Intervista ai Giorgieness

Poche ore prima del loro show acustico presso la Santeria Paladini di Milano, abbiamo incontrato Giorgie D’Eraclea, voce dei Giorgieness. Nel corso di quest’intervista, Giorgie ci ha raccontato un po’ di lei, dei suoi inizi, del percorso con i Giorgieness, percorso che li ha portati ad essere una band tra le più interessanti del panorama underground italiano. Passato e presente, svelandoci anche alcuni aneddoti molto interessanti. Eccovi il resoconto della nostra chiacchierata.

R.G.: Ciao Giorgie e benvenuta su RockGarage! Raccontaci un po’ dei tuoi inizi e di come nascono i Giorgieness.
G.: I Giorgieness nascono circa nel 2011. Ma prima ero da sola, in Valtellina suonando in alcune band hard rock, punk, metal. Ad un certo punto la cosa iniziò a starmi un po’ stretta e quindi ho iniziato a scrivere le mie canzoni, passando dall’inglese all’italiano, pur essendo totalmente fuori dal mondo indie italiano, cioè, non ascoltavo proprio nulla di questo! Ho iniziato quindi ad esibirmi prima in Valtellina, per poi passare per la Brianza fino a Milano. Poi ho conosciuto Gerry Valentini, un organizzatore di eventi del valtellinese, che mi ha proposto di fare un EP, e da lì nacque il nostro EP Noianess. Nel frattempo ho conosciuto Andrea De Poi, prima batterista ed ora bassista della band, ed abbiamo iniziato a suonare, è stato tutto molto veloce, e quando ci ripenso mi sembra come se fosse successo ieri. Invece sono passati quattro anni, quattro anni dove abbiamo dovuto fare diversi sacrifici sotto diversi punti di vista. L’anno scorso poi ho conosciuto Davide, il nostro produttore, con il quale abbiamo deciso una sorta di strategia, che si è poi rivelata efficace dato che abbiamo fatto tutto secondo una tabella di marcia, partendo dai singoli, fino ad arrivare al disco La Giusta Distanza. Poi si è aggiunto Luca alla batteria, ed eccoci qui!

R.G.: La prima volta che vi vidi fu al Pending Lips 2013 dove facevamo parte della giuria, come sei/siete cambiati in questi tre anni?
G.: Tieni conto che in quel periodo eravamo solo io ed Andrea, che eravamo poco più che ventenni. Come ti dicevo prima si sono aggiunti Davide e Luca, che sono più grandi di noi, e quindi hanno con loro molta più esperienza. Da loro abbiamo imparato molto, grazie al loro vasto bagaglio artistico. Quindi è naturale che dal 2013 abbiamo fatto molti passi avanti, senza mai voler arrivare, perché quando sei musicista hai sempre la curiosità di provare altre cose, sperimentare.

R.G.: Se dovessi scegliere una tua canzone per presentarti e farvi conoscere, quale sceglieresti?
G.: Uhm..forse K2, ma anche Non Ballerò e Come Se Non Ci Fosse Un Domani, quindi i nostri tre singoli. Ma penso che K2 sia proprio quella più rappresentativa

R.G.: I tuoi brani sono totalmente autobiografici?
G.: I miei testi sono tutti autobiografici, parlano di me, delle mie esperienze di vita. Essendo una persona molto istintiva nella vita, i testi nascono da dentro, in maniera ovviamente totalmente istintiva.

R.G.: E che sensazione provi sapendo che un vostro videoclip, Come Se Non Ci Fosse Un Domani, è attualmente in rotazione su Rock TV?
G.: Ma sai che io non ho la televisione? Però ho ricevuto tantissimi messaggi, è stato proprio bello. Forse ho realizzato la cosa quando mi ha scritta una mia compagna di classe delle superiori, che non vedevo da una vita, dicendomi di avermi vista in TV. E’ stato bello!

R.G.: E’ vero che ti è stato proposto di partecipare ad un noto talent televisivo?
G.: E’ verissimo, sono stata contattata sia da “The Voice” che da “X-Factor” ma, gentilmente, ho declinato l’invito. Il motivo è semplice: non è la mia dimensione e non mi piace quel tipo di meccanismo. Io penso che se sei una cantautrice, quei contesti non fanno per te, possono farne parte se sei una persona alla quale piace semplicemente cantare, ma non sono io. Prima parlavi del Pending Lips: pensa che per me era addirittura strano partecipare a quei, comunque pochi, contest musicali dove siamo stati!

R.G.: Avete condiviso il palco con artisti più noti come Tre Allegri Ragazzi Morti, The Kooks..che esperienza è stata?
G.: Bellissime esperienze, ricordo con tantissimo piacere soprattutto quella con i Tre Allegri Ragazzi Morti, perché non eravamo abituati ad esibirci davanti a 500-600 persone. Poi loro sono davvero delle persone splendide, anche perché hanno una particolare attenzione verso le band emergenti. Ci hanno aiutato molto, e ancora oggi ogni tanto mi scrivono per informarsi su di noi, sui nostri progetti eccetera. Ma c’è ne sono tante di band con le quali ci siamo trovati benissimo, un’altra sono i Pan Del Diavolo, con i quali abbiamo instaurato col tempo un bel rapporto d’amicizia. Resto dell’idea generale che tra le band dovrebbe esserci sempre solidarietà, noi abbiamo avuto la fortuna di esserci trovati spesso bene assieme ai gruppi con i quali abbiamo suonato.

R.G.: Poco fa dicevi che all’inizio scrivevi in inglese, come mai questa scelta di scrivere in italiano?
G.: Si da ragazzina scrivevo in inglese, quando avevo 14-15 anni con la mia prima band dove facevamo cover punk tipo dei The Distillers, Rancid o Social Distortion, ed a proposito di questo, la mia passione per Mike Ness (voce storica dei Social Distortion ndr) ha fatto in modo che la parole “ness”, come hai visto, facesse parte della mia vita! Tornando alla lingue, da ragazzina ho sempre pensato che se non scrivevi in inglese eri una sfigata, ma fortunatamente crescendo ho capito che non è così! Ho capito che se ho qualcosa da dire, da raccontare, dovevo farlo nella mia di lingua.

R.G.: Cosa ascolti attualmente?
G.: In questo momento sto ascoltando un sacco Cosmo, soprattutto il disco nuovo che è una bomba. Poi Lykke Li…vado molto a periodi, ho avuto il momento con I Ministri, poi con L’Orso. Ogni tanto vado sull’elettronica con Bjork o James Blake, ed anche delle cose pop; essendo una grande fan degli anni 90 ogni tanto torno su Britney Spears, Eminem o Beyonce.

R.G.: Pensi che ci sia maschilismo nell’ambito musicale?
G.: Assolutamente si! (ridendo) Guarda, alcune volte mi sento dire frasi come “vuoi che te la attacco io la chitarra? Vuoi che te lo collego io l’ampli?” oppure “mi raccomando canta forte perché io ho problemi quando faccio le voci alle donne”. Oppure è capitata qualche proposta un po’ così per una data, ma anche vari commenti sui social, ad esempio, su Levante che, secondo alcuni, ha successo perché sta con Tizio o Caio, e non perché è un’artista con tanto talento. Purtroppo è una cosa che ancora oggi esiste.

R.G.: Giorgie, grazie dell’intervista e in bocca al lupo per stasera!
G.: Grazie a voi!

Intervista agli Hacktivist

Se si dovesse parlare di innovazione in ambito musicale estremo sicuramente finiremmo a parlare di djent, movimento a metà tra progressive e metal estremo dal gusto moderno che in quest’ultimo periodo sta prendendo sempre più piede negli ascolti abituali dei metalheads mondiali. Tra i nomi più curiosi di questo movimento spicca quello degli inglesi Hacktivist. Band nata quasi per gioco tra amici, mescolando il sound del rap dall’odore di strada urbana con quello del metal complicato dei Meshuggah, sembra che il gioco tra questi amici sia andato bene e immediatamente la formazione si è ritrovata ad essere tempestata dall’interesse della scena che li ha portati a girare un po’ per l’Europa (e non solo) suonando la loro musica. Nonostante abbiano già fatto un po’ di strada, questi giovani dovevano ancora registrare il loro primo disco, infatti il loro debutto Outside The Box ha visto la luce solo quest’anno e, in occasione della data milanese del loro tour di promozione al disco noi abbiamo incontrato i due rapper della band, Ben Marvin e Jermaine “J” Hurley, per una piacevole chiacchierata.

R.G.: Ciao ragazzi, benvenuti sulle pagine di Rockgarage.it! Come sta procedendo questo vostro primo tour europeo in grande stile?
B. M.: Abbiamo già avuto modo di suonare in giro per l’Europa in passato ma è vero che questa volta si tratta del nostro tour più grande.
J. H.: Sta andando alla grande! Ogni sera ci stiamo ritrovando a suonare davanti a belle platee di ragazzi!

