Intervista ai Gambardellas

In occasione del MarcaRock, rassegna musicale di tre giorni che si è svolta a Marcallo con Casone, alle porte di Milano, abbiamo incontrato Mauro, voce, batteria e fondatore dei Gambardellas, nuova realtà del rock italiano che da un paio d’anni ha avuto una costante crescita all’interno del panorama underground del nostro Paese. Mauro ci ha raccontato di questi due anni di crescita, di ambizioni future e tanto altro.

R.G.: Ciao e benvenuti su RockGarage! Fateci una vostra presentazione per chi ancora non vi conosce.
M.G.: Grazie a voi! Dunque, i Gambardellas sono una band che ho fondato personalmente nel 2012. All’inizio era una one-man-band ma anche un progetto parallelo visto che, per tanti anni, ho suonato con altri progetti musicali come George Merk, The R’s e Paletti, Dopo tanti anni di “turnismo” ho capito che per me era giunto il momento di esplorare la mia parte da compositore; per diversi anni ho scritto canzoni solo per me, quindi nel 2012 mi sono messo nel mio home studio con un co-produttore che al tempo era Fabio Dalè ed ho iniziato a lavorare su quello che poi è diventato Sloppy Sounds, ovvero il primo disco dei Gambardellas, ed una volta terminato, ho capito che la cosa poteva funzionare e quindi sono nati i Gambardellas. L’anno scorso abbiamo fatto 42 date live, assieme a Glenda e Grethel Frassi e da questo abbiamo capito che c’era enorme affiatamento tra di noi, ci siamo guardati e, visto l’affiatamento creatosi, abbiamo deciso di lavorare su altri nuovi pezzi, dai quali è nato il nostro EP Ashes.

R.G.: Dal disco d’esordio “Sloppy Sounds” si percepiscono diverse influenze: quali sono i generi che più ti hanno formato come artista?
M.G.: Guarda, a me piace definire Sloppy Sounds come il disco che avrei sempre voluto fare; un po’ perché avevo pieno potere sulle decisioni, e quindi volevo far sentire tutte le mie influenze musicali, che comunque, crescendo nel corso degli anni, sono state diverse. Il disco è composto anche da canzoni che ho scritto diversi anni fa, quando ascoltavo più grunge come Pearl Jam o Foo Fighters. Comunque è sempre difficile parlare di influenze, ma su Sloppy Sounds in particolare mi vengono in mente contaminazioni da parte di gruppi come Eagles Of Death Metal o Arctic Monkeys, o appunto derivati dal grunge come ti dicevo poco fa. Tante influenze, e volevo proprio che quel disco suonasse così; non dico che suonasse “acerbo” ma sapevo che poteva essere il classico primo disco di una band, e quindi, sotto alcuni punti di vista, magari un po’ “ingenuo” come lavoro. Invece con Ashes volevo che il sound fosse ancora più “nostro”, e dico nostro perché ovviamente anche Glenda e Grethel hanno messo del loro, portando la loro esperienza. E secondo me è uscito un disco ancor più maturo ed anche molto più moderno.

R.G.: Da poco è uscito il vostro EP “Ashes”, com’è nato e il titolo ha qualche significato particolare?
M.G.: No non ha significati particolari; come spesso accade si comincia a jammare un po’ in saletta, provando diverse soluzioni, ed ho pensato che la parola Ashes ci stava perfettamente in questo contesto, da lì poi ho scritto il testo del brano prendendo appunto spunto dalle ceneri e dalla rinascita da esse. Ed in effetti, pensandoci a posteriori, questo lavoro rappresenta per noi una rinascita o un nuovo inizio.

R.G.: Com’è nata l’idea di pubblicare un EP quasi subito dopo un LP?
M.G.: Guarda, nell’agosto dell’anno scorso ci siamo chiusi in saletta con l’obbligo morale di comporre venti pezzi, e ci siamo riusciti. Però allo stesso tempo volevamo pubblicare qualcosa in tempi brevi, perché ormai c’è l’esigenza per le band emergenti di pubblicare novità per far sì anche di avere una continuità a livello di live, che resta la nostra principale forma di promozione, ed anche remunerativa per la nostra band. Quindi abbiamo preferito non fare il passo più lungo della gamba; per noi è un momento di passaggio, e quindi abbiamo pensato che è stato meglio far uscire un EP, ed intanto continuare a lavorare per trovare ed identificarci in un determinato percorso.

