dove siamo riusciti a recuperare un modo di scrivere le canzoni che era presente agli esordi, connotato dall’entusiasmo che c’è all’interno ed attorno alla band, coniugandolo con tutta l’esperienza artistica che ci ha accompagnati durante questi anni. Nel secondo EP ci saranno delle soluzioni un po’ più varie ed azzardate.
P.: Anche se comunque rimarrà chiaro all’ascolto che si tratta di noi perchè il tessuto del sound non verrà stravolto.
N.: Lavorando con Olly (Riva, leader degli Shandon, ndr) nella veste di produttore è stato lui a fare da custode all’essenza Punkreas quasi più di noi stessi. Infatti mentre noi tentavamo alcune strade lui, conoscendoci benissimo, ci sconsigliava di intraprenderle. E’ per questo che ti dico che, anche negli esperimenti musicali che abbiamo intrapreso, il nostro sound classico è rimasto presente senza essere stravolto.

R.G.: Visto che hai parlato di questo, vi faccio la domanda in maniera generale. Come è stato lavorare con Olly in veste di produttore?
N.: Lavorare con lui è stato meraviglioso ed è stata una sorpresa annunciata. Ci conosciamo da anni ed un paio di volte si era parlato di fare un disco insieme. Non so perchè, ma penso sia molto umano, avere l’idea che per fare la produzione perfetta sia necessario faticare e cercare soluzioni lontane quando in realtà avevamo la soluzione in casa e sotto il naso. La soluzione migliore era proprio quella di avere un eccellente produttore che è cresciuto con noi e ci conosce alla perfezione.
P.: L’apporto di Olly è stato fondamentale per limare alcuni aspetti che emergono quando si fanno le cose da soli, dove si tende a mettere dentro un po’ tutto e sembra vada tutto bene. Lui è riuscito a vedere sfaccettature che a noi dall’interno sfuggivano.
N.: E’ abbastanza naturale che quando si inizia a comporre una canzone si trovano soluzioni a cui ci si affeziona semplicemente perchè le hai sentite talmente tante volte che ti sembra impossibile ci siano altre strade da percorrere. Per questo è importante che ci sia un orecchio vergine a vigilare ed Olly, oltre ad avere svolto questa funzione, ha anche il pregio di conoscerci in maniera perfetta.

R.G.: Parliamo dell’artwork. Come avete scelto la cover del disco?
N.: La copertina è un lavoro sviluppato da Cippa (cantante della band, ndr) e da Marcello di Myoopia, il nostro grafico (anche batterista dei Black Banana, ndr). Anche qui, essendo un percorso a tappe, stanno uscendo diverse grafiche: una per ogni canzone. Poi c’è la copertina del primo EP,una mano aperta con dei fili annodati alle dita, che tengono in equilibrio…vedremo cosa in futuro perchè anche qui le copertine saranno divise ma collegate tra loro.
P.: E’ la prima volta che usiamo così tante grafiche per ogni cosa che facciamo. Tutte collegate tra loro che andranno a comporre un artwork che farà da copertina globale al lavoro.
N.: Al momento non vogliamo svelare nulla sull’artwork complessivo finale.

R.G.: Come sono andate le vostre recenti date all’estero?
P.: Benissimo. E’ stata un’esperienza fantastica. Primo perchè sono state le prime date fuori dall’Italia che abbiamo fatto. Avevamo organizzato anni fa una mini tournèe in Germania ma era stata una cosa molto raffazzonata mentre in questo caso è stato strutturato il tutto in maniera professionale, in tre città importanti come Londra, Amsterdam e Bruxelles. E’ stato bellissimo, a partire dal viaggio in furgone da Parabiago a Londra fino alle tre date che sono state completamente sold out. A Londra la maggior parte del pubblico era italiana mentre nelle altre due location c’era pubblico del luogo. La sensazione piacevole di Londra è stato ritrovare gente che ci veniva a vedere agli inizi nei centri sociali e che poi si è traferita lì e si è trovata i Punkreas a casa loro. Si sono precipitati a vederci ed infatti i biglietti sono andati esauriti in una settimana.
N.: La sensazione è stata come quella che prova un bambino quando riceve finalmente il giocattolo che desiderava da una vita. C’è un bel video che documenta il tutto e che trovate su internet che fotografa in maniera perfetta l’atmosfera e le sensazioni provate.
P.: Un’esperienza sicuramente da ripetere, includendo la Spagna, dopo le date italiane che faremo a supporto del nuovo lavoro.

R.G.: Ed invece essere la band spalla principale degli Offspring a Barolo? (27 luglio 2017, ndr)
P.: Anche quella è stata un’esperienza entusiasmante. Abbiamo fatto un sacco di festival ed aperto ad un sacco di band: Rage Against The Machine,Primus,Metallica, Nofx,Sex Pistols…ma la caratteristica principale è che qui aprivamo effettivamente lo show agli Offspring, a differenza dei festival passati in cui suonavamo a metà pomeriggio. Sono una sensazione ed un clima completamente diversi. E vedere tutte quelle persone che conoscevano le nostre canzoni benissimo…
G.: E’ stato bello anche dopo il concerto parlare con gli organizzatori e ricevere i complimenti per l’educazione mostrata dal nostro pubblico, visto che a Barolo era la prima volta che avevano esperienze con il punk.

R.G.: C’è stata e c’è una scena punk italiana, intesa come un insieme di gruppi coesi che portano avanti un discorso musicale, oppure ognuno va per i fatti suoi con episodi di invidie e rivalità?
N.: Sarò molto sincero: a metà anni ’90 la scena in Italia ha avuto il suo momento d’oro sulla scia dell’esplosione del punk californiano a livello internazionale. In quel momento tutti suonavano punk. Quando abbiamo iniziato noi, in un periodo in cui tirava moltissimo il metal, eravamo in pochi a cimentarci con questo genere. Quando poi tutto è imploso, le band che sono rimaste sono proprio quelle che avevano iniziato. Perché i presupposti sono sempre stati fare qualcosa che ti piaceva e ti piace, divertendosi e potendo dire quello che si voleva nel modo e nei toni giusti. Quelli che sono arrivati con l’ondata di successo sono partiti con basi poco solide, con il ragionamento del: “Funziona, facciamolo”. Come quelli che partono ora dal web, pensando ai like, alle visualizzazioni, con un’idea di marketing che viene prima della musica. Devo dire che quella scena era molto forte. Purtroppo moltissime band non hanno capito l’importanza della coesione tra musicisti, cosa che è fondamentale perché se ci sono uno o due gruppi leader che trascinano tutto, di conseguenza ne guadagnano anche gli altri. Quello che appunto si intende come scena in ambito musicale. Cosa che, invece, è stata capita alla perfezione dai nostri artisti rap. La dispersione di tutto è dovuta ai motivi che ti ho elencato sopra. Non c’è stata capacità di fare rete e connessione tra i gruppi seminali e quelli nuovi. A quei tempi chi riscuoteva un minimo di successo si trincerava a difendere il proprio orto. L’unica scena, se così la si può definire, è quella accomunata dal discorso politico che travalica i generi che vede oltre a noi, i Derozer nel punk ed i 99 Posse, i Modena City Ramblers e gli Africa Unite per quanto concerne altri generi.

P.: C’è da dire che sono venuti a mancare anche molti posti dove fare concerti, con la chiusura di moltissimi centri sociali dove si poteva suonare.
N.: Venuti a mancare perché poi è venuto a mancare il capitale umano, nel senso che moltissima gente ha smesso di andare a vedere i live.

R.G.: Partecipereste mai al Festival di Sanremo come concorrenti?
N.: Lui no (indicando Paletta, ndr) io sì.
P.: Dipende da come lo faresti. Ci vogliono i presupposti e l’atmosfera giusta.
N.: A parte tutto, è un discorso complicato da affrontare. Molte persone si identificano in quello che sono i Punkreas e sicuramente non capirebbero questo tipo di scelta. Chi si identifica in noi è quel tipo di persone che si sente emarginato dalla comunità in cui vive e che ha un tipo di pensiero diverso dal cosiddetto mainstream. Per cui vederci a Sanremo sicuramente rappresenterebbe qualcosa che non fa parte di quel mondo. Io farei il Festival solo se avessimo le idee, la canzone e la forza per sovradeterminare Sanremo. E questo non potrebbe mai accadere. Ed è anche il motivo per cui noi non abbiamo mai firmato direttamente con una major. Se non possiamo esprimere liberamente le nostre idee ed essere noi stessi, è inutile fare le cose. Ed il rischio sarebbe comunque quello di essere fatti passare per delle macchiette, cosa che poi farebbe il gioco degli organizzatori senza che arrivi completamente il messaggio che si vuole lanciare.

R.G.: E’ lo stesso motivo per cui rifiutaste il Festivalbar?
N.: Esattamente. Al Festivalbar declinammo, oltre che per questo motivo, per il fatto che tutto veniva registrato. E quindi avrebbero tagliato ed editato qualsiasi cosa non fosse stata in linea con l’editore, se l’avessimo fatta.

R.G.: E se vi venisse offerto di fare il giudice ad un talent? Visto che ormai va di moda prendere personaggi che non fanno propriamente parte del mercato musicale mainstream?
P.: I talent sono la rovina della musica, sono dei distruttori di talento e non creano niente, se non illusioni assolute in chi vi partecipa.
N.: Completamente d’accordo con Paletta. Il problema è anche nel pubblico che alimenta questi show. I talent esistono perché c’è una generazione che li guarda ed ha abbandonato l’interesse nello spulciare l’underground per trovare materiale valido. Queste persone non vanno nemmeno ai concerti.

R.G.: E’ uscita la notizia che chiuderà l’ultima fabbrica di CD nel mondo. Mentre c’è un ritorno prepotente del vinile nell’epoca in cui la musica è per la maggior parte fruita in streaming e senza supporti. Insomma, anche qui c’è uno squilibrio, se vogliamo ricollegarci alle tematiche che affronterete nel vostro nuovo EP. Il CD, che 30 anni fa era presentato come il futuro della musica, ora nell’era ipertecnologica è stato surclassato dal vinile, di cui doveva essere l’assassino.
N.: Il problema principale è che sono scomparsi i supporti! (risate,nda) Nel senso che se prima un supporto fisico ne sostituiva un altro, ora invece si sostituiscono tra loro cose intangibili. E allora chi è della vecchia generazione deve aggrapparsi a qualcosa di fisico che ora è rappresentato dal vinile.
P.: La cosa più sconcertante è che la tecnologia ha abbreviato la vita media di ogni tipo di supporto, fino a farlo completamente sparire.
N.: E questo è il motivo per cui sono entrate in crisi le case discografiche. Non vendendo più dischi, non investono nemmeno più per produrli come prima. E per risparmiare hanno quasi totalmente eliminato i costi di realizzazione dei supporti. E’ una cosa che riguarda tutti quanti, nel senso che anche i grandi nomi si sono visti le vendite dei supporti veri e propri più che dimezzate.

R.G.: E qui entra in gioco l’importanza del live come fonte di guadagno.
N.: Assolutamente. E’ parossistico ma la dimensione live ci ha guadagnato. Perché un artista fake che vendeva tanto e che prima poteva permettersi di non esibirsi, ora è costretto a farlo. E quindi la qualità dei concerti dal vivo è notevolmente migliorata.

R.G.: Ascoltate qualcosa che esula dal vostro genere o comunque in generale dal rock?
P.: Devo dire che ascolto molto reggae.
N.: Io se non c’è una chitarra elettrica divento insofferente. L’unico ascolto al di fuori del genere è Caparezza.
G.: No. Ma mi spiace non essere riuscito a vedere Michael Jackson dal vivo.

R.G.: C’è una band a cui sognate di aprire come spalla principale?
N.: I Clash ma ormai non se ne può far nulla (risate,nda).
P.: Gli Iron Maiden, assolutamente.