R.G.: Qualche settimana fa avete rilasciato il vostro tanto atteso album di debutto “Outside The Box“, cosa rappresenta per voi questo disco?
B. M.: Abbiamo trascorso un paio di anni per realizzarlo e alla fine il risultato è stato di ritrovarci in mano esattamente il disco che avremmo voluto fare. Il suo titolo Outside The Box credo che rifletta un po’ il nostro sound, d’altronde il disco contiene il brano Outside The Box che riflette a pieno il nostro stile e riusciva a descrivere l’album nel suo insieme. È stato fantastico il riscontro ottenuto dal pubblico immediatamente dopo la sua uscita, spero la mia band abbia intrapreso la strada giusta!
J. H.: Dopo un’accurata ricerca abbiamo trovato finalmente un sound popolare e ogni brano credo che sia duro e dinamico al punto giusto.
B. M.: Credo che con il nostro EP eravamo ancora in fase di sperimentazione alla ricerca di un sound personale, quindi il risultato di questo sperimentare è rappresentato bene dall’heavy sound ricco di idee contenuto nel nostro debutto, un mix ben calibrato tra materiale duro, più morbido e melodico mescolato ad elettronica. Si tratta di un sound molto più vario rispetto a quello presentato con l’EP.
J. H.: Questa volta abbiamo intrapreso nuove direzioni anche per quanto riguarda le linee vocali e i testi delle canzoni!

R.G.: Prima avete affermato che il brano Outside The Box rappresenta in pieno il contenuto dell’album dal punto di vista musicale e delle sue tematiche, eppure ascoltando il disco, sembra che sia proprio questo il brano che maggiormente si discosta dal resto, brano che risente maggiormente la vostra influenza come band proveniente dal metal più classico.
B. M.: Sì, hai ragione, il brano non riflette musicalmente il reale contenuto del disco ma più che altro per quanto riguarda il contenuto del suo testo, in cui abbiamo parlato di come abbiamo dato vita a questo nuovo progetto, ciò che abbiamo fatto nei tre anni in cui ci siamo dedicati alla stesura di questo album, insomma una vera e propria storia del disco dal suo principio alla sua conclusione. Abbiamo scritto il testo di questo brano basandoci semplicemente sui ricordi di ciò che ci è capitato negli ultimi anni, quindi ci è sembrato fosse la scelta giusta come titolo del disco.

R.G.: Sappiamo già che il vostro progetto è nato quasi per gioco tra di voi, ma come è andata realmente? Come è nata l’idea di mescolare sound così diversi come l’elettronica, il nu metal, il djent, al rap?
J. H.: A me è capitato di conoscere Tim (principale compositore, chitarrista e voce clean della band, ndr) attraverso un giro di amicizie, conoscevo la sua band, gli Heart Of A Coward, che seguivo spesso dal vivo, così un giorno quando ero nello studio di registrazione con Tim lui mi ha chiesto se volessi provare.
B. M.: Io ero il cantante degli Heart Of A Coward, una metal band, così Tim fece ascoltare un pezzo delle nuove composizioni a J e così abbiamo provato ad inserire lo style grime sul brano che Tim aveva composto; la base del brano Hacktivist, fu un semplice esperimento fatto per puro divertimento, il grime era ciò che accomunava i nostri gusti musicali e avevamo voglia di realizzare una band dal sound fresco. Una volta messo online il brano ci siamo ritrovati un sacco di interesse da parte del pubblico, così abbiamo deciso di mettere in piedi una vera e propria band e suonare in giro anche la formazione era composta solo da noi due alla voce e Tim alla chitarra, così abbiamo reclutato un bassista, un batterista e abbiamo iniziato a fare date live dopo aver registrato quattro o cinque canzoni.

R.G.: “Outside The Box“ contiene una nuova versione di Elevate, come mai avete deciso di riproporre solo questo brano?
B. M.: Io credo che tra i nostri vecchi brani, Elevate fosse quello che più si avvicinava al sound del disco, abbiamo deciso di farlo per far conoscere i nostri primi brani anche a coloro che si avvicineranno per la prima volta alla nostra musica con questo disco. Credevamo fosse un peccato non inserire questo brano nell’album perché rappresenta uno dei brani più forti tra quelli da noi scritti e che ha anche riscontrato maggiore successo on line, quindi abbiamo pensato che se non l’avessimo inserito, molte persone non avrebbero avuto mai occasione di ascoltata anche perché normalmente il pubblico si avvicina ad una band attraverso un disco, non con un EP. Poi credo che la nuova versione suoni nettamente migliore, abbiamo lavorato molto su questo brano nel corso degli anni, attraverso i vari live abbiamo imparato a conoscere la strada giusta per donargli dei toni più passionali nel modo di cantarlo.

R.G.: Cosa avete già programmato per il vostro futuro?
B. M.: Per il momento abbiamo in programma di proseguire con il tour di promozione al disco e portare il nostro sound dal vivo in nazioni che ancora non abbiamo avuto modo di vedere, poi andremo in Australia, parteciperemo a qualche festival estivo, alcuni sono già stati annunciati tra cui due in UK e qualcuno in Europa, mentre per altri siamo ancora in fase di trattative. Inoltre stiamo già lavorando al nostro secondo album, al momento siamo ancora nella fase in cui si raccolgono le idee, abbiamo solo qualche clip registrato durante il tour, ma almeno posso già dire che abbiamo iniziato a lavorarci.

R.G.: Per quanto riguarda invece i singoli estratti dal vostro disco al momento ne avete rilasciato solo due, Buszy e Taken, a questi ne seguiranno degli altri?
B. M.: Abbiamo in programma di realizzare dei video per la maggior parte dei brani presenti sul disco e proveremo a far di tutto per farlo! L’intento nostro sarà di realizzare proprio quanti più video sarà possibile rilasciare perché noi siamo una band che punta molto sull’aspetto visivo per quanto riguarda le canzoni. La maggior parte del nostro pubblico si è avvicinato alla nostra musica grazie ai video su youtube, quindi credo che rilasciare solo uno o due video per un disco non avrebbe alcun senso per noi! È risaputo ormai che non tutti acquistano i dischi oggi e youtube resta il principale canale da cui la gente ascolta musica, quindi una volta presente su questo canale, la nostra musica può avere la giusta visibilità per poter essere raggiunta da tutti.

R.G.: Quindi deduco che la visibilità di una band sul web sia una cosa fondamentale per voi oggi giorno?
B. M.: Sì credo che il novanta per cento dei risultati che abbiamo ottenuto è stato grazie ad internet, un tempo la notorietà si acquistava grazie al contratto con un’etichetta musicale oppure facendo concerti, qualcuno che ti promuoveva. Oggi invece hai la possibilità di fare questo tutto da solo: scrivi una canzone la posti online e tutto vien da sé, quindi credo che ciò accada per il cento per cento di queste fasi, soprattutto per quanto riguarda il filone djent.

R.G.: Ok grazie mille ragazzi per la chiacchierata!
H: Grazie a voi!

Intervista ai Derozer

Dopo una pausa durata qualche anno, tornano i Derozer, nome altisonante del panorama punk rock nostrano. Tornano sulle scene con un breve tour di sei date che ha come tappa di partenza il Live Club di Trezzo Sull’Adda (MI). Poche ore prima dello show, Seby, leader e voce della band, assieme agli altri membri, ci ha accolto nel backstage del locale per una piacevole chiacchierata in cui la band ha raccontato aspetti passati e presenti e svelato i piani futuri. Ecco l’intervista ai Derozer.

R.G.: Ciao ragazzi e benvenuti su RockGarage! Carichi per stasera?
D.: Ciao e grazie! Si assolutamente carichi!

R.G.: Vi siete presi una pausa, lontani dai palchi, raccontateci un po’ cosa avete fatto in quest’ultimo periodo.
D.: Sì, ci eravamo già fermati una prima volta, dopo un’attività intensissima. E questo ci aveva un po’ fatto perdere contatti con la realtà e quindi avevamo bisogno di un piccolo break, per raccogliere le idee. Quella pausa durò quattro anni, dopodiché abbiamo ripreso la nostra attività live, per poi fermarci nuovamente un po’ per gli stessi motivi. Ne abbiamo parlato tra noi, più concretamente, da persone molto più mature, ed abbiamo deciso ora di ritornare in maniera definitiva, o almeno fino a quando ce n’è avremo! Perché tornare? Perché amiamo tantissimo suonare, amiamo il punk rock, amiamo viaggiare, suonare in tanti posti diversi, amiamo tutto questo ed è questa la nostra dimensione. In passato tutto questo ci fu tolto, per diversi motivi, anche per colpe nostre, ci mancherebbe. Ma ora siamo più maturi ed abbiamo ritrovato la giusta serenità per prendere decisioni più concrete riguardo i Derozer.