R.G.: State lavorando ad un nuovo LP?
M.G.: Assolutamente sì! Ne stiamo parlando proprio in questi giorni, anche se non abbiamo ancora ben chiaro dove e con chi registrarlo. I pezzi sono pronti, ed alcuni di essi li abbiamo già testati dal vivo, per capire quali possono funzionare o meno, siamo anche convinti che ci saranno dei brani ancora più maturi e che quindi possano fare un ulteriore passo avanti rispetto a Sloppy Sounds. Stiamo valutando diverse opzioni, ma l’idea principale è quella di andare a produrlo all’estero, perché vogliamo dare ai nostri lavori un valore più internazionale.

R.G.: Avrete un’estate intensa riguardo il tour, tra le tante date ho letto che suonerete al Woodstock Europe, cosa vi aspettate da questa esperienza?
M.G.: Guarda, per noi è stata una bellissima sorpresa, siamo stati selezionati per quel festival attraverso un concorso. Devo dire che comunque sono sempre stato scettico riguardo ai concorsi; nel corso degli anni ne ho fatti tanti e devo dire che ho trovato dei contesti all’interno che non mi sono mai piaciuti molto. Però questa era una grande occasione, anche per mettersi in gioco a livello internazionale. Sinceramente non conoscevo questo festival, ma tramite internet e parlando con altre persone, mi sono informato ed ho scoperto che è un festival che esiste da vent’anni e di media fa 400.000 persone all’anno, una roba gigantesca! Quindi abbiamo detto: “va beh proviamoci!” Abbiamo inviato il nostro materiale e c’hanno preso! Ed è stato per noi una cosa totalmente inaspettata, anche perché saremo l’unica band italiana. Cosa ci aspettiamo? Bè il nostro obiettivo è di andare là ed innanzitutto divertirci, ma anche quella di riuscire ad ottenere una prima visibilità per poi poter iniziare a muovere qualche passo fuori dall’Italia. È un’occasione che vedremo di sfruttare al meglio.

R.G.: Insomma è un bel trampolino di lancio per riuscire ad ottenere qualche data all’estero, o sbaglio?
M.G.: Sì anche se vogliamo comunque essere cauti; come dicevo prima, l’obiettivo primario è quello di andare là e fare il nostro lavoro nel migliore dei modi, prima di questo festival abbiamo altre date qui in Italia, quindi altre occasioni per rodarci e per presentarsi lì al massimo, poi come andrà andrà, se andrà bene vorrà dire che abbiamo semplicemente fatto il nostro lavoro al meglio. Quello di suonare di più all’estero è comunque un obiettivo, sappiamo che un sound come il nostro, cantato in inglese, e che riteniamo di stampo più internazionale, fa molta fatica a trovare spazio qui in Italia, anche se per quanto ci riguarda, abbiamo fatto parecchi live e con ottimi risultati, soprattutto iniziamo a vedere gente che segue i nostri tour. Ma comunque uno dei nostri primari obiettivi resta quello di iniziare a provare ad esibirci fuori dai nostri confini.

R.G.: Cosa ne pensi delle varie piattaforme online per la musica? Sono utili o anche dannose per una band emergente come la vostra?
M.G.: Dal mio punto di vista tutto può essere utile; viviamo in questo mondo e fare una guerra contro un gigante come internet è impossibile, come si è visto in passato da band molto più grandi di noi che c’hanno provato. Ci si può convivere, a me, ad esempio, viene in mente Jack White, che nonostante la sua ottima campagna pro-vinile, allo stesso tempo è presente su canali come iTunes o Spotify. Per una band come la nostra essere presenti su questi canali è utile, anche se sappiamo benissimo che quando vendo un CD al banchetto dopo il live, hai un rientro che non hai con diecimila visualizzazioni su Spotify. Certo è un ottimo modo per promuoversi, se aumentano gli utenti che ascoltano i nostri dischi non posso che esserne contento. Noi comunque siamo molto attivi su internet; abbiamo le nostre pagine Facebook, Twitter e soprattutto Soundcloud, che è una realtà solamente delegata alla musica, cosa che non è assolutamente Facebook. Noi innanzitutto dobbiamo convincere che la nostra musica è valida, e se questo è uno dei modi per ascoltarci, va bene lo stesso.