R.G.: Grazie ragazzi per averci concesso questa intervista.
P.: Grazie a voi. Ne approfittiamo per salutare tutti i lettori ed i nostri fan.

Intervista ai Go Go Ponies

Al Rock’n’Roll di Milano, all’interno del backstage, accanto ad una porta nera oltre la quale tutti noi ignoravamo cosa ci fosse, abbiamo incontrato i Go Go Ponies, formazione lombarda costituita per tre quarti da donne e che mette in scena un sound ruvido e molto legato al rock distorto del passato all’interno di una cornice live originale e quanto meno provocatoria. La chiacchierata con loro è stata interessante, le risposte che ci hanno dato senza starci a ragionare più di tanto ci hanno colpito perché diverse dai classici clichet a cui molte band alludono in maniera più o meno evidente. Ecco il resoconto dell’intervista.

R.G.: Ciao ragazzi, partiamo dall’inizio. Come è partito il progetto Go Go Ponies?

G.G.P.: Il progetto è partito un paio di anni fa con la mia voglia (Carolina ndr) di formare un gruppo prevalentemente femminile. Abbiamo fatto un bel po’ di prove cercando di trovare ragazze con una parte fissa che ero io come voce, quasi subito Vanessa perché ci conoscevamo tramite live precedenti e Silvia che la conosco da una vita alla batteria. Abbiamo provato diverse ragazze ma alla fine è arrivato Mr. Bengala che ci ha dato una quadra, l’uomo del gruppo. Così è da un anno che la band è formata. Lui è arrivato un po’ per gioco, del tipo “dacci una mano…”. Sì (Bengala ndr) ne avevamo parlato fuori un locale, loro erano completamente ubriache e mi hanno convinto così, vedi un po’ te.

R.G.: Be’ sei stato anche tu che hai convinto loro, visto che il progetto iniziale era quello di avere una band al femminile…

G.G.P.: Sì, diciamo che mi sono immedesimato in quello che volevano fare. Io ho esperienze diverse, come tutte le altre. Era un po’ il timore iniziale (Carolina ndr) ed invece è stato una figata perché ognuno di noi ha portato influenze e cose nuove.

R.G.: Raccontateci come è nato poi il sound Go Go Ponies

G.G.P.: Siamo partiti dai riff, provando…

R.G.: Ma avevate subito l’idea di creare questo tipo di sound?

G.G.P.: La mia idea iniziale (Carolina ndr) era quella di non voler creare un classico gruppo punk rock femminile. L’idea era di formare un gruppo fit metal/dance però con un’inclinazione più metal che rock, facendo veramente vedere che anche se siamo donne abbiamo comunque una bella conoscenza musicale e una certa forza…la cazzimma!

R.G.: Come mai avevate escluso il gruppo punk rock femminile?

G.G.P.: Perché mi dava un po’ troppo l’idea di già sentito. Volevo qualcosa di nuovo a livello di sound, qualcosa che uscisse dalle righe…poi con tutta la componente di show (Vanessa ndr) che va di pari passo con il tipo di suono che abbiamo, brani semplici e ritmati ma che possono coinvolgere le persone in modo diverso dal solito. In realtà ci dicono che siamo punk a livello di ritmi perché facciamo pezzi velocissimi, da 2-3 minuti. Abbiamo scritto un brano nuovo che arriva a 5 minuti e non volevamo crederci…ecco su questo siamo punk. Sul resto andiamo più sul groove, su qualcosa di più forte.

R.G.: Diciamo però che se vi presentate come gruppo punk rock una persona che non vi conosce si fa un’idea chiara sul tipo di sound, mentre parlando di fit metal band è più difficile. Questo per voi è un punto di forza o di debolezza?

G.G.P.: In tutti i concerti che abbiamo fatto fino ad oggi abbiamo visto un pubblico molto incuriosito, forse mettiamo più curiosità. Con il punk rock ti chiudi dentro un cerchio di gente che è una nicchia…tanto è vero che stiamo aprendo concerti con band che mai ci saremmo aspettati. Abbiamo aperto sì ai Vibrators che sono la classica band punk 77 ma anche ad altri gruppi…da una parte è bello perché vuol dire che siamo aperti a 360°. L’idea è proprio quella di non fossilizzarsi sul “solo punk rock” o sul “solo metal”. Noi siamo una “Go Go Farm”.

R.G.: Avete trovato una differenza di risposta del pubblico quando avete aperto ad un gruppo punk rispetto ad un’altra band magari diversa rispetto al vostro genere musicale?

G.G.P.: Forse durante la prima data che era per Halloween ed era una serata prettamente dark/gothic. Lì ci siamo cagate in mano e abbiamo detto qua ci fanno a pezzi (risate generali ndr), c’erano vampiri, gente un po’ depressa…e c’era un gruppo famoso che arrivava dalla Germania che avevano un certo seguito di pubblico. Poi eravamo davvero al primo live e c’era davvero tanta gente.

R.G.: Ok ma queste persone erano prese bene o…

G.G.P.: Sì sì, alla fine li abbiamo coinvolti, poi quando dici la parolina magica che è “figa”…infatti loro che urlavano “figa” era stranissimo ma è stato bello.

R.G.: Poi in tedesco…..”FIKA”…

G.G.P.: Ahaha sì. E questo vale in generale: in ogni live che stiamo facendo abbiamo sempre un bel pubblico davanti, preso dal live e noi ci chiediamo come mai…forse perché siamo anche simpatici (risate generali ndr). Be’ in un certo senso è anche simpatico il fatto di unire comunque la musica con uno show divertente che non è il solito concerto. Il sapersi prendere in giro (Carolina ndr) ma in senso buono, non è che devi fare la “figa di legno” perché sai suonare uno strumento e sei una donna…ed invece così…

R.G.: Non stai parlando in prima persona?? (risate generali ndr)

G.G.P.: Ahah certo che no.

R.G.: Prima avete citato la “Go Go Farm”, si tratta del concetto di vedere il gruppo come un progetto a cui possono partecipare anche persone esterne e non solo come una band chiusa, giusto?

G.G.P.: Sì, un progetto aperto ad influenze diverse per cui designer, musicisti, visual, ballerini, tutto quello che è arte.

R.G.: Quindi in teoria un musicista, una sera può suonare con voi?

G.G.P.: Sì infatti se ci fai caso noi abbiamo una base ritmica abbastanza “quadrata” e chiunque voglia aggiungere qualcosa può farlo. Durante il primo live Mr. Bengala era impegnato in un altrro show ed è arrivato un ragazzo che ha suonato con noi il basso.

R.G.: Be’ però lì era un’esigenza di sostituzione di un membro.

G.G.P.: Sì però ha messo comunque del suo nel live. Magari altri gruppi avrebbero annullato la data e invece noi andiamo sempre dritti. Per esempio se arrivasse un musicista che suona il violino e che vorrebbe fare un pezzo con noi, ben venga! Questa filosofia si estende anche oltre il palco, magari fare collaborazioni con band estere o persone che troviamo là dove suoneremo sarebbe figo. La “Go Go Farm” sta prendendo piede molto con i poster, discorso che è partito da zero ma adesso stiamo collaborando con degli artisti veramente bravissimi che ci realizzano dei poster super e sono uno diverso per ogni concerto. Poi tra un po’ organizzeremo un evento in una galleria esponendo tutti i poster per presentare anche loro come artisti.

R.G.: Parliamo di brani. Voi avete una scaletta che state già presentando in giro e che è disponibile sulle piattaforme di streaming/download. Avete in mente un album?

G.G.P.: Ci abbiamo riflettuto un po’ ma il disco completo ci sembra ormai una concezione passata. Vorremo ragionare sui singoli che è molto più conveniente per una questione di hype. Lavorare sui singoli ci permette di lavorare in maniera più regolare, come si faceva negli anni 50, crediamo che sia molto più interessante. A metà marzo entreremo in studio per registrare il primo singolo vero…la hit dell’estate 2018 (risate generali ndr). Abbiamo in serbo un po’ di pezzi, ne stanno prendendo forma altri.

R.G.: Diciamo che chi vi segue vi vede come una band che è molto in giro, che sta organizzando molti live ma in realtà voi state organizzando una serie di mini-tour per ogni brano nuovo che lanciate.

G.G.P.: Sì, è così e diventa così un lavoro continuo. Ogni pezzo nuovo si aggiunge in scaletta…ma per il momento non pensiamo di fare un album.

R.G.: Ok allora riprendiamo la parte live. Dalla vostra prima data ad oggi avete suonato molto in giro, cosa che per una band nuova è molto difficile. Come avete fatto? Più che altro potete dare qualche suggerimento ai musicisti emergenti che ci leggono e che sono in cerca di date? Magari rosicano perché vi vedono sempre in giro! (altre risate ndr)

G.G.P.: No ma in realtà non devono rosicare. Ci è capitato di aprire a gruppi e dopo la nostra esibizione il pubblico andava via…per carità siamo ancora piccolini, non ci sentiamo di essere importanti. In realtà non ci sono segreti, ogni volta facciamo uno show diverso, ragioniamo molto sul look, sull’outfit, sul cosa fare, come farlo…invece di metterci lì, attaccarci agli ampli e fare i nostri soliti pezzi. E ci divertiamo un casino e questo viene trasmesso al pubblico. Poi c’è anche il discorso della durata del concerto, noi facciamo live brevi anche perché non abbiamo molti pezzi ma riusciamo a tenere alta l’attenzione; in altri contesti con concerti molto lunghi perdi l’attenzione del pubblico.

R.G.: Voi dite di puntare sul tipo di esibizione per coinvolgere il pubblico ma quando contattate un locale che non vi conosce come riuscite appunto a bloccare una data?

G.G.P.: Sì in fondo abbiamo il nostro manifesto, che è figo e ci presenta, poi abbiamo le foto in cui siamo fighissimi (risate generali ndr), poi mandiamo il link per poter ascoltare i brani.

A questo punto si avvicina un losco figuro che si scusa per l’interruzione e si avvia verso la porta nera bloccando l’intervista per un istante e aggiungendo: “devo andare in bagno” (altre risate ndr)

G.G.P.: Dicevamo, poi anche il fatto di essere molto sul pezzo, ci proponiamo anche a serate già create chiedendo se serve un gruppo spalla. E fino ad adesso sta andando bene.

R.G.: Quindi di solito passate tramite la band che ha già una data, non tramite il locale.

G.G.P.: No, contattiamo anche il locale.

R.G.: Questo lo trovo interessante perché vuol dire che chi gestisce i locali è sensibile anche al come si presenta una band, che musica propone…non c’è solo una valutazione di quanti follower ha o numeri più concreti.

G.G.P.: Se dovessimo pensare solo ai follower non suoneremmo, siamo veramente all’inizio. Non facciamo le sponsorizzate sui social, non ce ne frega niente. Probabilmente, ci presentiamo bene, abbiamo il merch super figo curato da Massimo (alias Pony Manero), non è il solito merch, la solita maglietta; Massimo sta dietro alle nostre follie e lui le mette in pratica sempre, fosse per noi avremo già ottocento mila oggetti in vendita ma poi ci calmiamo…sì possiamo dire che è un mix di tutte queste cose. Capita anche il contatto giusto ma non sempre.

R.G.: Se dovessimo incontrarci di nuovo tra un anno, c’è un evento o qualcosa che sognereste di raggiungere da qui ad un anno per la quale potremo dirci: “Caspita ce l’abbiamo fatta!!”.

G.G.P.: Importante è crescere in produzione (Bengala ndr), ci piacerebbe poi poter sperimentare posti un po’ diversi come ad esempio un ring prima di un incontro di wrestling. Io in realtà (Carolina ndr) tra un anno vorrei aprire ai Peaches, quello sarebbe un sogno…e poi la verità è che vorremo delle fiamme sul palco (risate generali ndr). Poi puntiamo a Tokyo, perché in fondo ce la faremo a suonare lì.