R.G.: Ho letto che ufficialmente i Derozer saranno in 3 senza bassista, confermate?
D.: Esattamente. Non ci sarà nessun ingresso ufficiale come bassista nella formazione dei Derozer. Per le registrazioni non ci sarà alcun problema dato che sia io che Spazza possiamo eseguire le parti di basso. Insomma un ritorno un po’ alle origini, visto che noi siamo nati come trio. Non andremo dunque a sostituire la figura di Mendez (storico ex-bassista della band ndr) e per i live troveremo sempre chi vorrà farci compagnia, come Paletta dei Punkreas per la data di stasera, mentre per il resto del tour al basso ci sarà Zamu dei Duracel.

R.G.: Quindi escludi ogni possibilità riguardo un eventuale ritorno di Mendez nella band?
D.: No. Con Mendez ci siamo incontrati lo scorso ottobre e molto cordialmente lui ci ha manifestato la volontà di non continuare con i Derozer. Ne abbiamo preso atto, con dolore, ma lui è fermo sulle sue posizioni. D’altro canto non vediamo il motivo per doverci fermare anche noi.

R.G.: Dalle tue parole di poco fa si presume quindi che ci sarà anche un nuovo disco, dico bene?
D.: Assolutamente sì! Alla fine di questo tour di sei date torneremo a lavorare su un nuovo album. A proposito del tour, vorrei raccontare un po’ come è nata l’idea: l’intenzione di questo tour era ed è quella di tastare un po’ il terreno e capire se c’è ancora interesse nei nostri confronti. Tramite Debora e Maurizio della IndieBox abbiamo cercato di capire un po’ gli umori e fortunatamente siamo stati travolti dall’entusiasmo che ancora c’è verso i Derozer, davvero oltre ogni più rosea immaginazione. Quindi queste sei date le consideriamo come “pilota”, proponendo i nostri pezzi storici, senza inediti, dopodiché ci metteremo seriamente a lavorare sul disco nuovo, che vorremmo pubblicare per l’inizio dell’anno prossimo, a cui ovviamente seguirà un altro tour. Il disco uscirà tramite IndieBox, con la quale abbiamo un ottimo rapporto;:onesto, sincero e senza giri di parole, come è giusto che sia.

R.G.: Riesci a definire con un singolo aggettivo ogni vostro disco? Ti dico i vostri album e tu associ un aggettivo o un ricordo che ti viene in mentre, iniziamo con “Bar”.
D.: Casino della Madonna!

R.G.: “Alla Nostra Età“?
D.: Fantastico..la nostra giovinezza!

R.G.: “Mondo Perfetto“?
D.: La Germania e la professionalità nel registrarlo lì in due giorni, quando prevedevamo almeno due settimane di lavoro!

R.G.: “Chiusi Dentro“?
D.: La maturità. E’ il disco che più mi piace, ed anche questo registrato in Germania, ma stavolta in due settimane.

R.G.: “Live In Studio“?
D.: Registrato in mezz’ora durante un lunghissimo tour tra Germania, Est Europa, Canada. Un tour lungo ed intenso in cui però abbiamo avuto modo di registrare questo disco, a cui poi è seguito Di Nuovo In Marcia, e la raccolta Fedeli Alla Tribù, in cui c’è un inedito (Zombie).

R.G.: C’è un brano particolare a cui sei affezionato, quello che magari scrivendo, creandolo, hai detto “ma che figata ho fatto”?
D.: Domanda molto difficile! Le canzoni le ho scritte tutte io, sia testi che musiche e sono tutte importanti, alla fine sono come dei figli. Sono tante, pensandoci posso dirti quelle che ancora oggi mi danno più emozioni, e tra queste c’è Cielo Nero, ma anche Straniero o Chiusi Dentro. Ma anche Tg che, nonostante l’ho scritta quasi vent’anni fa, può tranquillamente risultare ancora attuale. Aggiungo una cosa, posso dirti di potermi vantare di non aver speculato su tragici eventi capitati negli scorsi anni, credo che siamo tra le pochissime band che nel 2001 non hanno scritto un brano riguardo gli eventi di New York, o su Carlo Giuliani e gli eventi di Genova durante il G8 nello stesso anno. Piuttosto ne scrivo anni dopo, con l’intento di mantener vivo il ricordo.

R.G.: Da band nata più di vent’anni fa, cosa trovi di diverso da quei momenti, rispetto al giorno d’oggi.
D.: Se parliamo di concerti, adesso come adesso, è molto difficile trovare spazi dove suonare. Non che quando iniziammo noi era molto più facile! Ricordo che noi, ogni sabato sera partivamo con le nostre musicassette, chiamate demo-tapes, e si andava locale per locale, facendo tutta la provincia di Vicenza, di Verona, fino a Milano. I nostri sabati sera erano questi: promuovere i Derozer. E ricordo anche quando ci ridevano in faccia nel momento in cui dicevamo che come genere facevamo punk rock! Oggi con i social è totalmente diverso, è un concetto di promozione che non si può paragonare a quanto accadeva vent’anni fa. Secondo me, promuoversi di persona è ancora il metodo migliore, oggi con internet è tutto più veloce, e migliaia di band vogliono tutto e subito. Ai tempi della Derotten Records la cosa che consigliavo alle giovani band era quella di credere prima di tutto in loro stessi, investire sul disco anche a costo di sacrifici e qualche rinuncia come le vacanze o l’auto nuova. Perché sono dell’idea che non posso credere in una band se la band stessa fatica a credere in sé stessa.

R.G.: Facciamo un gioco: dimmi una tua super band, mettendo un elemento per ogni strumento, restando nel panorama punk rock italiano.
D.: Domanda difficilissima! Vediamo..il nostro Spasio alla batteria, Paletta (Punkreas) al basso, alla voce direi Dani (Yokoano ed ex-Pornoriviste) ed alla chitarra Bob Marini (Persiana Jones).

R.G.: Grazie di tutto ragazzi, in bocca al lupo per stasera e soprattutto ben ritrovati!
D.: Grazie a te per l’intervista e grazie per gli auguri e per il supporto!

Conferenza stampa con Brian May e Kerry Ellis

Brian May e Kerry Ellis, in occasione della data milanese, si sono concessi ai microfoni dei giornalisti italiani. Una lunga chiacchierata di quasi un’ora dove entrambi sono risultati affabili e cortesi nel rispondere a tutte le domande. Sentiamo cosa hanno detto i due gentilissimi artisti.

R.G.: Ciao Brian, partiamo con il botto. Qual è il futuro del rock’n’roll?

B.M.: Insomma, partiamo con una domanda facile! (risate, nda). Intanto vorrei dire che mi spiace molto non parlare italiano, a parte due parole: “ciao e volete cantare con me” (altre risate). Dicevamo… il futuro del rock… il rock è vivo e sopravviverà sempre, è da quando sono un adolescente che dicono che il rock è morto, ed erano gli anni ’60. Ci saranno sempre giovani musicisti con la loro passione e dedizione a tenerlo vivo. E ci sono grandissimi giovani rocker. Ed è anche attualmente essere dei “vecchi” del rock, come me. Il rock è una sorta di valvola di sfogo e la passione per la musica unita a questo aspetto non moriranno mai. Il rock è una delle maniere più immediate per esprimersi. Io e Kerry siamo un chitarrista ed una cantante e possiamo realizzare qualsiasi cosa.

R.G.: Sei un musicista ed un pezzo della storia del rock, oltre che un grandissimo chitarrista. Eppure sei una persona sempre molto umile e disponibile, che non ha atteggiamenti da star sopra il piedistallo. Kerry come ti sei trovata e ti trovi con Bryan?

K.E.: Non posso che condividere le tue parole. Bryan oltre ad essere un grandissimo musicista è anche una persona fantastica e forse è proprio per questo che la gente continua ad amarlo. Perché continua ad amare quello che fa, la sua musica e le persone che lo ascoltano.

R.G.: Come ti senti ad essere un guitar hero sul palco con i Queen e poi immergerti negli spettacoli con Kerry? Come gestisci queste due diverse esperienze?

B.M.: Beh è facile: mica lo faccio nello stesso momento! (risate, nda). A parte le battute, io amo fare musica. Quando faccio gli spettacoli con i Queen, so che posso fare determinate cose e c’è un ruolo che ormai mantengo da anni. Con Kerry, invece, posso spaziare molto di più e lasciarmi andare. La differenza basilare è che con questo progetto posso esplorare canzoni del passato che non conoscevo, cosa che con i Queen, per ovvie ragioni, non posso e non potrò mai fare. Per me il rock non è solo una chitarra, ma anche reinterpretare e dare un senso proprio a determinate canzoni, attribuirgli il giusto fluido personale. Questa è la fortuna del lavoro che sviluppo con Kerry. Per un chitarrista lavorare con un cantante che ti ispiri è basilare. Sono stato molto fortunato: avere lavorato con Freddie Mercury non capita tutti i giorni. Con i Queen invece la gente vuole e giustamente pretende i Queen. E da quello non si scappa. Nel lavoro con Kerry devo dire che ho notato che siamo in grado di catturare la giusta essenza delle canzoni. Anche da una canzone pop, possiamo trarre la sua vena più pesante ed heavy.