R.G.: Come vedi la situazione oggi riguardo agli spazi per suonare, o alle possibilità che hanno (o che non hanno) le band emergenti di esibirsi dal vivo?
M.G.: Io, avendo un passato da turnista, o sempre lavorato diciamo “conto terzi”, e quindi fino ai Gambardellas non sono mai stato uno che si occupava di cercare date o che aveva a che fare con le etichette, sono sempre stato un batterista che veniva chiamato per poi adattarsi al contesto musicale nel quale andavo a far parte. Quindi non ho un vero polso della situazione, so che anni fa si suonava molto di più e che c’erano molte più occasioni per esibirsi davanti ad un pubblico. So che molte band si lamentano del poco spazio concesso, ma noi non ci possiamo assolutamente lamentare, tenendo conto che tra l’anno scorso e quest’anno abbiamo alle spalle circa settanta concerti.

R.G.: Grazie dell’intervista, fate pure un saluto ai lettori di RockGarage!
M.G.: Volentieri! Ciao ragazzi sono Mauro dei Gambardellas, un ringraziamento a RockGarage, check it out!

Intervista ad Alteria

In occasione della data milanese presso il Legend Club, abbiamo incontrato Alteria, che ha da poco iniziato la seconda parte del suo tour che promuove il disco Encore, pubblicato lo scorso dicembre. Nel corso della chiacchierata abbiamo affrontato diversi argomenti, dai suoi esordi fino ad oggi, nei quali ci ha raccontato le sue esperienze e le sue opinioni su argomenti a lei affini. Il tutto con la sua simpatia e disponibilità.

R.G.: Ciao Alteria e benvenuta su RockGarage!
A.: Ciao e grazie a voi!

R.G.: Raccontaci un po’ di te, del tuo percorso d’avvicinamento alla musica
A.: La mia passione è partita in maniera diciamo un po’ scontata, perché mio padre di lavoro fa lo speaker radiofonico, e sin da quando ero piccola, lui mi raccontava di sé, di quando a 18 anni aveva aperto una radio che all’epoca si chiamava Radio Reporter, una delle prime radio libere milanesi. Quindi in casa ci sono stati sempre questi argomenti come la musica, la radio e tutto ciò che ne riguarda. Poi quando avevo 14 anni ho iniziato un po’ per gioco  nelle prime band suonando all’oratorio o al liceo, finchè a 18 anni è arrivata la mia prima esperienza vera con una band milanese che esiste tuttora che sia chiama Chakrah; questa esperienza mi è servita molto dato che mi ha permesso di far tanta gavetta e di salire su molti palchi. Dopo i Chakrah sono arrivati i No More Speech, altro progetto per me importante che è durato circa cinque-sei anni, altra esperienza che mi ha formata molto. Finita questa esperienza ho deciso di fermarmi per alcuni mesi per capire cosa volevo fare, anche perché quando si scioglie una band, alla quale ci tieni molto, hai un po’ di giramento di coglioni, soprattutto perché investi tanto tempo e passione in una cosa che poi non è andata in porto. Quindi dopo questi mesi di valutazioni, ho deciso di lanciarmi in un progetto che mi vede come solista, e proprio perchè la band che ho alle mie spalle è fondamentale, lo spirito del gruppo lo vivo tantissimo, poi si c’è davanti il mio nome, ma il palco lo dividiamo assieme noi quattro.