R.G.: Location piccole, tipo Tokyo Dome (risate generali ndr) quei 200-300 paganti…

G.G.P.: Ahahah, be’ 200 paganti li abbiamo già avuti.

R.G.: Figo quindi questo è già raggiunto!

G.G.P.: Sì, anche se pagavano per i Vibrators ma fa nulla (altre risate ndr). Però eravamo in un locale non molto grande quindi sembravano il doppio. Infatti alla fine non siamo riusciti a vedere i Vibrators perché una volta usciti c’era un muro di gente e non si poteva tornare più verso il palco. Quindi obiettivo “live in Tokyo”.

R.G.: Ok allora ci vediamo tra un anno per vedere se avete raggiunto l’obiettivo. Però se suonerete a Tokyo chiamatemi come roadie!

G.G.P.: Certo!

R.G.: Grazie ragazzi e in bocca al lupo per il concerto

G.G.P.: Grazie a te! A presto!

Intervista a Gabriels

Abbiamo avuto l’occasione di scambiare quattro chiacchiere con l’artista e musicista Gabriels a seguito della pubblicazione di Over The Olympus, una rock opera che cerca di coniugare la declinazione puramente classica della musica, e quindi operistica, con una concettualità più attinente al rock e ai diversi usi del pianoforte. Apriamo la mente e scopriamo insieme cosa ci ha raccontato Gabriels.

R.G.: Ciao Gabriels, piacere di conoscerti. Presumiamo che Gabriels sia il tuo nome d’arte, è possibile conoscere il tuo vero nome?

G.: Ciao a tutti, ma certo! Il mio vero nome è Gabriele Crisafulli. Gabriels non è altro che una licenza poetica…il mio nome al plurale. Ho voluto dedicarlo all’autore Pirandello; come diceva lui noi non siamo uno ma “Uno, nessuno, centomila”.

R.G.: Abbiamo ascoltato il tuo album, pienissimo di sfumature per lo più classiche. Qualcuno può pensare che “Over The Olympus” sia un po’ fuori dalla musica classica (vedi l’uso del synth) e non sia un album propriamente rock perché non presenta strumenti elettrici. Quindi non sia né carne né pesce. Tu cosa pensi in merito?

G.: Io credo che ormai nel 2018 non dovremmo più stupirci di nulla…ci sono tanti generi che sono una fusione di tanti generi e/o stili. Fare cose nuove può portare solo a cose buone secondo me, anche se oggi potrebbe essere reputato inclassificabile come genere un domani potrebbe invece esserlo…credo insomma che dovremmo andare avanti e non fermarci. Se volete possiamo anche inventarci un nuovo nome per questo genere che unisce il vecchio e il nuovo!

R.G.: La tua formazione è più classica o ti senti più vicino al mondo del rock/metal? Quale delle due sfere ti attira di più?

G.: Secondo me a qualsiasi genere tu arrivi dovresti sempre partire dalla classica, sennò sarebbe come partire a costruire un palazzo dal tetto e credo non sia possibile ancora farlo. Il discorso sarebbe veramente molto lungo vista la piega che sta prendendo la cultura musicale al giorno d’oggi, ormai non si capisce più molto anche nei conservatori ma è meglio non dilungarci troppo.

R.G.: Hai in programma appuntamenti live per portare in giro “Over The Olympus”?

G.: Mi piacerebbe molto ma per adesso non credo si farà, al momento sono molto impegnato sulla stesura dei nuovi atti della rock-opera su Hokuto no ken e, a proposito, a breve uscirà il secondo atto…quindi state sintonizzati sul mio canale.

R.G.: C’è eventualmente la possibilità di portare uno show all’estero? Magari in cui l’album possa fare da colonna sonora ad un’opera teatrale o cinematografica?

G.: Che domande belle e al contempo difficili…magari! Sarebbe fantastico ma al momento non credo.

R.G.: Qual è il musicista che più ha segnato la tua formazione?

G.: Sono molti. Tra i tanti naturalmente i più importanti sono Chopin, Liszt e Yngwie Malmsteen.

R.G.: Da cosa pensi che debba essere guidato un artista nella composizione della propria musica? In altre parole, alla luce del “consumo” che si fa oggi della musica, sempre più in streaming, qualcosa in live e sempre meno in formato fisico, pensi che un musicista debba in qualche modo rivedere il proprio approccio compositivo in tal senso? Ad esempio evitare brani da 8 minuti o più, o fare altre scelte per “incontrare” il mercato?

G.: Mmm…domanda interessante comunque non credo che ci sia una connessione tra le due cose. Anche quando si compravano i dischi, nella musica commerciale si stava attenti a non esagerare coi minuti o, se si esagerava, di fare una versione tagliata dedicata alle radio (Radio version). Tutto è relativo e non. Per come la penso io non bisognerebbe mai pensare ad un aspetto commerciale: quello che fai deve innanzitutto piacere a te, se poi piacerà anche agli altri sarà un di più e che ben venga. Questo lavoro infatti potrà non piacere a molti, ma per molti motivi anche sociologici e culturali, psicologici anche visto che siamo sempre restii al cambiamento; quando sentiamo una cosa nuova la prima reazione è sempre di storcere il naso, le cose vanno metabolizzate e digerite, lo dimostra il fatto che è come se fossimo fermi.

R.G.: Come ti vedi da qui a 10-15 anni? Pensi di continuare nel solco di album solisti o ti vedi più dedicato a progetti con band collaudate con un unico genere musicale di riferimento?

G.: Non saprei, probabilmente sarò nel solco/voragine di album solisti.

R.G.: Grazie mille per la chiacchierata e in bocca al lupo per “Over The Olympys”!

G.: Grazie mille a voi. A voi lettori invece vi raccomando di supportare sempre gli artisti che vi piacciono…senza di voi noi non potremo continuare! Grazie!

Intervista ai Frozen Crown

In occasione del loro release party al Legend, abbiamo avuto l’occasione di fare quattro chiacchiere con Federico Mondelli, già leader dei Be The Wolf ed ora anche mastermind dei Frozen Crown, e la vocalist Giada, già cantante degli Ashes You Leave e dei Tystnaden. Intervista interessante che è partita dall’enorme successo fatto registrare dal loro debut album The Fallen King ed è proseguita parlando di generi musicali, etichette discografiche e del metal oggi. Ecco le risposte dei due disponibilissimi musicisti.

R.G.: Ciao ragazzi, partiamo dall’inizio. Come sono nati i Frozen Crown?

F.: I Frozen Crown nascono come progetto solista da studio al quale fin da subito si pensa di inserire una voce femminile per dare un volto oltre che ulteriori sfumature al progetto. La prima incarnazione del progetto era appunto Giada, scelta come cantante della band, per un progetto che doveva essere solo in studio. Poi lavorando ai pezzi alla fine ci convincevano così tanto che abbiamo deciso di renderla una band vera e propria; anche i feedback da parte delle etichette erano positivi e quindi di conseguenza la band è divenuta un progetto completo.

R.G.: Quindi nell’evoluzione da studio a band vera intendete ad una serie di impegni live. Prevedete anche date all’estero immagino.

F.: Sì speriamo di sì. Stiamo lavorando in questo senso.

R.G.: Ma parliamo dell’album. Come sono state costruite le tracce? Ci sono delle argomentazioni comuni tra tutti i brani?

G.: Abbiamo cercato di dare delle tinte epiche a tutto l’album. Non si tratta di un concept però ci siamo orientati sull’ambito fantasy, però è tutto organizzato in chiave metaforica. Quindi in ogni testo tu puoi trovare delle terminologie fantasy che però volevamo far rispecchiare sia nell’interiorità di ognuno di noi sia nella quotidianità. Quindi stare nei canoni nel genere però non così distaccati dalla realtà.

R.G.: Questa “filofosia” compositiva ha richiesto una contributo da parte di tutti i membri della band o solo qualcuno si è occupato della composizione?

F.: Prima ti parlavo di progetto studio perché i brani sono scritti principalmente da me. Tre pezzi, rispettivamente la prima, la seconda e l’ultima dell’album, sono stati scritti preventivamente e sono stati quelli che mi hanno spinto ad ampliare la band con una cantante. Infatti il pezzo numero due è stato utilizzato per l’audizione della cantante.

G.: Infatti a cavallo tra maggio e giugno, quando è stata avviata l’audizione con questi pezzi…mamma mia! Ho sudato! Addirittura ho allegato un video, un making of, per avvalorare la mia candidatura. Ci credevo tantissimo, il brano l’ho adorato, ci ho messo davvero l’anima.

F.: Ci credeva sicuramente più di tutte le altre.

R.G.: Quante voci avete provato prima di scegliere Giada?

F.: Una decina. E nessuna di queste era Giada perché lei è stata…

R.G.: Ripescata?? (risate generali ndr)

G.: Dì la verità Federico!! (risate ndr)

F.: La verità è che all’inizio erano state individuate delle figure che erano già vicine all’etichetta o persone che conoscevamo. Io non conoscevo Giada, ma era già impegnata in due progetti. Io stesso la vedevo come una cantante impegnata e non avevo idea del fatto che avesse tempo per noi. E poi soprattutto il genere cantato con le due sue band non c’entravano nulla con il nostro power metal. Non era una scelta facile. Poi semplicemente è stata chiamata ed è stata l’unica a rimandarci dietro il pezzo cantato come io me l’ero immaginato e come l’avevo scritto.

G.: In soli tre giorni, tra l’altro!

F.: Sì esatto. Prima inoltre si parlava di chi ha scritto i pezzi. Questi tre pezzi sono rimasti identici però quando lei è entrata nel progetto è stata determinante perché chiaramente il mio primo obiettivo è stato quello di cucire tutto il disco su di lei, non solo a livello vocale ma anche a livello di immagine, del suo modo di esprimersi. La sua figura ad esempio e il suo modo di cantare mi hanno indotto a strutturare il progetto sulla voce femminile, che però è abbastanza atipica rispetto a quella che di solito trovi nei gruppi symphonic metal, nel senso che lei non ha velleità liriche o operistiche. È molto diretta e potente e canta, per certi versi, un po’ come gli uomini cantano nel power metal.

G.: Sì, a tratti la mia formazione mi ha dato un approccio un po’ più maschile a questo genere. Nonostante poi, in uno dei due gruppi in cui canto, facciamo doom gothic e non c’è niente di meno maschile. Però dentro di me avevo questo!

F.: Ma al tempo stesso, cantanti operistiche che abbiamo provato riuscivano a cantare pezzi più morbidi ma non le parti più cattive e invece lei è riuscita ad interpretare egregiamente tutti i pezzi. Anche per questo io sono passato alla seconda voce e lei è la voce principale.

R.G.: E questo è un grande elogio Giada!

G.: Caspita!

F.: Sì sicuramente, io credo che in un progetto bisogna fare quello che è meglio per il progetto stesso. Poi Giada ha anche scritto un pezzo nell’album, essendo entrata alla fine della fase compositiva. Magari per il prossimo album scriverà più pezzi.

R.G.: Avete pubblicato il primo videoclip e avete superato, se non sbaglio le 30.000 visualizzazioni qualche giorno fa…

F.: Sì in realtà oggi siamo a 90.000.

R.G.: Ah ecco! La domanda è: come avete fatto? Si parla del primo videoclip del primo album! Come è stato possibile? Ci sono dei suggerimenti da poter dare alle altre band che ci leggono?