K.E.: La nostra ispirazione copre diversi generi dal teatro, agli Everly Brothers, a Barbra Streisand, ai Beatles. La cosa che mi piace di più è questa libertà di spaziare.

R.G.: Brian parliamo un attimo dei Queen. Volevamo chiederti due cose: innanzitutto la setlist dello show che si svolgerà a Piazzola sul Brenta (lo show si svolgerà il 25 giugno 2016, nda) comprenderà canzoni rare o diverse dagli ultimi show? E soprattutto, realizzerete o avete in previsione un album di inediti in studio con Adam Lambert?

B.M.: Sarà una delle nostre prime date del nuovo tour e quindi la setlist non è ancora stata discussa né decisa. Il nostro approccio, mio e di Roger (Taylor, leggendario batterista dei Queen, nda) , è quello che possiamo fare tutto quello che vogliamo dalla nostra discografia, senza porci limiti. Con Adam Lambert a nome Queen non registreremo mai nulla di inedito in studio. Adam è impegnato e soddisfatto già della sua carriera solista. Ci sentiamo di fare una serie di date live perché siamo convinti di ciò che facciamo e ci divertiamo. Ma siamo già abbastanza famosi, direi, per limitarci a quello (risate, nda).

R.G.: Chi sono Brian gli artisti che più ti hanno ispirato nella tua carriera e come il tuo essere un astrofisico influenza la tua sensibilità musicale?

B.M.: Sicuramente il mio primo eroe è stato Buddy Holly. Poi è subentrato il signor Jimi Hendrix. Professionalmente posso dire che ci sono grandi chitarristi come Jeff Beck, Eric Clapton. Comunque vedere anche giovani chitarristi attuali è sempre una grande lezione. La mia professione di astronomo non influenza direttamente la mia musica, ma è in qualche modo collegata al fatto che il cosmo ti mostra in realtà quanto tu sia piccolo rispetto all’universo. E musicisti ed astronomi sono in qualche modo collegati perché sono persone spirituali che danno grande importanza a questo aspetto.

R.G.: Come vi siete connessi artisticamente ad Adam Lambert? I Queen suonavano già quando lui non era ancora nato. Inoltre, il vostro background britannico è molto diverso da quello americano di Adam.

B.M.: In realtà la collaborazione non è stata cercata volutamente ma è capitata per caso. Io e Roger avevamo deciso di smettere con il progetto Queen ma ci hanno invitati a suonare ad American Idol (talent show statunitense, nda) ed abbiamo suonato con lui in finale. Anche se non ha vinto, per una strana pressione di lobby antigay, siamo rimasti affascinati da lui, come il pubblico d’altronde. Così abbiamo deciso di chiedergli se volesse fare parte del progetto. In realtà Adam ha trovato una perfetta sintonia con noi dal punto di vista artistico perché è molto dotato, e quindi non ci sono stati particolari problemi. Inoltre, è una persona umanamente valida e quando stai in tour per tanto tempo è un aspetto importante andare d’accordo con i tuoi compagni.

R.G.: Brian, è da poco scomparso David Bowie. Ci puoi raccontare la tua esperienza con lui e la collaborazione per Under Pressure? (contenuta nell’album dei Queen “Hot Space”, del 1982, nda)

B.M.: La persona giusta a cui chiedere sarebbe Roger perché poi è diventato suo amico stretto. Quello che posso dire è che David era davvero una persona molto intensa ed un grande artista e mi baso sulle volte in cui veniva in studio a Montreal a farci visita. Da queste visite è poi nata Under Pressure. E’ stata un’esperienza inusuale e intensa. David era un artista ed un creatore davvero geniale ed era soprattutto un leader carismatico che riusciva a trascinarti completamente dentro le sue opere e le sue idee.

R.G.: Kerry puoi raccontarci il tuo impegno per la causa animalista legata alla fondazione di “Born Free”?

K.E.: Siamo sia io che Brian ambasciatori di organizzazioni animaliste. Principalmente supportiamo e lavoriamo con Virginia McKenna, fondatrice appunto dell’associazione Born Free. Sostanzialmente pensiamo e crediamo che gli animali abbiano gli stessi diritti che abbiamo noi. Per cui noi diamo voce, anche durante i nostri tour, ovunque siamo, ai diritti degli animali, soprattutto in quei luoghi dove i maltrattamenti e i soprusi sono più frequenti. Per questo due anni fa abbiamo registrato la canzone Born Free (canzone del 1966, vincitrice di un premio Oscar, tratta dal film Born Free e che tratta il tema di una coppia che cresce una leonessa, scritta da John Barry e Don Black e cantata in originale da Matt monro, nda).

R.G.: Cosa pensate dello stato attuale della musica e della scena inglese?

K.E.: La musica inglese è in un ottimo stato anche se non ci sono star di punta sulla scena mondiale. Comunque sai i grossi artisti che sbancano a livello internazionale sono rari, soprattutto al giorno d’oggi. Ma ciò non vuol dire che la scena di una nazione versi in una deriva negativa. Per farti un esempio calzante, parliamo dei Queen. I tempi ormai sono cambiati e quello che si è verificato in passato per loro al giorno d’oggi è improbabile. Oramai le persone e i fan usufruiscono dei media, dei social e di internet e così anche l’industria. Ci sono talmente tante produzioni che tutto passa in fretta e sembra che nessuno si accorga di cosa è successo sei mesi fa. Quindi, sta solo cambiando il modo di fruire la musica e capire come la scena si sviluppa ed è animata. Sembra ferma ma in realtà non lo è. E’ la percezione che ne abbiamo.

B.M.: Concordo interamente con Kerry. Ormai il fatto di costruirsi una grossa carriera, come successe a noi, è diventato molto più difficile rispetto agli anni passati. Poi, il grosso difetto, è che le persone, e non parlo solo dei fan ma anche di addetti ai lavori, si aspettano che i musicisti facciano musica senza essere pagati o pagati adeguatamente. Il problema diventa che oggi, rispetto al passato, se non si guadagnano soldi facendo musica, devi abbandonare per cercarti un lavoro o una fonte di sostentamento. Questo vuol dire tagliare le gambe a molti talenti.

R.G.: Kerry hai dei progetti per la tua carriera solista? E farai ancora qualcosa con Bryan?

K.E.: Sì. Il mio nuovo disco solista è a buon punto e penso proprio che uscirà questa estate. Potrei certamente collaborare con Bryan ancora visto che lo facciamo da svariati anni, ma bisogna far collimare i nostri impegni. Lui ha i Queen, io ho il teatro oltre al mio disco. L’ultimo spettacolo che ho fatto è stato Cats nella parte di Grizabella (personaggio del musical di Sir Andrew Lloyd Webber che canta la canzone più famosa del musical, Memory, nda) ed è stato molto impegnativo. Sono sicura che continuerò a fare musica, dischi, concerti e teatro. Ho davvero tante cose che bollono in pentola.

R.G.: Come è iniziata la vostra collaborazione e come vi ha fatto crescere come artisti?

K.E.: Ho conosciuto Brian quindici anni fa, dopo uno show e mi ha invitato all’audizione di We Will Rock You (musical dedicato ai Queen, nda) dove ho ottenuto la parte. E’ partito tutto da lì, con Bryan che mi ha chiesto di registrare un album ed iniziare il progetto. Ci è voluto molto tempo, sempre per gli impegni fitti di entrambi. Devo dire che l’alchimia funzionava e che l’esperienza mi ha dato modo di crescere artisticamente fuori dai miei canoni classici, che sono sempre stati il teatro ed il musical.

R.G.: Avete visitato la Cappella degli Scrovegni a Padova (capolavoro artistico di Giotto, nda). Quali sono state le vostre sensazioni?

B.M.: Stupefacente. Bellissima. Anche quando mi hanno narrato la storia della sua costruzione. Sono rimasto affascinato dalla storia di quest’uomo che fece costruire questo luogo di spiritualità per espiare i peccati commessi dal padre. Ne approfitto per parlare dell’Italia in generale: una Paese meraviglioso dal punto di vista dell’arte, con un grande rispetto per il suo passato storico. Noi inglesi abbiamo inscatolato il passato e la storia per metterli in uno sgabuzzino. Magari avessimo noi la vostra cultura e la vostra arte, così affascinanti.

R.G.: Brian qual è la tua canzone preferita ad oggi ?

B.M.: Attualmente la mia canzone preferita è If I Loved You tratta dal musical Carousel (1945, nda). Una canzone che ti porta in un’altra dimensione immediatamente, appena la ascolti.

Intervista ai Cancer Bats

A quasi un anno dall’uscita del loro ultimo disco, dal titolo Searching For Zero, tornano in Italia i Cancer Bats. In occasione della loro data presso l’Arci Lo-Fi di Milano, abbiamo avuto modo di incontrare il chitarrista Scott Middleton, il quale ci ha concesso una piacevole intervista in cui, ovviamente, l’argomento principale è stato l’ultimo album della band canadese. Ecco il resoconto dell’intervista.

R.G.: Ciao Scott e benvenuto su RockGarage! Sei pronto per stasera?
S.M.: Grazie è un piacere per me! Eh sì, sono prontissimo!

R.G.: La prima volta che vi ho visti suonare dal vivo fu circa 10 anni fa, assieme ai The Bronx ed ai Rise Against sempre qui a Milano ma al Rainbow Club, locale che hanno chiuso qualche anno fa, non penso che però ricordi quello show…
S.M.: Mi ricordo quel tour, fu fantastico! E mi pare di ricordarmelo come locale, era un po’ più grande di questo di stasera se non sbaglio. Mi dispiace che ora non esiste più, è sempre brutto sapere di locali per concerti che vengono chiusi.

R.G.: Quando vi vidi sul palco mi rimase impressa la grande energia che offrite quando vi esibite e la grande capacità di trasmetterla a chi sta sotto il palco. Penso che vi esalti parecchio questo approccio che avete verso il pubblico vero?
S.M.: Sì, assolutamente sì! Hai ragione quando dici che siamo una band dal forte impatto quando siamo sul palco e per noi è fondamentale che chi ci ascolta, chi assiste ai nostri show, riesca a percepire l’energia e l’intensità che trasmettiamo. Amiamo suonare anche per questo, ci piace tanto, ci esaltiamo cercando di dare il meglio di noi stessi e lo si può notare anche dai sorrisi sulle nostre facce.

R.G.: Quindi deduco che vi piaccia parecchio suonare in posti più piccoli, magari rispetto a grandi palchi come possono essere dei grossi festival.
S.M.: Adoro suonare in posti del genere, ma ovviamente anche in aree più grandi. Ma in posti così è stupendo, è bellissimo suonare avendo il pubblico ad un metro di distanza!

R.G.: Parliamo ora del vostro nuovo album, “Searching For Zero”. Rispetto ai dischi precedenti, questo ha avuto una gestazione più lunga, come mai?
S.M.: Si, ci abbiamo impiegato più tempo rispetto agli altri dischi. Siamo stati a lungo in tour dopo il disco precedente, eravamo molto stanchi ma allo stesso tempo pronti ed ispirati per lavorare su un nuovo disco. Diciamo che la nostra idea era quella di fare un bel lavoro sotto ogni aspetto, non che gli altri non lo siano chiaramente, ma per Searching For Zero abbiamo voluto lavorare su ogni dettaglio, anche piccolo. Non avevamo alcuna fretta e niente e nessuno che ci mettesse fretta, quindi abbiamo lavorato con calma, riuscendo anche a sperimentare, a vagliare ogni ipotesi per rendere questo disco il più fresco ed interessante possibile.

R.G.: “Searching For Zero” è prodotto da Ross Robinson, come siete arrivati a scegliere lui come produttore?
S.M.: Stavamo cercando un produttore in grado da potere tirar fuori il meglio di noi. I brani del nuovo disco erano pronti e registrati, però avevamo bisogno di qualcuno davvero in gamba che potesse dar quel qualcosa in più. Siamo arrivati a lui tramite degli amici comuni. E’ stata una bellissima esperienza lavorare con Ross, d’altronde parliamo di una persona con una vasta esperienza nel settore.

R.G.: Quindi, considerato ciò che mi hai detto, ed avendo ascoltato il disco, è giusto considerare “Searching For Zero” come un nuovo punto di partenza per i Cancer Bats?
S.M.: Certamente! Un paio d’anni fa abbiamo passato dei momenti duri, difficili, e tutto questo ci ha certamente segnati come musicisti ma soprattutto come persone. Lo “zero” è l’inizio. Quindi abbiamo dovuto cercare un nuovo inizio sotto ogni aspetto, da quello umano a quello più tecnico per quanto riguarda la nostra band. E, tornando alla domanda che mi hai fatto prima, anche per questo abbiamo impiegato più tempo per la realizzazione di questo disco.

R.G.: Avete dei progetti particolari per il futuro?
S.M.: Siamo felici del lavoro e dei risultati del nostro disco e siamo esaltati per questo tour in Europa, al momento siamo concentrati totalmente su questo. Come avrai capito, adoriamo essere in tour anche per proporre dal vivo i nostri nuovi brani.

R.G.: Grazie della tua disponibilità Scott e auguri per stasera!
S.M.: Grazie a te! Ti aspetto sotto il palco!

Intervista ai TesseracT

Avrete sicuramente sentito parlare di “djent”, termine che può essere definito come un particolare tipo di distorsione del suono della chitarra utilizzato per il progressive metal moderno, discendente dal sound di Messhuggah e Sikth. Oggi tra i giovani capisaldi di questo genere musicale che appassiona una larga fetta di pubblico troviamo nomi come TesseracT, Periphery, Animals As Leaders, Vildjharta, Monuments, Hacktivist. Spesso si tratta di artisti capaci di realizzare sound personali e tanto affascinanti in cui l’ascoltatore si immerge completamente, spesso una volta terminato l’ascolto di un prodotto del genere gli viene anche difficile riuscire a parlare dell’esperienza subìta. Sembra però che questo problema non riguardi semplicemente il pubblico che segue questo tipo di musica, difatti pare che non sia semplice neanche per gli artisti stessi parlare della musica da loro creata. A qualche ora dalla tappa milanese, al Legend Club, del tour dei TesseracT abbiamo avuto modo di incontrare James Monteith, chitarrista della band britannica, a voi la nostra chiacchierata.

R.G.: Ciao James benvenuto sulle pagine di Rockgarage.it! In occasione di questo vostro primo tour europeo da headliner vi siete ritrovati in Italia per più di un’unica occasione, ma innanzitutto, come sta procedendo il tour?

J. M.: Sì, per la prima volta siamo in Europa come headliner! Il tour sta procedendo bene, ogni sera stiamo avendo un pubblico molto caloroso e numeroso, per noi è una cosa molto piacevole. Anche qui in Italia, nelle due date precedenti a questa di Milano, a Roma la scorsa sera e a Pordenone abbiamo capito dal vostro pubblico numeroso e caloroso che non siete pochi in Italia a seguire la nostra musica!

R.G.: A farvi raggiungere questo primo tour da headliner in Europa il merito lo si deve al vostro ultimo disco “Polaris”, cosa rappresenta per voi questo terzo album?

J.M.: Sì, Polaris è il nostro terzo disco, è uscito a settembre dello scorso anno e dovreste provare ad ascoltarlo! (ride, ndr) Questa volta abbiamo avuto l’intenzione di realizzare un disco più accessibile rispetto ai precedenti, più semplice da ascoltare.

R.G.: Generalmente si dice che il terzo album di una band dovrebbe rappresentare quello della maturità dello stile, non so quanto questa affermazione possa essere fatta per quanto riguarda voi dato che comunque, sin dall’esordio “One” avete dimostrato di avere già un’ottima linea base per uno stile musicale totalmente personale.

J. M.: Io credo invece che dal nostro esordio ad oggi il nostro sound sia maturato tantissimo. Ascoltando One si riesce a cogliere che sia comunque un miscuglio di idee raccolte nell’arco dei dieci anni precedenti alla sua realizzazione. Mentre il secondo, Altered State rappresentava un disegno musicalmente un po’ più complesso ma dal sound più morbido rispetto al precedente. Così si passa a questo nuovo Polaris, ascoltandolo si può comprendere come il lavoro che c’è stato dietro è stato realizzato in maniera differente e che sia ricco di idee completamente nuove. Ci siamo sempre più avvicinati ad un sound più pulito e personale, mentre in One l’ombra del sound dei Messhuggah e band simili rappresentava una presenza costante. Quindi abbiamo cercato di trovare la giusta strada, ovvero quella centrale, tra la pulizia totale e il sound un po’ più rude.

R.G.: Parlando di Messhuggah ovviamente abbiamo spalancato le porte del discorso sul metal. Spesso il vostro sottogenere musicale non si riesce ad etichettare con esattezza, che rapporto avete con l’etichetta “metal”?

J. M.: Non abbiamo un problema con la definizione metal, in fondo io stesso sono definito “metal” nel gruppo! Credo che la nostra musica sia caratterizzata da una forte componente di elementi presi dal metal ma principalmente siamo altro. Possiamo definirci più che altro come una progressive rock band con influenze provenienti dal metal e dall’elettronica.

R.G.: Quali sono le principali fonti di ispirazione per scrivere la vostra musica?

J.M.: Oltre ad essere un grande appassionato del metal, adoro anche il progressive rock classico quindi quello di band come Pink Floyd, Camel oppure band rock come The Doors e le sonorità anni ’60. Mentre Acle, chitarrista solista, che rappresenta il principale compositore della band, adora l’elettronica e il trip-hop come per esempio quello dei Massive Attack o dei Portishead.

R.G.: I vostri appassionati conoscono bene che i TesseracT nascono come progetto solista di Alec “Acle” Kahney, ma oggi che siete una formazione vera e propria, come avviene il processo di scrittura della vostra musica?