F.: Sì il segreto c’è. Fare tutto seguendo ogni singolo dettaglio della produzione. Mi spiego. Noi siamo un gruppo sotto etichetta discografica. Molto spesso i musicisti tendono a concepire il discorso di essere sotto etichetta come qualcosa che tende a “costruire” la band in maniera negativa. A dir la verità il discorso di “costruire” non solo è positivo ma è quello che dovrebbe fare qualsiasi band anche autoprodotta. Mi spiego meglio: ad oggi un prodotto musicale deve essere progettato, costruito e venduto. Di conseguenza qualsiasi, e dico qualsiasi, elemento, dal titolo dell’album ai titoli dei pezzi, al nome della band, alla parte promozionale, l’acconciatura…tutto è da tenere in considerazione se si vuole sperare di fare qualcosa di importante. Il discorso che fanno un po’ tante band giovani è: “Ma sì, non bisogna pensare a ste cazzate, all’estetica…ma in realtà non conta nulla, conta suonare e basta!”. I Judas Priest, le loro copertine, la loro estetica…

R.G.: Tu parli di iconografia…

F.: Esatto, l’iconografia è molto importante! L’iconografia definisce i generi.

R.G.: Ma questo secondo te è vero ancora oggi?

F.: Sì, anzi adesso va molto il revival. Ti faccio un esempio che riguarda noi. Noi abbiamo ricevuto tantissimi apprezzamenti da persone che ascoltano il metal vecchio, perché in realtà il disco ha quegli elementi ma non punta a fattori di innovazione, non abbiamo voluto inserire cose strane, tipo l’elettronica. L’importante è scrivere un bel pezzo, se il pezzo è bello e funziona lo fa negli anni 70 come oggi. Quindi, il consiglio da dare è pensare al progetto nella sua interezza e pensare che tutto è importante. Quando prima ti ho detto che Giada mi ha ispirato l’immaginario della band con tutte le sue caratteristiche, non solo quelle vocali, ad esempio il fatto che lei ha dei tratti nordici…

G.: Io direi slavi, visto che per anni sono stata in una band croata mi scambiavano tutti per croata! (risate generali ndr)

F.: No croata non direi. Però banalmente la sua immagine, nel videoclip in una scena con la neve, ha tutta un’altra forza. Se la cantante fosse stata diversa il videoclip sarebbe stato in una palude o non so dove.

R.G.: Infatti ad essere sinceri anch’io ascoltando l’album ho trovato le soluzioni del power metal classico, quelle che lo hanno reso famoso decenni fa. Questa è stata una scelta voluta o si tratta di un primo album e in futuro prevedete un’evoluzione verso un sound più personale?

F.: Ovviamente l’evoluzione c’è sempre che sia anche mantenere gli stessi elementi ma rafforzare solo alcuni fattori. Ma al di là di questo c’è una cosa che ci preme cioè scrivere pezzi buoni, brani che ascolteremmo anche noi. Penso che il genere e le sfumature siano un concetto molto relativo, ad esempio ascolto band considerate metalcore che hanno le Vans, i capelli corti…

R.G.: Be’ sì, il metalcore spazia tantissimo…

F.: Esatto, però per dirti, band che fanno i riff alla Dark Tranquillity come ad esempio i Parkway Drive che suonano con l’infradito e i pantaloncini corti ed è solo il loro sound che li rende metalcore. Addirittura sei fai ascoltare i Dark Tranquillity al ragazzino che ascolta metalcore gli piacciono. Però se vedono sti metallari con i capelli lunghi e vestiti di nero dicono “ma ch’è sta merda!”. Tutti siamo bravi a dire “conta la musica”, ma è difficile separare la musica dall’immagine.

R.G.: Questo discorso è interessante perché qui c’è un’iconografia che non è per forza legata al genere di riferimento al quale sono associati. Questo è diverso da quello che dicevamo prima dell’ “iconografia settoriale”.

F.: Sì, però ti faccio un esempio: quanti metallari avrebbero ascoltato i Dark Tranquillity se questi si fossero vestiti da clown. Io mi ricordo quando uscirono gli Slipknot tutti i miei amici metallari li prendevano per il culo…”ma che sono ste maschere!”…le maschere sono una “scusa” per non suonare bene…in realtà il metallaro va ad ascoltare quello con il chiodo, con il pantalone nero perché è così. Questo non vuole essere offensivo, io amo il metal e amo i metallari. Il punto è che è molto difficile pensare ad un progetto musicale che sia stato molto atipico. Io penso agli Aborym, uno dei miei gruppi preferiti italiani, hanno portato qualcosa di estremamente unico. Loro nascono con un immaginario diverso ma alla fine sono una black metal band, però ci mettono la techno, ci mettono tante cose ma alla fine sono black.

R.G.: Sempre parlando di power metal, di solito per questo genere l’attenzione è focalizzata su Paesi come Germania e Nord Europa in generale. Secondo voi l’Italia ha davvero qualcosa da dire in questo ambito?

G.: Secondo me abbiamo ancora molta voce in capitolo!

F.: Ma chi?!

R.G.: Interessante che avete due opinioni diverse. Siamo curiosi.

G.: Secondo me sì, abbiamo degli esponenti eminenti che continuano a lavorare nel power metal.

F.: Ah sì, quelli importanti sì, come Luca Turilli!

G.: Fabio Lione anche!

F.: Certo però Fabio Lione non scrive pezzi!

G.: Sì però il genere c’è e cammina, io lo sento. Ci sono ancora giovani che investono in questo campo.

R.G.: Forse Federico intende “nuove band” in questo genere.

G.: Sì ce ne sono, però non riescono ad emergere.

F.: Be’ però questo vuol dire che non ci sono.

G.: Ci provano! Le eccellenze certo sono i vecchi nomi. C’è qualcosa di più recente, negli ultimi cinque anni, che si fa sentire.

R.G.: Be’ Giada ha ragione, la stessa Scarlet Records, la vostra etichetta, ha molte formazioni nel power metal.

F.: Sì però mi permetto di dire che noi siamo l’unica band che sento che ha una sorta di coerenza. Le band tendono sempre ad innovare a presentarsi come “essere unici” e questo inevitabilmente va a danneggiare i pezzi. È un po’ un discorso da sala prove: se tu fai un pezzo che funziona, poi magari il batterista vuole aggiungere la parte in controtempo perché piacciono. Be’, se si vuole suonare prog allora va bene ma altrimenti no. La forma canzone viene spesso bistrattata, pochissimi tendono a proporre il genere fine a se stesso ma tanti cercano sempre di metterci del loro. Fabio Lione è un grande per me, abbiamo cantanti noti in Italia, la vecchia guarda, che rispettiamo tantissimo. Se però mi chiedi di progetti nuovi io penso alla composizione e ce ne sono pochi. Di Luca Turilli ad esempio io penso che il suo progetto sia nettamente superiore a quello che stanno facendo i Rhapsody dall’altra parte ma perché ha una consapevolezza differente però a parte lui non mi sento di citare nessuno a livello di songwriting per rispondere alla tua domanda.

R.G.: Quindi parliamo di power metal legato agli elementi classici degli anni 80 e 90 e di una scena fatta di pochi nomi nuovi. Proviamo a fare un pronostico: tra dieci o venti anni secondo voi la scena power metal sarà legata sempre agli stessi fattori, le stesse strutture o ci sarà un’evoluzione, dei cambiamenti stilistici che la intenderanno in maniera diversa?

G.: Stavo pensando ad una cosa che mi è stata detta da una mia amica che ha intervistato una band di cui non ricordo il nome, una band in stile AC/DC…

R.G.: Gli Airbourne?

G.: Sì esatto. Li ha intervisti e gli ha chiesto se avessero modificato il loro stile musicale in futuro e loro hanno risposto: “Da McDonald sono trent’anni che vai e trovi sempre il Big Mac perché a tutti piace il Big Mac”. Questa cosa mi ha colpito. Si continua a proporre la stessa cosa perché c’è sempre un feedback positivo. Per quale motivo cambiare una cosa che funziona?

R.G.: Però il feedback anche in termini numerici cambia. Negli anni 70 c’era il progressive rock, adesso è un genere assolutamente di nicchia.

G.: Sì però ci sono dei generi sui quali tu puoi contare su una determinata base. Dopo fa la differenza qualcos’altro però una base c’è. E uno di questi generi è il power.

F.: Noi siamo stati molto colpiti dal feedback che tra l’altro ci hanno riconosciuto un’attitudine forte.

R.G.: Poi c’è da dire che il pubblico power, rispetto ad altri fan, è un pubblico molto fedele, ti segue negli anni.

F.: Sì ma è anche giovane. I fan degli Epica ad esempio sono diversi dai fan dei Venom o dei Death.

R.G.: Be’ però quello è un genere che è cambiato. Il death metal si è evoluto.

F.: Sì certo, parlavamo prima del metalcore. I Death stessi si sono evoluti inserendo soluzioni prog. I Cynic ad esempio non sono affatto death per me.

R.G.: Be’ loro sono technical death metal.

F.: Sì ok però quando uscirono aprivano ai Cannibal Corpse e i Cynic con l’avvento di altri gruppi come i Rings Of Saturn e tutto questo flusso legato al djent…

R.G.: I Rings Of Saturn suonano death-core.

F.: Sì certo, però volevo dire…

G.: State veramente divagando, queste sono “nerdonate” (risate generali ndr).

F.: Mi spiego, questa è la mia opinione. C’era il metal vero in passato, quello suonato, e il pubblico metal. Poi è arrivato il nu metal, il metalcore e via via. Il metal per certi versi si è un po’ “youtubizzato”. Sono trend che ora stanno andando. Da quando si è passati dal metalcore al djent, hanno tirato fuoi i chapman, chitarre senza paletta…

R.G.: Tu intendi band come Animals As Leaders.

F.: Esatto! Da quando si è passati a generi molto tecnici guarda caso i Cynic sono tornati in auge.

R.G.: Be’ anche perché si sono fermati discograficamente per tipo quindi anni.

F.: Sì però ad esempio i fan dei Megadeth sono sempre restati fan dei Megadeth, i fan dei Kiss anche. Invece il pubblico dei Cynic è completamente cambiato. Prendi ad esempio i Wintersun, loro anche sono tornati molti anni dopo il primo album ma sono riusciti a tirare su molto seguito anche approfittando del periodo in cui la “tecnicalità” nel metal è tornata in auge tant’è che il provino che loro avevano fatto per cercare un chitarrista ha raggiunto tipo 500.000 visualizzazioni. Paradossalmente i Wintersun sono stati bravi a utilizzare youtube per farsi conoscere.

R.G.: È l’epoca giusta per fare questo tipo di iniziative di marketing musicale. Passiamo all’ultima domanda. Visto che voi al primo album siete entrati in un’etichetta importante come la Scarlet Records volevo chiedervi innanzitutto se sentite che questo vi abbia aiutati in qualche modo e sopratutto che consiglio potete dare alle band che sono in cerca di un’etichetta.

G.: Io parto con il mio consiglio. Suggerisco per le band nuove, il contesto tra gli amici, da garage…il dopo lavoro…non funziona più. C’è una mole di impegno nel tener viva una band che è una cosa che pochi si aspettano tra i miei coetanei che hanno iniziato a suonare 15 anni fa, figuriamoci i giovani. Bisogna fare le cose con impegno ed attenzione ai dettagli, ma tutti i dettagli. Quando si presenta un’etichetta si deve dare l’impressione di sapere il fatto proprio, di essere professionali, informarsi e stare attenti a non sottovalutare niente, perché il mercato è inflazionato, la competizione è folle, se devi presentare un pacchetto differente devi veramente stare attento a tutto, con occhio critico. Se vuoi fare le cose ad un certo livello non esiste più il farlo per divertimento o solo per passione. Questo va bene per scalare qualche gradino ma non per fare il salto.

F.: Cosa posso aggiungere di fronte a cotanta esattezza! Sono d’accordo, tutti i dettagli vanno curati. Anche perché c’è un discorso fondamentale: le band hanno la percezione che una volta firmato con un’etichetta tutto arriva da sé facilmente, in realtà non è vero. La Scarlet ci ha supportati sicuramente, però bisogna capire che un’etichetta deve vendere per poter vivere, quindi non si può pretendere di fare un prodotto invendibile e aspettarsi che l’etichetta la venda. La gente ha sempre la percezione che serva l’etichetta importante per avere risultati, in realtà è molto meglio essere sotto etichetta piccola che ha quindi un’economica piccola ma che permette di seguire ogni singolo prodotto e permette a te artista di guadagnare di più. Un altro pregio di questa etichetta è che si è fidata della nostra mossa promozionale, però il consiglio di Giada è perfetto per le nuove band.