J. M.: Come ti dicevo, Acle è rimasto il principale compositore della musica dei TesseracT, quindi è lui che propone le principali idee sui nuovi brani che ci spedisce via email, canale attraverso cui tutti noi discutiamo insieme su come migliorarle. Quindi queste idee vengono registrate attraverso un computer sotto forma di demo digitale. Dopo questo passaggio abbiamo modo di vederci per la prima volta tutti insieme in sala prove così da poter ascoltare le idee in maniera più organica. Nonostante esista questa fase in cui lavoriamo di persona tutti insieme affinché possano venir fuori nuove idee su come migliorare il brano di base, il nostro lavoro resta sempre realizzato al 90% attraverso un computer.

R.G.: Quali sono i vostri progetti futuri che vi siete imposti di realizzare prossimamente?

J. M.: Per il momento abbiamo programmato di rilasciare un nuovo singolo con video per un altro estratto dal nostro ultimo Polaris, cosa che faremo in primavera e non abbiamo ancora deciso su quale brano cadrà la nostra scelta. Non abbiamo intenzione di far uscire un nuovo album prima del prossimo anno, abbiamo già qualche canzone pronta ma abbiamo deciso di realizzare un nuovo album per il 2017.

R.G.: Quindi ormai è diventata una tradizione per voi dover realizzare un disco a distanza di due anni dal precedente?

J. M.: (ride, ndr) Credo che sarebbe bello se il processo di realizzazione di un disco richiedesse meno tempo, ma invece ci prendiamo molto tempo per verificare che le idee siano buone e che siano state realizzate per bene! Abbiamo già molte idee pronte e due canzoni che possono andare già benissimo insieme ma ancora la strada è lunga e per quest’anno abbiamo deciso di dedicarci ai live. Dopo questo tour ci prenderemo una piccola pausa, poi il nostro programma prevede di suonare ai festival estivi europei.

R.G.: Parliamo un po’ di questo genere che suonate, questa nuova moda che sta spopolando nel metal, questo suono definito “djent”. Non so se qualcuno ci avrebbe mai scommesso su, eppure oggi sembra che questa piccola scena si stia facendo largo!

J. M.: Io credo che questa scena oggi si presenti ricca di ottime band che stanno realmente cercando di suonare qualcosa di nuovo, di diverso, di sperimentale rispetto al metal più popolare. Ok sì, non ti nego di essere cresciuto ascoltando il metal più popolare, stai parlando con l’angolo del metal della band (risate, ndr). Oggi credo che comunque non avrebbe molto senso per una nuova band suonare metal popolare. Sarebbe come suonare un genere che abbiamo ascoltato per anni, che oggi ovviamente suonerebbe alle orecchie del pubblico come qualcosa di già sentito. Infatti si tratta di un tipo di sound che andava bene venti anni fa ma credo che ormai abbia perso un po’ di fascino oggi. Nonostante ormai questa nuova nostra scena sia ricca di band con la voglia di sperimentare qualcosa di nuovo, non so quanta popolarità riusciremo ad avere perché forse credo che, non lo so, potremmo essere troppo particolari per poter essere definiti popolari. Comunque essendo ormai nel music business vedo che il tipo di materiale più venduto è quello etichettato come “per teenagers”.

R.G.: Tu credi? Io non credo che sia proprio piccola come scena la vostra, d’altronde tu stesso mi hai detto che questo tour sta procedendo piuttosto bene! Che tipo di pubblico viene ai vostri show?

J. M.: Nelle nostre serate ho notato di suonare di fronte ad un pubblico piuttosto variegato, molti ragazzi poco più che ventenni ma anche qualcuno nato negli anni ’60. Credo che sia una buona cosa però penso che sarebbe meglio se il nostro pubblico comprendesse anche ragazzi ancora più giovani.

R.G.: Ok, grazie mille per la chiacchierata James!

J.M.: Grazie a voi!

Intervista ai C.O.P. UK

A pochi giorni dall’uscita del loro nuovo disco No Place For Heaven (recensito da noi a questa pagina), abbiamo avuto il piacere di far quattro chiacchiere assieme ai C.O.P. UK, band inglese attualmente in tour assieme ad Helloween e Rage. I sei ragazzi di Sheffield ci hanno raccontato appunto del loro nuovo album, delle loro sensazioni, della loro città che diede i natali anche ad una storica band, e di quanto apprezzino anche l’Italia ed i suoi prodotti, soprattutto alcolici.

R.G.: Ciao ragazzi e benvenuti su RockGarage! Siete pronti per stasera?
C.O.P. UK: Yeahhh! (rispondono in coro tutti insieme)

R.G.: Sta per uscire il vostro nuovo disco, “No Place For Heaven“, parlatecene un po’.
C.O.P. UK: Siamo molto orgogliosi del lavoro che abbiamo fatto. Abbiamo impiegato tre anni per realizzare questo album, e direi che ne è valsa la pena. No Place For Heaven è stato prodotto da Sacha Paeth e per noi è stato un enorme privilegio lavorare con lui, d’altronde stiamo parlando di una persona che ha lavorato con Avantasia, Edguy e Kamelot. Insomma, siamo totalmente soddisfatti del lavoro che abbiamo fatto.

R.G.: Da dove nascono le ispirazioni per questo disco?
C.O.P. UK: Dall’alcool! (risate). Scherzi a parte, ma non troppo, le nostre influenze musicali principali erano e restano Dio, Ratt, Dokken, ma anche Iron Maiden Saxon, senza dimenticarci degli Helloween con i quali abbiamo il privilegio di condividere molti palchi lungo questo tour che stiamo facendo anche assieme ai Rage. Mentre per quanto riguarda i testi, come sempre l’ispirazione ci viene da fatti ed eventi di vita quotidiana, che siano eventi positivi o negativi. Ma è merito anche di Charles dato che i nostri pezzi iniziano sempre con dei suoi riffs! (risate)

R.G.: Il vostro sound è improntato fortemente su sonorità hard rock 80’s, ma che voi avete riadattato in chiave più moderna, vi ritrovate in questa descrizione?
C.O.P. UK: Certamente! Noi ci consideriamo una rock band e tu in questa maniera non avresti comunque spiegato meglio il nostro sound!

R.G.: Siete in tour assieme a due eccezionali metal band come Helloween e Rage, come vi sentite a riguardo?
C.O.P. UK: E’ davvero eccitante! Sono due band che ci piacciono molto e che rispettiamo tantissimo. E poi è davvero esaltante suonare, seppur per soli 40 minuti, davanti a location con tantissimi fan. E’ davvero un bel momento per noi; nuovo disco, tour assieme ad ottime band, è molto ma molto eccitante!

R.G.: Voi siete di Sheffield, la stessa città natale dei Def Leppard, faccio una domanda stupida se vi chiedo se vi piacciono?
C.O.P. UK: Sheffield…ah sì i Def Leppard è vero non ci avevamo fatto caso!! (risate). Essendo della stessa città, è praticamente impossibile non amarli e non esser influenzati da loro. E’ grazie a loro che noi e tante altre band della zona sono nate. Quando prima ci hai chiesto le nostre influenze non li ho nominati subito perché per noi i Def Leppard sono di un’altra categoria, sotto ogni punto di vista. Penso che un disco come Hysteria ce l’abbia ogni cittadino di Sheffield.

R.G.: Se non ricordo male non è la prima volta che vi esibite in Italia vero? Vi piace suonare qui da noi?
C.O.P. UK: Sì abbiamo suonato già qualche anno fa assieme ai Saxon. Ci piace tantissimo suonare qui da voi, siete totalmente dei pazzi, e ce ne accorgiamo anche vedendo sin dal primo pomeriggio tantissimi ragazzi in fila ad aspettare l’apertura del locale. Noi dal palco trasmettiamo tanta energia e voi italiani ci mettete tantissima passione. E’ davvero bello!

R.G.: Una volta terminato questo tour avete altri progetti? Vi vedremo sui palchi anche la prossima estate, magari in qualche festival europeo?
C.O.P. UK: Sì saremo al Full Metal Mountain, al Wacken Cruise assieme a Saxon ed altre bands, e dopo l’estate inizieremo a lavorare per il nuovo album.

R.G.: Cosa ne pensate dall’attuale scena hard rock in generale? Intendo sia in Inghiterra che comunque nel resto del mondo?
C.O.P. UK: Quello che notiamo, almeno nel nostro Paese, è che i più giovani faticano ad appassionarsi a storiche band come i già citati Def Leppard o Saxon, che rimangono gruppi storici, assieme a tanti altri, che hanno principalmente un seguito costituito da un forte zoccolo duro di vecchi fan. Questo è quello che accade da noi, e, a quanto so, in Germania o negli U.S.A. non è così. Comunque la scena è viva, oltre ai nomi storici, ci sono tanti validissimi gruppi.