R.G.: Ok ragazzi, grazie mille per il vostro tempo e in bocca al lupo per lo show!

F.: Grazie a voi!

G.: Grazie.

Intervista ai Night Demon

Sono passati due anni da quando i Night Demon hanno iniziato ad esibirsi anche qui in Europa portando in lungo e in largo la fortunata formula del loro classico heavy metal tradizionale che ha fatto sì che il trio sia costantemente in tour. Un po’ di cose sono cambiate dall’uscita del loro primo album Curse Of the Damned, per questo abbiamo incontrato Jarvis, leader della band al basso e alla voce, nel loro backstage del Live Club di Trezzo, ritornati per la prima volta in Italia per promuovere il loro ultimo Darkness Remains. A voi la nostra chiacchierata avvenuta a qualche ora dal loro show in compagnia degli Accept.

R.G.: Bentornato in Italia Jarvis! Dall’ultima volta che vi abbiamo visti dal vivo, tre anni fa qui in Italia, sono cambiate un po’ di cose. Ho notato per esempio che avete a disposizione una crew personale, oltre al fatto che siete di spalla ad una band storica come gli Accept!
J.: In realtà non è cambiato così tanto in questi ultimi anni, siamo stati quasi sempre in tour e abbiamo registrato un disco. Forse ad essere cambiato è che siamo diventati un po’ più intelligenti per quanto riguarda il business ma forse solo perché, essendo spesso in tour, abbiamo bisogno di un po’ più di comfort: quindi avere una crew che lavori per noi ma ancora non facciamo i soldi, è la crew a farseli! (ride, ndR). I soldi che guadagniamo li reinvestiamo per la band, non abbiamo più un lavoro dal 2013 ma viviamo uno stile di vita basilare, non siamo rockstars (ride, ndr) ma sai, quando vivi on the road c’è molto lavoro da fare e quindi è decisamente meglio avere la possibilità che qualcuno che lavori al posto tuo per sistemare le luci e il suono, oppure qualcuno che si occupi di vendere il merchandising senza che tu debba correre a farlo subito dopo essere saltato giù dal palco o che sistema la tua strumentazione dopo lo show, quindi tutto quello che guadagniamo al momento lo stiamo reinvestendo nella band. Ora non abbiamo più bisogno di noleggiare un van perché ne abbiamo comprato uno tutto nostro, grazie al quale spendiamo circa seicento euro al mese contro i cento euro al giorno che spendevamo prima per il noleggio. Quindi diciamo che le cose si stanno evolvendo per quanto riguarda la band, stiamo cercando di rendere la nostra vita on the road più confortevole affinché possa essere piacevole, perché credimi, è veramente duro fare un tour anche solo di due settimane e pensare a tutto da soli, si rischia di perdere poi l’attenzione allo show stesso. Essenzialmente è questo ad essersi evoluto ma solo perché vorremmo rendere i nostri show sempre migliori, non vogliamo scadere nella monotonia e fare sempre le stesse cose.

R.G.: Detto questo, ora siete in tour con gli Accept, come sta procedendo?
J.: Sta andando alla grande! Stavamo aspettando l’occasione di andare in tour con una grande band da tanto tempo! D’altronde in Europa non siamo mai stati in tour in compagnia, abbiamo sempre fatto tour da soli, qualche festival e occasionalmente qualche data in compagnia di altre band ma mai un vero e proprio tour. E la cosa interessante tra l’altro è che siamo l’unico supporto in questo tour, spesso ne ho visti con quattro o cinque band come supporto a quella principale, poi loro con noi sono molto gentili e oltretutto rappresentano una delle principali influenze musicali per noi tutti, diciamo che siamo stati ripagati per il duro lavoro svolto.

R.G.: “Darkness Remains“ è uscito lo scorso anno, siete già al lavoro per il prossimo disco?
J.: Sì, noi proviamo sempre a scrivere il più possibile, abbiamo sempre il pensiero al prossimo disco anche se tutto è al rallentatore, dato che siamo ancora in promozione per Darkness Remains. La promozione per il disco precedente è durata due anni e ora abbiamo ancora qualche video in fase di produzione per Darkness Remains che usciranno nei prossimi mesi, quindi abbiamo ancora tanto da lavorare. Pensa che non abbiamo neanche fatto il tour negli Stati Uniti, quindi ci stiamo preparando per questo, in programma per il periodo primaverile, poi ritorneremo in Europa per il periodo dei festival estivi e abbiamo appena registrato un live album che uscirà in estate e poi di nuovo in tour a settembre, ci sarà da fare tutto questo prima che le nuove canzoni escano ma tra noi stiamo già parlando del prossimo disco che dovrebbe uscire nel 2019, probabilmente nel primo periodo dell’anno.

R.G.: Quali sono le differenze per te tra “Darkness Remains“ e il precedente “Curse Of The Damned“?
J.: Allora, per Darkness Remains ci siamo concentrati maggiormente sul suono, lo abbiamo registrato più velocemente rispetto al precedente e ci siamo detti: “hey, spendiamo più tempo per dare al lavoro il giusto suono che dovrebbe avere!” Poi un’altra enorme differenza è che volevamo avere sì un suono più pieno ma che fosse anche più reale: così abbiamo deciso di non registrare tracce di chitarra ritmica. Sai, in studio puoi fare tutto ciò che vuoi, molte band abusano di ciò, prendi per esempio un disco dei Pantera: Dimebag registrava ben sei tracce di chitarra per comporre quel muro di suoni dei loro dischi. In studio non esistono limiti, noi invece abbiamo voluto dare un limite a noi stessi, al pubblico piacciamo come live band e dicono che non avremmo bisogno di un secondo chitarrista e quindi abbiamo deciso di non averlo neanche in studio così da poter raggiungere l’obiettivo di suonare in studio esattamente come suoneremmo dal vivo.

R.G.: Ricordo che durante un’intervista hai dichiarato di preferire suonare in piccoli club situati in periferia e non nelle città principali, essendo tu un ragazzo cresciuto in un piccolo centro, rispetto a suonare magari in grandi club come per esempio questo Live Club che vi ospiterà stasera. La pensi ancora così?
J.: In realtà è diverso, mi piace avere a disposizione spazio sul palco su cui potermi muovere liberamente e non uno in cui sono costretto a restare immobile per tutto il tempo ma non mi piacciono i grandi club dove ci sono barriere, il pubblico è troppo distante e quindi non c’è interazione con la folla. Quando abbiamo iniziato a suonare lo abbiamo fatto nei piccoli club e per esempio il giorno dopo ci siamo ritrovati a suonare in un festival, è una cosa bella però è diverso. I festival hanno un’atmosfera diversa, tutti sono lì a vedere tante band diverse, ti ritrovi sempre a suonare per qualcuno che non ti conosce e quindi è anche una prova per se stessi, ma suonare sera dopo sera in grandi club è una bella cosa sì, poi sai avere un camerino è una cosa fantastica! (ride, ndr) Ma credo che così si perda un po’ di contatto con il proprio pubblico e per questo noi stiamo provando a suonare ogni sera con tutta la nostra energia. Sai quando eravamo bambini vedevamo le band sui grandi stage e pensavamo “wow, sarebbe un sogno!” Ma quando suoni da qualche anno capisci che suonare per un pubblico compatto e molto vicino a te con un muro di amplificatori dritti sparati in faccia sui loro volti è figo, non lo scambieresti per nient’altro al mondo! E’ una cosa molto buffa quando la gente dice “non ci saranno più altri come Iron Maiden o Metallica” e cose del genere, non so se questo sia vero ma per me va bene così, cioè specialmente qui in Europa negli anni ’80 non c’era la cultura di fare concerti negli stadi, qui le arene del rock non sono mai esistite, quindi i grandi club erano quelli che attualmente ci sono ancora oggi e dove suonano oggi le grandi band. Questo è un buon livello da raggiungere e non credo di aver bisogno di dover crescere più di così. Cioè vedi per esempio il club dove suoneremo stasera, quindi mi chiedo “quanto ancora credi di voler crescere?!?” ed è anche divertente salire sul palco e vedere quanto questo sia grande. Sarebbe bello magari poter suonare più sere nello stesso posto e proporre ogni sera una setlist diversa, questo è quello che penso.

R.G.: Da qualche anno so che organizzi il Frost And Fire Festival in America, un festival di heavy metal classico, mi sembra strano pensare ad un festival del genere in California, sarebbe automatico pensare ad un evento di tipo ‘core…E’ difficile organizzare un festival di questo tipo negli Stati Uniti?
J.: (ride, ndr) Sì, è una grande sfida però abbiamo un sacco di visitatori provenienti da tutto il mondo. L’idea è nata dal fatto che volevo realizzare un festival come i vostri qui in Europa ma in California, sulla spiaggia e perché no insomma?! Il festival sta crescendo sempre più di anno in anno! Ci sono un sacco di persone negli Stati Uniti, è una grande nazione e i metallari sono sparsi in ogni punto, abbiamo viaggiato in lungo e in largo e li abbiamo visti con i nostri occhi, diversamente in Europa ci sono molti metallari pro-capite ma sono condensati, il metal è più popolare qui come genere, mentre non è per niente mainstream negli States, per niente! Qui in Europa invece puoi renderti conto che sia un po’ più mainstream, ascoltando la radio hai la possibilità di sentire un po’ di metal, probabilmente non qui in Italia ma sicuramente in Germania o in Svezia è possibile. Quindi abbiamo trovato un pubblico per organizzare un festival, inoltre in Europa voi avete letteralmente centinaia di festival mentre negli States ce ne sono cinque o sei, anche di grandi dimensioni. Con i Night Demon lo scorso anno abbiamo suonato a qualcuno tra i festival più grandi in cui si riesce sempre ad assaporare un po’ di metal vero, ovviamente nel bill ritrovi anche band come Disturbed, Five Fingers Death Punch, Slipknot e via dicendo ma ogni volta che siamo parte di una cosa del genere ne siamo felici. Siamo felici di mostrare la nostra musica ad un pubblico più mainstream che non conosce affatto questo stile, non apprezzo il metallaro chiuso di mente che pensa “questo è nostro e tutto ciò che esce da questo tipo di genere è poser!“. Piuttosto mi piace mostrare e far conoscere questo genere a chi non sa che oltre a quello più mainstream esistono tanti altri tipi di metal lì fuori. Ma ritorniamo al Frost And Fire festival: ci sta regalando soddisfazioni e il pubblico lo ama, sta diventando un po’ dura per noi perché ci limita con le attività della band. Per esempio lo scorso anno avevamo già organizzato il festival con un anno in anticipo e nel periodo del festival ci sono capitate ben tre offerte di tour, tre offerte molto allettanti ma a cui abbiamo dovuto rifiutare, non potevamo di certo annullare il nostro festival. È come se ora avessimo una vera e propria responsabilità perché la gente lo attende ma lo organizziamo di anno in anno, ogni anno pensiamo “dobbiamo farlo quest’anno? Cosa vorrebbe vedere il nostro pubblico?“. Quindi per il momento va molto bene, inoltre faremo un’edizione a Londra a maggio che è stata più complicata da organizzare a causa delle alte tasse e, stranamente perché ognuno di noi penserebbe che sia più facile in Inghilterra essendo la patria natia dell’heavy metal classico ma non è così. La gente si lamenta per il prezzo del biglietto e non ci sono molti fan del genere, la maggior parte del pubblico del Frost And Fire arriva da tutte le parti d’Europa. L’idea dell’edizione inglese è nata dal fatto che avremmo voluto portare i Cirith Ungol in Inghilterra e avevamo trovato un promoter interessato ma che non avrebbe voluto vedersela con la parte economica e così ho deciso di farlo da me. Così sono partito per Londra e ho visitato tutte le location possibili, le ho scelte e le ho affittate, sai quando non ci sono opportunità per farlo allora puoi creartele da solo! Quindi vedremo cosa accadrà.

R.G.: Tutti sappiamo che gli anni 70-80 sono stati gli anni d’oro per l’heavy metal classico, tu credi che questo genere potrà mai ritornare allo splendore del passato?
J.: Non so se riuscirebbe a tornare come era in quegli anni, io credo che oggi abbia raggiunto una buona popolarità e penso che ci sia un potenziale di crescita ma c’è bisogno di avere più nuove band ma che siano di qualità, una qualità che sia data da un mescolamento di stile personale e di un sound moderno, che possa dare un senso di evoluzione perché il problema delle band nuove è che… Aspetta che forse così mi spiego meglio: noi prendiamo ispirazione dagli anni 70 e 80 perché quella è la musica che ci piace ma non cerchiamo di essere come loro, molte nuove formazioni prendono ispirazione anche nel modo di vestirsi da quelle anni 80 e forse questo non gli permette di farsi prendere seriamente, è vero sono divertenti e sono carini per ciò che sono ma risultano una copia esatta di quello che era, quasi come se fossero un tributo. Noi con i Night Demon facciamo un tributo alle band che amiamo perché ci ispiriamo a loro ma non pretendiamo di essere come loro, sì mi piace vestirmi da metallaro, lo amo ma devo essere me stesso, porto i capelli corti ma scapoccio la mia testa molto più forte di qualsiasi altro metallaro con i capelli lunghi (risate, ndr). Quindi non deve essere tutto basato sull’apparire, se provate a ricreare un look retrò, personalmente non ho problemi a riguardo, ma non aspettatevi che il pubblico possa prendervi seriamente e credervi di alto livello.

R.G.: E cosa ne pensi di questo ritorno agli anni 80 nell’arte? Sembra che stia ritornando di moda grazie anche alle serie TV che tanto stanno spopolando ultimamente come per esempio Stranger Things. Non credi che questa possa essere una giusta strada per avvicinare un po’ di pubblico nuovo al genere?
J.: Sì, assolutamente. Ricordo che negli anni 90 si è ritornati agli anni 60 con gli hippie, sono ritornate di moda le high tide shirts, in quegli anni c’è stato un ritorno di fiamma per la musica di Jimi Hendrix e The Doors, credo che il mondo giri ciclicamente da questo punto di vista. Quindi a distanza di trent’anni dagli anni 80 troviamo persone che sono cresciute e sentono la nostalgia di quegli anni. Io ho 36 anni, tu sarai più giovane di me ma credo che tu sia comunque della generazione cresciuta senza internet, l’informazione avveniva tramite i giornali e la generazione dei nostri genitori pensava a cose del tipo “un giorno i computer parleranno e prenderanno il posto di noi esseri umani“, parlavano del futuro ma il futuro è oggi. Noi siamo quella generazione cresciuta nel mezzo di questa trasformazione: ci ricordiamo cosa vuol dire uscire a giocare per strada con altri ragazzi, fare sport, andare in bicicletta, guardare un film, leggere un libro o essere emozionati grazie alla nostra immaginazione ma siamo anche giovani abbastanza da poter conoscere, apprezzare e saper utilizzare la tecnologia. Penso che oggi i personaggi che vestono i panni di artisti, facendo i loro film, vogliano utilizzare le vecchie tecniche, oppure per esempio i musicisti che registrano un album su cassetta, come voler rivisitare queste vecchie forme di arte ed è una bellezza per noi che abbiamo potuto vivere quel periodo, magari anche solo in parte, fa comunque ricordare la loro infanzia, come era a quel tempo. D’altronde puoi anche notare come ora nel Regno Unito stia ritornando di moda il nu metal e il pop punk degli ultimi anni 90: sembra che tutti vogliano vedere i Limp Bizkit e i Sum 41. Tutto gira ciclicamente, in fondo tutte questi nuovi musicisti che suonano metal anni 80 sono nati negli anni 90, suona tanto come “avrei voluto tanto essere negli anni 80” perché lo hanno vissuto da film, libri e fotografie e quindi avrebbero voluto tanto viverlo. Questa è la mia breve ma lunga risposta (ride, ndr).

R.G.: Dato che il nome Cirith Ungol è uscito più di una volta nel corso di questa chiacchierata, ti chiedo per concludere: come è suonare in questa band? Come è nata la loro reunion?
J.: I Cirith Ungol sono della mia stessa città, Ventura, luogo che non ha mai avuto una scena metal, nonostante sia la terra natale di molte hardcore punk band, addirittura lo skate punk è nato proprio nella mia zona. Io sono quindi cresciuto nella scena punk ma come metallaro. Ho sempre suonato in band metal ma, quelle volte che c’era l’opportunità di suonare a qualche concerto erano sempre di natura punk, c’è stato sempre un grande rispetto tra di noi nella scena perché in fondo c’era anche una sorta di fratellanza tra musicisti ma inoltre, grazie a quella fetta di band metal dalle radici punk come Slayer, Anthrax, DRI, Metallica e qualcosa dei primi Maiden loro capivano in qualche modo il genere. Tutti conoscevano il nome Cirith Ungol, era noto nel posto e trovavi sempre i loro album a pochi dollari nei negozi di dischi di seconda mano ma nessuno li apprezzava, semplicemente non venivano capiti musicalmente. Nel periodo in cui ho suonato in varie formazioni loro erano inattivi, lo sono stati per un lungo periodo, ma tramite amici comuni incontravo in giro i membri della band e con il passar del tempo siamo diventati amici e nel corso degli anni gli ripetevo in continuazione che avrebbero dovuto riunire il gruppo e la loro risposta era sempre che a nessuno interessava la loro musica. Quando ho fondato i Night Demon e abbiamo iniziato a girare in tour, i ragazzi della band mi scrivevano, eravamo diventati amici sai, ci chiedevano sempre “dove siete stasera ragazzi?“. E noi rispondevamo per esempio “hey ragazzi stasera siamo in Italia e c’è qui una una pupa che indossava la maglietta dei Cirith Ungol!“. Oppure “stasera siamo in Spagna, guardate il tatuaggio dei Cirith Ungol che ha sul braccio questo ragazzo!“. E loro rimanevano sempre sorpresi dalla cosa, ogni volta che vedevamo qualcosa del genere scrivevamo immediatamente a loro. Così, quando i Night Demon hanno riscontrato un discreto successo, i ragazzi della band ci hanno chiesto di provare ad organizzare qualcosa nel nostro Paese così ho creato il Frost And Fire Festival con Night Demon e Cirith Ungol, chiesi loro di fare solo un meet and greet e la gente è accorsa da tutte le parti del mondo solo per foto e autografi. Così i membri della band, che non si erano mai incontrati tutti insieme da decenni, sono rimasti stupiti vedendo che la gente era lì solo per incontrarli. Di questo io ero già consapevole, così uno alla volta i membri della band sono venuti nello studio di prova dei Night Demon, abbiamo imparato e reimparato a suonare i pezzi e a provarli insieme; così abbiamo avuto di nuovo una band e ripreso l’attività live, il resto è storia! Ora stiamo lavorando sul materiale nuovo ma ci vorrà ancora un po’ di tempo affinché possa essere pubblicato. Il fatto è che nessuno ci avrebbe mai scommesso su, ma io sapevo che la band sarebbe ritornata di nuovo insieme, sapevo che sarebbe successo, ad un certo punto doveva succedere e ne sono veramente contento.

R.G.: Perfetto, grazie mille per la chiacchierata Jarvis!
J.: Grazie a voi di RockGarage!

Intervista doppia: Les Fleurs Des Maladives e Gambardellas

In un’occasione davvero speciale, un double showcase dei Les Fleurs Des Maladives e dei Gambardellas al Bloom di Mezzago, abbiamo incontrato le due band nel backstage e preparato un’intervista doppia con queste due validissime formazioni di rock italiano. Les Fleurs hanno presentato in anteprima assoluta il video de Il Rock È Morto mentre i Gambardellas hanno ufficializzato il nuovo album dal titolo Survive, tutti spunti per una chiacchierata che si è dimostrata molto interessante. Ecco come le due band hanno risposto alle nostre domande.

R.G.: Ciao ragazzi e grazie per aver accettato il nostro invito ad un’intervista doppia in questo appuntamento live così speciale. Iniziamo parlando proprio di concerti. Siete entrambi molto attivi a livello live: come sono cambiate le vostre esibizioni negli anni con i diversi tour che avete intrapreso?

G.: È sempre un percorso di crescita. Dal punto di vista tecnico si sistemano un po’ i suoni, gli arrangiamenti. Noi abbiamo provato i nuovi pezzi già nelle diverse date passate, piazzandoli nelle scalette per vedere l’effetto che facevano. Suonando capisci che sei su un palco e che quindi in un modo o nell’altro devi costruire uno show, un qualcosa che abbia un inizio ed una fine e questo secondo noi lo acquisisci con il tempo. All’inizio suoni e basta, poi ti rendi conto che mentalmente, se cresci in uno spettacolo, cerchi un maggior coinvolgimento delle persone.

R.G.: Questo vi ha portato anche a modificare l’ambito compositivo, cioè il modo di scrivere i brani negli anni?

G.: Non esattamente, nel senso che la parte relativa alla composizione è una cosa e il live è un’altra. Quindi di solito si pensa a comporre le cose che ci piacciono e come suonano e poi è dal vivo che vengono riviste le parti in modo da farle funzionare meglio, la velocità dei pezzi o magari parti che sembrano troppo complesse, dopo averle proposte dal vivo capiamo di di doverle semplificare in modo che diventano molto più di impatto.

R.G.: Per i Les Fleurs è lo stesso?

L.F.D.M.: Sottoscrivo totalmente quanto detto dai Gambardellas, suonando impari a stare su di un palco cioè a costruire uno show e a come interagisci con il pubblico. È divertente anche quello, capire quali pezzi hanno funzionato meglio nella scaletta, come costruirla…magari in sala prove costruisci una scaletta che ti sembra la più figa e che spacca, poi la riproponi dal vivo e pensi “magari in quella atmosfera era meglio quell’altro pezzo”. Quindi è un lavoro in progressione, poi i pezzi a furia di suonarli li modifichi un po’ rispetto al disco però live suonano meglio.

G.: Sì perché con il tempo impari a conoscere i pezzi, e a volte pensi “se avessi fatto questo pezzo…”

R.G. Quindi le scalette vengono modificate tra una data e l’altra anche in base alla location o in base ad altri aspetti?

G.: Sì assolutamente, in base alla lunghezza dello show ad esempio…

L.F.D.M.: …poi magari pensi di inserire dei brani che non proponi da tempo…

G.: Noi cerchiamo per il 90% delle date di tenere la stessa scaletta però è ovvio che a volte non hai il tempo per fare l’intera scaletta e devi modificarla. E’ sempre un po’ un casino perché quando hai trovato una scaletta che funziona e sei costretto a modificarla, perché magari suoni in apertura, devi cercare di ricostruire le stesse emozioni.

R.G.: Passiamo a parlare dell’album, cioè dei vostri album. Siete in due fase differenti del vostro percorso: i Les Fleurs sono usciti già da un po’ mentre per i Gambardellas è oggi la release date. Qual è il bilancio per voi Les Fleurs dopo ormai 12 mesi di “Il Rock È Morto” ora che vi avvicinate alla fine del periodo di promozione dell’album?