R.G.: Quando furono ufficializzate le date di questo tour, era prevista, dopo pochi giorni, anche una data al Bataclan di Parigi, che ovviamente è stata cancellata visti i tragici fatti avvenuti nella capitale francese. Cosa pensate di ciò che accadde quella sera durante il concerto degli Eagles Of Death Metal?
C.O.P. UK: C’è poco da dire. Orribile…orribile. C’erano tanti ragazzi lì che quella sera volevano solo divertirsi ad assistere al concerto della band che amano. E’ orribile morire così, qualsiasi sia la ragione, le motivazioni. Orribile.

R.G.: Penso che in questi casi l’arte, la musica nel vostro caso, non debba mai fermarsi, quindi vi ringrazio per l’intervista e in bocca al lupo per stasera!
C.O.P. UK: Giusto! E grazie a te! Ci vediamo sotto il palco e nel frattempo mi bevo un’altra bottiglia di questa ottima birra italiana! (Menabrea n.d.r.)

Intervista ai SeM E Le Visioni Distorte

Incontriamo Sem e Le Visioni Distorte, power trio proveniente dall’hinterland milanese che ha appena rilasciato su tutte le piattaforme digitale il suo secondo EP Dal Cilindro. L’intervista ci fa conoscere più da vicino la band, costituita da Samuele Torresani (aka SeM), Davide Pozzoli e Paride Dody Vocca, e la sua particolare concezione musicale. Vediamo cosa hanno detto ai nostri microfoni.

R.G.: Ciao ragazzi e benvenuti su RockGarage. Presentatevi al nostro pubblico.

S.V.D.: Ciao a tutti io sono Sem frontman, bassista, cantante e intrattenitore del progetto Sem e Le Visioni Distorte, composte anche da Davide alla chitarra e Paride alla batteria, qui con noi.

R.G.: Come è nato il vostro progetto?

S.V.D.: Il progetto è nato a febbraio 2014. Avevo suonato con una band metal fino a quel periodo che poi si è sciolta. Volendo continuare a suonare avevo in mente due cose: dare il via ad un progetto che avesse i testi in italiano e spostarmi sul rock allontanandomi dal metal, almeno nel suonarlo. Dopo aver provato con alcuni musicisti, ho incontrato Davide ad un corso per web radio. Tra l’altro, lui è chitarrista e turnista dei Planethard. Paride invece l’ho conosciuto per caso in un locale e, parlando, ho scoperto che suonava la batteria. Così abbiamo deciso di provare tutti e tre assieme e lì abbiamo trovato la giusta alchimia.

R.G.: Parliamo un po’ del vostro Ep “Dal Cilindro”. Parlateci della composizione e della registrazione.

S.V.D.: In ordine cronologico, questo sarebbe il nostro secondo EP ma è il primo realizzato in maniera veramente professionale. E’ stato realizzato coscientemente così, per avere un prodotto non registrato amatorialmente, da proporre e diffondere, al di là del semplice divertimento che uno può trarre dal suonare il rock’n’roll. E’ stato registrato in un piccolo studio di Milano. La riteniamo un’esperienza sempre molto istruttiva perché, nonostante le passate esperienze, c’è sempre da imparare qualcosa dalle session di registrazione. Per quanto riguarda la composizione, di solito arrivo con una linea di basso ed a volte con qualche linea di chitarra, che però poi viene totalmente sviluppata da Davide. Per quanto riguarda i testi, alle volte nascono prima della musica ed alle volte dopo. Di solito ho sempre con me un quaderno dove butto giù molte idee.

R.G.: Come mai avete scelto l’italiano come lingua di espressione?

S.V.D.: Ci sono due ragioni di base. Essendo la nostra lingua madre, il testo si struttura molto meglio rispetto alla lingua inglese che, per quanto si possa conoscere, difficilmente si può portare nelle liriche in maniera perfetta. Inoltre, visto che facciamo ancora parte dell’underground, voglio che dove ci esibiamo live, in Italia quindi, chi ci ascolta capisca quello che il testo esprime.

R.G.: Quali sono le vostre maggiori influenze musicali?

P.: Tendenzialmente io ascolto un po’ di tutto, prendendo spunto da vari generi. Principalmente mi piace l’hard rock anni ’70, AC/DC e Kiss su tutti. Ho anche però un lato pop e mi piace tantissimo il pop italiano: i Pooh, Vasco Rossi, Zucchero.

D.: Io ho iniziato a suonare la chitarra grazie ad Appetite For Destruction dei Guns. Nell’ultimo periodo mi piacciono molto gli Alterbridge, i Paramore, rock e metal moderno. Per gli studi che sto facendo ora, sto cercando di ascoltare un po’ tutto: jazz, Pat Martino, John Mayer, continuando comunque ad ascoltare tutto quello che mi è sempre piaciuto, come Pearl Jam e Jeff Buckley.

S.: Le influenze per questo progetto, per me, sono tre: i Motörhead, che secondo me non sono né metal né punk. Lo diceva anche Lemmy: si tratta di rock suonato molto veloce, che ti dà una botta ed una grinta incredibili. Poi devo nominare i Rats: per me Indiani Padani è uno dei dischi più belli fatti nel panorama rock italiano. Mi piace per i testi, per gli arrangiamenti, per tutto. I Rats sono una band fenomenale. L’ultimo che devo nominare è Caparezza. Non ci influenza per il tipo di sound, ma per quanto riguarda le composizioni delle liriche, che secondo me sono geniali. Al di là delle influenze specifiche, io adoro i Queen e i Metallica. Mi piace tanto, esulando dal rock, Lady Gaga. Quando in sede live si mette a cantare da sola con il pianoforte, è fantastica. Mi piace anche ascoltare i live di chiunque, perché trovo sempre degli elementi interessanti nei concerti di qualsiasi artista.

R.G.: Sem, tu che vivi in Inghilterra, raccontaci un po’ se è veramente il paradiso dei musicisti oppure la situazione è come in Italia. Vediamo di sfatare o confermare qualche mito che resiste, nonostante tutto, sull’estero.

S.: Voglio specificare che non vivo a Londra, che è comunque un mondo a parte anche nella loro nazione. In Inghilterra ti danno la possibilità di fare musica dal vivo e, se piaci, ti crei il tuo giro. Per un fattore culturale, gli inglesi si aggregano e si trovano nei pub, quindi il pubblico è già lì presente e non esiste la pantomima italiana di portare gli amici e i conoscenti a fare da pubblico. Sicuramente è da smentire l’idea che non esistano le cover band all’estero, e che non siano richieste dai gestori dei locali. Quindi il mito dell’originale a tutti i costi è una gran cazzata. Dal punto di vista burocratico, la legislazione inglese riesce a favorire le esibizioni live praticamente ovunque e di ricompensare i musicisti. Ovviamente, in Italia è tutto più complicato ma all’estero la musica è come da noi. Comporta impegno e costi ed è un business e come ogni business ha le sue regole in tutto il mondo, ovunque tu vada.

R.G.: Avete in programma delle date live in maniera continuativa?

S.V.D.: Con il fatto che Sem vive in Inghilterra, le date non potranno comunque essere pianificate in maniera continuativa. Anche se faremo sicuramente live. La nostra precedente presenza live, comunque è stata abbastanza fitta, facendo tre live al mese, che non è poco per una band nata da un anno. Ora ci focalizzeremo sulla diffusione del nostro EP.

R.G.: Avete in programma la pubblicazione di un full length?

S.V.D.: Stiamo scrivendo del nuovo materiale ma non ci siamo posti una data o una scadenza.

R.G.: Grazie mille ragazzi per l’intervista e auguri per la vostra carriera!

S.V.D.: Grazie a voi ragazzi. Salutiamo tutti i lettori di RockGarage e li invitiamo ad ascoltare il nostro EP Dal Cilindro!

Intervista ai Rhapsody Of Fire

Abbiamo incontrato Alex Staropoli, fondatore, mente e compositore dei Rhapsody Of Fire. La band italiana, che da ormai da più di vent’anni è paladina e fiera portabandiera di un particolare power metal sinfonico, ha da poco rilasciato il suo nuovo album Into The Legend. Sentiamo quindi cosa ha da dirci in proposito l’eclettico tastierista che si è gentilmente sottoposto alle nostre domande.

R.G.: Ciao Alex è un piacere averti su Rockgarage.it. La prima domanda è canonica. Parlaci del vostro nuovo album, “Into The Legend”, di come sono avvenute le registrazioni e di come si è svolto il processo compositivo.