L.F.D.M.: Noi abbiamo pensato alla promozione dell’album anche puntando sul fatto di avere molti singoli, il brano Il Rock È Morto ad esempio è il quinto singolo, perché vogliamo portarlo avanti come fosse un insieme di singoli, in modo da evitare che dopo un mese dalla pubblicazione dell’album la sua vita sia già finita. Quindi è anche un modo per coinvolgere le persone su nuovi brani, anche perché nel nostro caso ogni canzone è un microcosmo a sé all’interno dell’universo che è il disco, quindi ci piace puntare l’attenzione in un determinato momento su quella canzone. Vi anticipo già che non sarà l’ultimo questo! Anche perché poi ci vengono un sacco di idee sulle canzoni e vale la pena svilupparle.

R.G.: Quindi siete ancora concentrati su questo album, non state pensando ad un nuovo lavoro in studio.

L.F.D.M.: In realtà ci stiamo già pensando, però secondo noi ciò che premia è avere qualcosa da dire, cioè una band non sta “riscaldando la minestra” per così dire, ma se ci si riesce a collegare come stasera dove presenteremo il nuovo singolo Il Rock È Morto che è calzantissimo con la location, calzante sulla nostra alchimia e sul fatto che noi proponiamo rock’n’roll, abbiamo creato qualcosa di nuovo. Per tornare alla tua domanda, il bilancio del disco direi che è positivo…abbiamo tutte le fatture di vendita in auto (risate generali ndr).

R.G.: Ma in realtà la domanda non era in termini di vendite, ma più come feedback che vi ha dato. Il vostro seguito ad esempio è cresciuto?

L.F.D.M.: Certo, la risposta della gente è partita alla grande ma pian piano ci rendiamo conto che sta aumentando, sta prendendo piede proprio il discorso che abbiamo impostato con il disco ed è una cosa fighissima. Vedi la gente che partecipa al concerto con cognizione di causa, magari all’inizio vieni al concerto, non sa chi sei, ha sentito magari Novembre con Nada su youtube e dice “ma questi che cazzo stanno facendo” e invece poi vedi che al concerto ti cantano il brano o ti dicono che ha ascoltato quella canzone migliaia di volte. È un pubblico più consapevole.

R.G.: Quindi l’idea di fare più singoli e di “allungare” il periodo di promozione dell’album è stata vincente?

L.F.D.M.: Be’ sì poi in realtà se lo vediamo oggi nel 2018 a livello discografico è sicuramente un periodo lunghissimo però se ci pensi prima i dischi avevano un buon margine di tempo di promozione, poi a volte uscivano addirittura i doppi dischi…adesso i doppi dischi escono in rarissimi casi, tipo lo hanno fatto i Verdena e l’etichetta li ha obbligati a non farli più (risate generali ndr).

G.: Anche noi la pensiamo così, noi non abbiamo fatto molti singoli ma l’idea di base è quella di lavorare addirittura prima dell’uscita dell’album. Io vedo ad esempio Jack White che parla del disco ma esce a metà marzo…gennaio sembra presto ma non lo è. Anche noi abbiamo voluto organizzare un giro di promozione prima, era già qualche mese che si parlava di Survive. Infatti oggi che è uscito il disco ci siamo detti “vi rendete conto che ci stiamo lavorando da un’eternità a questo album” (risate generali ndr).

L.F.D.M.: Possiamo svelare questa chicca? Noi abbiamo iniziato a registrare Il Rock È Morto quando i Gambardellas avevano iniziato da tempo a registrare Survive.

G.: Be’ la gestazione è stata lunga ma a livello di promozione è da novembre che sveliamo cose, poi è uscito il video, poi la copertina…d’altronde questo è il mercato che te lo chiede perché effettivamente nel 2018 ai tempi dei social è cambiato tutto: tutto dura un attimo, è uscito l’album e viene accolto dal pubblico, la settima dopo diventa antico. Devi costantemente buttar fuori materiale, poi esce il tour, poi instagram… è così via.

R.G.: Che poi il discorso del periodo di promozione lungo non è sempre vero. In passato c’erano band che pubblicavano più album nello stesso anno, vedi Frank Zappa che è arrivato a pubblicare 5 album nello stesso anno.

L.F.D.M.: Be’ sì ma lui era Frank Zappa!

R.G.: Certo ma probabilmente dipende anche dal seguito che c’è, o dal tipo di promozione che una band intende fare. A tal proposito volevo chiedervi: voi pensate che tutto questo sforzo in termini di promozione di un album sia opportuno affidarlo ad un esperto esterno al gruppo oppure pensate che soprattutto a livello emergente le band debbano organizzarsi anche autonomamente per farsi conoscere.

G.: Secondo noi un ufficio stampa è necessario per un lavoro massiccio, cioè la quantità di ore che necessita un lavoro del genere una band farebbe fatica. Ad esempio i social, che sembra una stupidata, devi curarli tutti i giorni perché altrimenti ci sono gli algoritmi che ti sono contro. Io (Mauro ndr) lo faccio molto volentieri, lo abbiamo sempre detto che lo facciamo da soli, lato ufficio stampa anche stavolta ci siamo affidati ad un ufficio stampa che si occupasse del lavoro dietro le quinte. Perché secondo noi sono solo le band che hanno la visione del proprio lavoro e di dove vogliono arrivare e hanno il tempo di pensarci. Magari nel cuore della notte ti svegli e dici “potremo fare questa cosa!”, mentre l’ufficio stampa lavora per te qualche mese e non ti puoi aspettare che si svegli nel cuore della notte per ascoltare le idee dei Gambardellas (risate generali ndr). Cioè tipo un live sul tetto dell’Unes di Buccinasco e lanciamo panettoni al pubblico (altre risate ndr). Quindi fare le cose da soli fin quando non diventi tanto grande da dover avere degli esperti. Vedi ad esempio la stessa Lady Gaga che cura personalmente i suoi canali social.

R.G.: Anche per i Les Fleurs è così?

L.F.D.M.: Sì certo, condividiamo in pieno, la nostra linea è sempre stata questa come i Gambardellas, non a caso siamo qui a condividere un’occasione così speciale.

G.: Noi abbiamo condiviso tanto, anche esperienze professionali. A noi è capitato spesso di collaborare con varie agenzie, con molte persone, e poi ci siamo confrontati anche insieme e ci troviamo sempre in linea con quello che pensiamo.

R.G.: Parliamo invece di testi o comunque di messaggio che voi tramite la musica volete trasmettere. Parliamo de “Il Rock È Morto”, innanzitutto qual è il concetto che volete trasmettere?

L.F.D.M.: “Il Rock È Morto” è innanzitutto una provocazione, nel senso che il rock per noi non è morto, ha tanto da dire, però ci rendiamo conto che se il rock viene associato a determinati cliché o al riff di chitarra…sono cose morte e stramorte quelle. Il rock vive nel suo spirito, in uno spirito fatto di innovazione, di originalità, di fare quello che ti senti di fare, di cercare di sbattertene un po’ delle logiche di mercato, questo è rock’n’roll! E questo deve sopravvivere e sopravvive, infatti ci sono tantissime band lì fuori oltre noi che hanno tanto da dire. Quindi il rock c’è dove c’è un’onestà intellettuale.

R.G.: Qual è l’elemento innovativo nello stile che proponete voi?

L.F.D.M.: Proporre qualcosa di nuovo, già il fatto che non lo puoi categorizzare. Il nostro disco è punk? Oppure è hard rock? Forse. È pop? C’ha qualcosa. Cantato in italiano con dei testi sui generis…onestamente io conosco un sacco di band però poche che possono proporre un tipo di progetto di questo tipo. Non lo dico perché noi lo facciamo, ma solo perché ci mettiamo sempre dalla parte di chi ascolta. Noi ci crediamo, parlando con diverse persone sembra che il messaggio arrivi e quindi questo ci convince ancora di più. Poi magari saremo degli autoconvinti (risate ndr).

R.G.: E invece nella visione dei Gambardellas? Anche per voi il rock è morto?

G.: Io personalmente non ho mai pensato ad un genere, non ci approcciamo mai alla musica pensando ad un genere, ma anche i Les Fleurs in realtà fanno così. Facciamo quello che ci piace, nel senso che l’idea base di Survive era mischiare ciò che avevamo fatto fino a quel momento, cioè rock alternativo con un certo tipo di sound che strizzava l’occhio al fuzz blues, con un’idea di synth e di elettronica. Un’idea semplice sulla carta ma non ovvia da realizzare, sia da un punto di vista tecnico che stilistico. Noi pensiamo che ci siano davvero tanti progetti validi, soprattutto nel contesto alternativo. Io (Mauro ndr) però seguo poco la scena italiana, sono più vicino alla scena straniera anche se ci sono tantissime band valide come gli Electric Ballroom, gli Anewrage, ci sono i Destrage…

R.G.: Sì molto validi, ma mi hai citato tutte band Bagana!

G.: (risate generali ndr) Sì ma perché condividiamo le salette per cui li vedo e ora mi vengono in mente, ma ci sono anche Les Fleurs, Il Vile è un’altra ottima band. Bisogna andare a scavare.

R.G.: Voi tutti, da quando avete iniziato, avete fatto un percorso di crescita, come avete detto anche voi. Anche il pubblico è aumentato. Se un domani doveste diventare una band di successo, secondo voi nella scena attuale qual è l’elemento per cui, se si dovesse verificare, avreste la dimostrazione concreta di “aver sfondato”?

L.F.D.M.: Il bassista che è un figo (risate generali ndr).

G.: Io penso sempre suonare sul palco del Glastonbury, sul palco principale. Lì bisognerebbe iniziare a pensare a qualcos’altro, ho sempre pensato che quel posto, quel palco, sarebbe il top. Ma anche altri festival, come il Reading, il Download, cioè fare quei palchi, vorrebbe dire che…

R.G.: Solo festival esteri? Non ci sono anche festival italiani?

G.: Suonare sul palco dell’I-Days sarebbe bello, ma io (Mauro ndr) non trovo che ci sono festival italiani che siano così importanti. C’era l’Heineken che era bello, c’è l’I-Days che secondo me spacca però…io sono un po’ più esterofilo, anche perché così potresti avere un seguito europeo…loro mi prendono in giro, io la vedo sempre mondiale la cosa, sia per una questione di sound che emotiva. Fin da piccolo vedi dei palchi importanti.

L.F.D.M.: Aprire a Pupo! (risate generali ndr). Beh, scherzi a parte, è una domanda difficilissima perché a tratti spaventa anche pensare ad un traguardo che poi magari raggiungi e poi dici “e adesso?!”. Secondo me è importante darsi tanti piccoli traguardini e poi quando hai fatto il botto te ne rendi conto, lo capisci.

R.G.: Cambiamo argomento: rapporti con la stampa. Leggete le recensioni dei vostri album? Vi ritrovate in quello che scrivono di voi?

G.: Sì le leggiamo, servono per capire cosa le persone colgono della tua musica. Ieri ad esempio eravamo in radio per un’intervista e uno ci fa “mi ricordate i Doors” (risate generali ndr). Bene, adoro (Mauro ndr) i Doors, oppure i Muse che spesso saltano fuori, però…secondo me anche quello è il bello, tu componi e poi le persone “riempiono i puntini”. L’arte in generale viene interpretata in modo diverso.

L.F.D.M.: Alla fine le canzoni sono di chi le ascolta, l’importante però è che l’album venga ascoltato. Ti capita di leggere alcune recensioni in cui ti chiedi “ma questo che disco ha ascoltato?!”. Alcune recensioni si capisce che sono un punto di vista personale ma che hanno ascoltato il disco, e va benissimo anche se non ti ci ritrovi completamente, sono gusti personali. Ma in altri casi capita il contrario…e ti girano le scatole.

R.G.: E la cosa più strana che avete letto de “Il Rock È Morto”??

L.F.D.M.: Mi ricordo per il precedente album (Medioevo ndr) ci hanno detto di tutto, ci hanno detto che era nu metal, piuttosto che altre cose strane. Comunque le leggi le recensioni e capisci quando lo hanno ascoltato l’album e quanto no.

G.: A noi capitò con il primo album (Sloppy Sounds ndr), una recensione era completamente su quanto non piacesse la copertina e solo alla fine si diceva “però l’album è bello” (risate generali ndr). Fantastico! Però non fa nulla, quando il disco esce non puoi controllare cosa dicono, ma alla fine va bene che se ne parli. Se sei bravo riesci anche a girare le cose negative in positive.

R.G.: Infatti noi abbiamo notato che alcune band, anche in caso di recensioni negative, decidono comunque di condividere lo stesso la recensione. È questo lo apprezziamo.

L.F.D.M.: Sì infatti, noi ad esempio per principio condividiamo tutto.

R.G.: Siamo verso la fine dell’intervista. Voi Gambardellas ci avevate raccontato in occasione dell’ultima intervista che l’album avrebbe avuto un filo comune tra tutte le tracce ma che non potevate svelarci. Ora potete raccontarcelo?

G.: Sì, il filo conduttore di Survive è proprio la sopravvivenza. Rileggendo tutti i testi avevamo un disco compatto dal punto di vista sonoro ma anche di liriche, e la tematica della sopravvivenza è centrale; anche Davide (voce e chitarra dei Les Fleurs Des Maladives ndr) lo dice quando parla del rock che sopravvive e mi faceva sorridere perché siamo veramente abituati a sopravvivere, non stiamo più vivendo fino in fondo quello che è la vita a causa di tanti motivi. Poi la cosa positiva è che l’album non vuole essere un “noi contro di voi” ma uno spaccato di quello che vediamo, noi crediamo in realtà che si può vivere anche alla grande ma l’importante è farlo con altre persone e la copertina significa questo, nella caduta stare uniti.

R.G.: Ultima domanda: formazione. Voi Gmbardellas vi presentate come un trio ma in realtà siete in quattro. Ci spiegate?

G.: Sì, Roberto Paladino è un elemento fondamentale per noi, ha registrato il disco, ha provato con noi prima di entrare in studio, è sempre presente però per altre ragioni non è ufficialmente in line-up, perché essere in una band non vuol dire solo salire sul palco ma anche tutto il lavoro che c’è dietro. Quindi ufficialmente rimaniamo un trio.

R.G.: Invece per Les Fleurs qualche anticipazione su un prossimo singolo o sul prossimo brano?

L.F.D.M.: Sicuramente ci sarà un altro video che parlerà di Milano, ma non abbiamo ancora pianificato l’uscita. Dopo capiremo a che punto siamo messi, come possiamo organizzarci. Le idee ci sono, dobbiamo capire alcune dinamiche, è un discorso in divenire…alla fine al momento giusto ci ragioneremo e capiremo cosa fare. Comunque non ci fermiamo, sicuramente torneremo. Non ci improvvisiamo kebabbari (risate ndr).

R.G.: Ok grazie a tutti voi e auguri per il concerto!

G.: Grazie mille a voi di RockGarage

L.F.D.M.: Grazie a voi!

Intervista ai 7Marzo

I 7marzo sono una band brianzola, potremmo definirla rock, ma non basterebbe. Questo dubbio ce l’ha tolto Franz, voce e chitarra del gruppo, che ci ha concesso un’intervista presso il Greenman Studio di Lomagna (LC). Franz ci ha raccontato la genesi dei 7marzo, ci ha svelato come è nato Vorrei Rinascere In Un Lama, disco d’esordio del gruppo, e ci ha dato la sua opinione su diversi argomenti che gravitano attorno alla musica in generale.

R.G.: Ciao ragazzi e benvenuti su RockGarage! Raccontateci un po’ chi sono i 7marzo.
7.M.: Ciao! Siamo i 7marzo e non siamo altro che una band brianzola, molti ci definiscono “alternative”, a noi piace definirci semplicemente rock, perché alternative non si capisce…alternativi a che cosa? Per differenziaci forse dal classico rock italiano alla Litfiba, Timoria o Negrita? Può essere. Una delle nostre principali caratteristiche è quella di scrivere testi molto ironici, anche se non ci piace definirci come band demenziale. Spesso ci chiedono che genere facciamo, noi rispondiamo che siamo un misto tra i Foo Fighters ed Elio E Le Storie Tese, senza essere né grunge, né demenziali. Citiamo spesso anche Max Gazzè essendo un artista che stimiamo tantissimo e difatti il sound che proponiamo ha anche dei punti di contatto con l’artista romano.

R.G.: Ascoltando i vostri brani in effetti sono diverse le influenze che risaltano, ma con che generi siete cresciuti e vi siete formati?
7.M.: Premesso che i testi li scrivo io, assieme alle musiche, per poi trovarmi con gli altri e lavorarci assieme, personalmente ho avuto un’educazione musicale abbastanza schizofrenica, perché sono cresciuto ascoltando il punk hardcore degli anni 90 dei Nofx, Bad Religion e Good Riddance. Dopo il liceo, sapendo suonar diversi strumenti, decisi di voler fare il musicista a tutti gli effetti; ricordo che mia madre, insegnate di pianoforte e clavicembalo, mi disse “Ok, però vai in Conservatorio”, e così andai in Conservatorio a studiare composizione, senza ovviamente mai rinnegare il punk rock. Infatti l’idea dei 7marzo è avere quell’approccio punk rock ma, grazie ai miei studi, riuscire però a trovare anche delle altre soluzioni un po’ più particolari e più curate.

R.G.: Ci hai parlato delle tue influenze e del tuo background musicale, ma da dove nasce il nome 7marzo?
7.M.: Guarda, preferisco che non si sappia dato che la reale motivazione ha radici molto dementi. Quindi preferiamo lasciare tutto questo all’immaginario e alla fantasia.

R.G.: Parlateci invece del vostro disco “Vorrei Rinascere In Un Lama”.
7.M.: Tieni conto che abbiamo iniziato a suonare assieme circa dieci anni fa, tieni conto che io soffro di una certa logorrea musicale, ovvero scrivo davvero tanto. Quindi il materiale non mancava, il tutto è iniziato nel 2013, sì ce la siamo presa con calma è vero, ma alla fine ne è valsa la pena dato che siamo sin da subito rimasti soddisfatti del nostro lavoro.

R.G.: Debut album, nato però più di 10 anni dopo la vostra formazione…ci sono motivi particolari?
7.M.: Noi siamo nati nel 2003, quando all’epoca suonavo con mio fratello, che era il primo bassista della band; abbiamo iniziato a realizzare alcuni pezzi, dopodiché partecipammo ad un concorso, dove il primo premio era la possibilità di pubblicare un singolo per la Sugar e abbiamo vinto. Poi è arrivato quel momento dove ognuno di noi doveva per forza di cose pensare anche ad aspetti più personali, come lavoro, la famiglia, cose così, quindi ci siamo un po’ rallentati, senza però mai scioglierci ufficialmente, fino appunto a come dicevo prima, a quando ci siamo accorti di avere un botto di roba da parte e di avere l’occasione giusta. Tieni anche conto che, a parte il bassista, la formazione non ha mai subito variazioni da quando ci siamo formati nel 2003. Aggiungo che poi, da tempo, desideravo avere un quinto elemento nella nostra formazione, che è poi arrivato, Viviana (sassofonista, clarinettista, corista ndr.), dopo l’uscita del disco, che ci ha permesso di svoltare soprattutto per quanto riguarda l’aspetto live.

R.G.: Hai appena parlato dell’aspetto live, quindi non posso non chiedervi se avete in programmi dei concerti?
7.M.: In questo momento no, l’ultima data l’abbiamo fatta prima di Natale, ma adesso siamo fermi perché stiamo lavorando al nostro nuovo disco, con l’idea di poter far uscire verso i prossimi settembre/ottobre, e stiamo pensando a un nuovo videoclip, ma non abbiamo ancora deciso di quale brano. Senz’altro però quest’estate saremo in giro a suonare.

R.G.: E sempre a proposito di concerti, che idea vi siete fatti sull’attuale situazione riguardo la scena underground, in particolare sulla situazione spazi e possibilità di suonar dal vivo?
7.M.: Guarda, la situazione è difficile su diversi aspetti, ad esempio, io gestisco questo piccolo studio di registrazione e mi accorgo quotidianamente delle difficoltà di poter portare avanti un lavoro. Quindi, da imprenditore, capisco anche un locale che preferisce andar sul sicuro puntando su dj set o cover band piuttosto che su un gruppo emergente. Questo ammazza la musica? Sì ma non posso criticarli, d’altra parte però penso che questo modo di lavorare non sia lungimirante, perché le cover band sono più o meno sempre le stesse. Ci vorrebbe quindi un po’ più di coraggio, puntando anche su direttori artistici in gamba. Magari all’inizio un locale fa fatica, ma se riesce a proporre per più volte la settimana, della musica di qualità, sono certo che alla lunga la cosa paga. Un po’ come il percorso che negli anni ha fatto il Circolo Magnolia, e guarda ora che risultati ha ottenuto. Un altro fattore è anche quello che a causa della crisi dell’industria discografica, si è creato un divario netto tra le band mainstream e quelle underground, tant’è che quando io mando le e-mail per cercare date, mi trovo a dovermi confrontare contro grossi booking. Quindi è anche normale che il locale tenga più in considerazione i secondi, tant’è che stiamo appunto pensando anche noi di affidarci a un importante booking che possa rappresentarci.

R.G.: Un altro argomento attuale è la crescita di Soundreef per la tutela dei diritti d’autore, tant’è che molti artisti, anche grossi, stanno abbandonando SIAE per loro. Che idea ti sei fatto a riguardo?
7.M.: Sinceramente non sono molto informato su Soundreef, perché come ti accennavo prima dell’intervista, da diversi anni, avendo lo studio di post-produzione lì, sono iscritto all’ASCAP, che è una delle SIAE americane; tieni conto che negli U.S.A. non c’è un monopolio e quindi puoi scegliere l’ente che preferisci, oltre al fatto che è molto più semplice a livello burocratico e che ASCAP ti dà la possibilità di esser iscritto non solo come autore, ma anche come editore, cosa non fattibile qui in Italia. Lavorando sul nuovo disco mi informerò a dover, anche se ho sentito diverse campane a riguardo, soprattutto legate al fatto che SIAE, dopo il commissariamento e diverse legnate, sembra si sia data una svegliata.

R.G.: Come vi rapportate con il web? Può essere il vero punto di forza per una band underground?
7.M.: Direi che è vitale e indispensabile, soprattutto per una band che deve autopromuoversi. Infatti non mancano affatto gli strumenti per farlo, che siano gratuiti o a prezzi popolari. Noi, ad esempio, non usiamo né Twitter né Instagram e usiamo soprattutto Facebook perché ci permette di raggiungere un gran numero di persone, potenzialmente interessate alla nostra musica, facendo anche delle promozioni mirate senza dover pagare chissà quali cifre. Poi la difficoltà sta nell’emergere. Il nostro disco è disponibile su tutti gli store on line, quindi iTunes, Amazon, e anche in streaming su Spotify. Io penso di essere uno dei pochi a comprare ancora il disco fisico, perché lo considero una sorta di atto d’amore verso l’artista, mi piace avere l’artwork in mano, leggere i testi, ma è una cosa che faccio solo per le band delle quali sono proprio innamorato.

R.G.: Un altro argomento è la critica musicale: come band andate a leggere le recensioni sui vostri lavori?
7.M.: Sì ci piace leggerle e trovo che sia uno strumento molto utile sotto diversi punti di vista anche per la band, la recensione per noi è anche una certificazione del lavoro che hai fatto.

R.G.: Ti ringrazio per l’intervista Franz, vuoi mandare un saluto ai lettori di RockGarage?
7.M.: Grazie dell’intervista innanzitutto! Mando un caro saluto a RockGarage e ai suoi lettori e mi raccomando ascoltate musica emergente!