A.S.: Il nuovo album è nato dagli stimoli avuti da Dark Wings Of Steel (l’album precedente, uscito nel 2013, nda). Un disco a cui sono molto legato e che mi piace molto ma che mi ha spinto a volere realizzare qualcosa di più complesso, di più orchestrale e di più cinematografico. Sono partito creando una lista che avrei voluto includere in Into The Legend, come l’orchestra, vari tipi di cori, ensemble, strumenti celtici. E’ stata questa lista a stimolare il lavoro e la creazione. Ad un paio di pezzi ha collaborato mio fratello, mentre tutti i riff di chitarra che senti sono stati composti da Roby (Roberto De Micheli, chitarrista della band, nda). Riff bellissimi su cui poi ho creato gli arrangiamenti per l’orchestra. E’ stato un bel lavoro di tutto il gruppo, compresi Alex Holzwarth (batterista) ed il nostro nuovo bassista Alessandro Sala. Tutta la produzione è stata fatta a Trieste ed è un fatto importante che mi ha permesso di essere presente ogni giorno, a differenza di Dark Wings Of Steel dove, ad esempio, la batteria venne realizzata a Monaco. Stavolta tutto è stato fatto interamente a Trieste. Per cui in tutti quei mesi di produzione sono stato sul posto ad ogni passo. Così con la consapevolezza di avere tutti questi elementi musicali ed una nuova spinta energetica ritrovata, con la band abbiamo deciso di ricreare le nostre sonorità in chiave moderna, secondo le sonorità attuali. Poi sai, l’approccio che ho sempre è quello di raggiungere la perfezione, o almeno avvicinarsi e fortunatamente la perfezione non si raggiunge mai.

R.G.: Dall’album precedente avete abbandonato le saghe che contraddistinguevano i testi dei vostri dischi. Ora che Fabio (Lione, storica voce del metal italiano, nda) scrive da sé le liriche, secondo te, le sente più sue e riesce a interpretare meglio le canzoni?

A.S.: Questo è uno dei motivi per cui non c’è più una saga o un concept. Sai, avere una saga aveva il vantaggio di attirare un certo tipo di fan, essendoci dietro una storia da seguire, creando poi un alone magico, soprattutto coinvolgendo anche gli attori, ad esempio Christopher Lee. Dopo aver realizzato tre saghe che sono durate per dieci album, abbiamo deciso di non continuare. Anche perché ad un certo punto cosa avremmo potuto inventarci ancora di nuovo? Non sarebbe stato facile, soprattutto se guardi a tutta la letteratura fantasy piena di capolavori assoluti. Così abbiamo deciso di lasciare la libertà a Fabio di scrivere quello che volesse. E così il suo modo di usare la voce, che io definisco poetico-lirico-italiano, ho scoperto che lo trasporta nel modo di scrivere. Ora, essendo pezzi suoi, si trova a cantarli più facilmente sia in studio che dal vivo. Non che prima non fosse capace, tutt’altro. Il problema è che prima magari inserivamo parole che non erano cantabili, come fosse un romanzo e quindi dal vivo si trovava un attimo in difficoltà, dovendo ristudiarsi la canzone per trovare momenti di respiro. Nella musica una delle cose principali è che il testo sia fluido.

R.G.: Già dall’album precedente ho notato che, senza snaturarvi, avete optato per un nuovo stile che risulta molto più aggressivo rispetto ai vostri primi lavori.

A.S.: Hai ragione. Quello che ci mancava era l’aggressività, anche se Luca Turilli (ex chitarrista della band, nda) ritengo sia uno dei migliori compositori in assoluto di riff nel metal. Roby De Micheli arriva dallo stesso nostro background con in più la conoscenza del mondo progressive. Quello che mancava alla cinematograficità del nostro sound era il tiro di chitarre, batteria e basso. Già dal precedente album abbiamo deciso di dare alla chitarra in registrazione sei canali esclusivamente dedicati, con microfoni diversi per il distorto, il pulito, eccetera. Dovevi essere in studio e sentire: era un muro! Purtroppo, in fase di mixaggio di Dark Wings Of Steel questo effetto si è perso a causa della scelta di usare solo un tipo di segnale, e quindi mi sono ritrovato con un minore impatto sonoro. Per Into The Legend abbiamo evitato questo errore, dedicando in fase di registrazione ancora più cura. Ti dico che abbiamo dedicato tre sessioni intere solo per microfonarle. Ed il risultato si sente! E pensa che poi mixando insieme l’orchestra perde di potenza, ma se ascolti solo la sezione ritmica è veramente un terremoto. Tu me lo confermi. Il prossimo passo sarà ottenere ancora più potenza anche dopo il mastering. Maor Appelbaum (tecnico che ha lavorato con Faith No More, Dokken, Halford e altri, nda) che si è occupato appunto del mastering ha dovuto contenere questa potenza per via degli inserimenti orchestrali e mi ha spiegato molte cose importanti. Comunque, siamo soddisfattissimi del risultato ottenuto.

R.G.: Ciò che vi distingue da altre band simili del panorama musicale è la cura e la registrazione in studio degli strumenti folk e dell’orchestra, senza adagiarvi ad usare semplicemente dei sample.

A.S.: Io uso sample e librerie per comporre e nel mix sono presenti in una percentuale del 20-30%. Se dovessi usare solo suoni finti allora non farei la musica che faccio. Ho bisogno di provare le sensazioni che solo una vera orchestra registrata dal vivo ti può dare. Ieri, parlando con AFM Records (la loro casa discografica, nda) abbiamo deciso di rilasciare degli snippets e mi sono messo a lavorare su quello di The Kiss Of Light (brano che chiude Into The Legend, nda). Ho realizzato il video con i file puliti da studio mettendo poi sopra le varie takes di tutti gli strumenti. Si sente davvero il suono puro dell’arco che tocca le corde ed è una sensazione che voglio percepire e provare a tutti i costi, altrimenti non mi interessa realizzare qualcosa. Lo strumento finto o campionato non raggiunge ancora la perfezione di quello vero, che è anche molto più facile da mixare al resto.

R.G.: Quando uscì “Legendary Tales” (album di esordio dei Rhapsody Of Fire, Rhapsody a quel tempo, nda) nel 1997, era uscito anche “Visions” degli Stratovarius ed era l’anno successivo ad “Holy Land” degli Angra. Io individuo in questa triade di album il ritorno del metal a livelli grossi di pubblico dopo la relegazione subita a causa del grunge. Cosa ne pensi?

A.S.: E’ molto interessante quello che affermi perché io non ci avevo mai pensato. Quando entrammo in studio per il debut conoscevamo già il lavoro degli Angra, e quello era un bel periodo ricco di molte idee, in generale. Sai, non mi soffermo mai a pensare di avere potuto fare la storia nel mio piccolo. Sono uno che realizza e fa ciò che gli piace. A quei tempi, quando formammo la band, la direzione stilistica intrapresa fu quella di comporre ciò che ci sarebbe piaciuto ascoltare su un disco. Mio fratello ci ha stimolati tantissimo ed è lui ad avere fatto scoprire a me e a Luca Turilli la musica medievale, rinascimentale e barocca, suonando lui il flauto. Così abbiamo deciso di renderla parte integrante del sound metal, della musica classica e delle colonne sonore con cui siamo cresciuti. Mettendo in primo piano tutte queste caratteristiche e fondendole assieme, senza lasciare nulla sullo sfondo o di tappeto.

R.G.: Mi sono reso conto di quanto avete inciso sulla storia del metal due anni fa, all’Hellfest, quando Fabio si sarebbe esibito con gli Angra. Io ne ero all’oscuro e mi presentai tra il pubblico con una vostra maglia, ottenendo un sacco di abbracci e commenti positivi da parte degli altri spettatori presenti. E non furono pochi…

A.S.: Tu pensa che i primi anni furono incredibili. Ricordo in Francia il giro di promozione per Legendary Tales nei vari punti vendita Fnac e fuori mille persone assiepate che ci aspettavano…ora le cose sono cambiate per vari motivi. Non abbiamo suonato dal vivo abbastanza e quanto volevamo, membri che vanno e che vengono… così non dai e non hai mai una sensazione di stabilità. Ora siamo più pronti che mai a suonare ovunque e dovunque.

R.G.: Quindi avete in programma un tour?

A.S.: Ad aprile, ma non è ancora ufficiale, dovremmo essere headliner di un tour europeo. Abbiamo delle date in Asia: Giappone, Pechino e Taiwan. Sicuramente avremo una data in Messico con Stratovarius ed Hammerfall. Tra poco rilasceremo ufficialmente il tutto. In autunno andremo sicuramente in America Latina.

R.G.: Alex sono da poco scomparsi Lemmy e David Bowie e seguiranno negli anni altri, ovviamente per motivi anagrafici. Secondo te, qualcuno potrà sostituire questi colossi sia in termini artistici che in termini di numeri di vendite e pubblico oppure tutto sarà frammentato in piccole realtà?

A.S.: Probabilmente ci deve essere prima un cambio generazionale. Nel senso che i grandi nomi attirano, soprattutto nei festival, masse numerose di persone e poi ci sono subito sotto tutte le band medie conosciute. Tutto probabilmente si ritroverà ridimensionato, anche i grossi festival. Bisognerà dedicarsi soprattutto alle realtà piccole. Però, sai, è molto difficile fare una previsione certa.

R.G.: Grazie mille Alex per la tua disponibilità e gentilezza!

A.S.: Grazie a voi ragazzi!!!! Saluto tutti i nostri fan!!!!