R.G.: Ed il tuo nome Alteria come nasce?
A.: Alteria è un nomignolo che mi sono data sin dai tempi della prima band, quindi in adolescenza. Deriva da “alter ego”, e siccome lo volevo rendere un po’ più femminile, ho inventato per me “Alteria”, e da lì è rimasto. Devo dire che è un nome che rimanda un po’ ad uno scenario epic metal, genere nel quale io però non c’entro assolutamente niente, ma poi sai, grazie alla visibilità che ho avuto anche grazie a Rock Tv, togliermi questo nome non era così facile, quindi ho deciso di tenermelo!

R.G.: Da qualche mese è uscito il tuo disco “Encore”, ti va di parlarcene?
A.: Encore è arrivato facilmente, perché questi mesi di stop mi hanno permessa di ripartire proprio di slancio; le musiche sono state composte tutte da Nando De Luca che è il bassista del mio progetto e che, come me, arriva dall’esperienza con i No More Speech, come il mio batterista. Scrivendo le musiche lui è stato molto bravo a captare quello che stavo vivendo anche il mio stato d’animo, perché non è un disco così allegro diciamo, è un po’ cupo e molto eterogeneo ed ha molte sfumature. Io mi sono occupata di tutte le linee melodiche e di tutti i testi. Il disco l’abbiamo scritto abbastanza in fretta, ci abbiamo impiegato meno di un anno, e direi che siamo molto contenti nonostante come genere non sia catalogabile visto che non è un disco metal, non è un disco rock‘n’roll, non è un disco hard rock e non è un disco nu-metal, proprio questa eterogeneità è stata l’arma vincente, cosa che abbiamo riscontrato anche leggendo varie recensioni.

R.G.: È da poco iniziata la 2° parte del tuo tour, come sta andando e cosa ti aspetti?
A.: La seconda parte del tour è partita da circa tre settimane, quindi è un po’ presto per dirlo, però stasera qui al Legend Club per noi è una data importante visto che siamo proprio a Milano. Però devo dire sembra esserci molta risposta, anche nei social network dove abbiamo letto che c’è molta gente che ci vorrebbe anche al Sud, quindi speriamo che in agosto riusciamo anche a scendere giù in Meridione, visto anche che io sono di origini siciliane!

R.G.: Oltre ad essere una musicista, ti dividi tra i lavori di vj su Rock TV, speaker radiofonica e dj, ma dov’è che ti senti più a tuo agio?
A.: Io sono una cantante! Ma purtroppo questa è stata ed è tuttora la cosa più difficile da far arrivare. Ho iniziato a lavorare su Rock Tv perché Mario Riso all’epoca mi vide sul palco con i Chakrah, e mi chiese di venire su RockTv per fare qualche intervista perché, secondo lui, avevo lo spirito giusto. Questo fa capire che però io nasco cantante e di conseguenza sono diventata vj/dj, sono una cantante principalmente e quando la gente mi dice “Alteria quella di RockTv” la sfida per me più difficile ma anche più importante è nel dire “ma vieni ad un mio concerto, così spero di convincerti che sono una cantante!”.

R.G.: Nel corso degli anni hai avuto modo di conoscere artisti e di collaborarci, con chi sogni di collaborare in futuro?
A: Se parliamo di stranieri, io cito sempre i miei due idoli di sempre che sono Robert Plant e David Coverdale, un po’ vecchietti ma sono artisti che potrebbero salire su un palco e star tranquillamente zitti. Se invece dovessi nominarti artisti un po’ più moderni ti direi Deftones e Korn. Rimanendo in ambito italiano per me è difficilissimo perché non ascolto molta musica italiana, ma ultimamente mi sono artisticamente innamorata di un’unica band che sono Il Teatro Degli Orrori; di loro trovo che il cantante Pierpaolo Capovilla abbia un carisma pazzesco.

R.G.: Una donna nell’ambiente rock; trovi che, ancora oggi, ci sia un po’ di maschilismo nell’ambiente?
A.: Tenendo contro che per immaginario generale il rock è maschio, quando sale una donna su un palco, che sia cantante o strumentista, scatta sempre un po’ di scetticismo. Nel rock ci sono poche icone femminili e fanno fatica a combattere contro quelle maschili. Poi ci sono state molte rappresentanti che hanno aiutato un po’ le donne nel rock, come Cristina Scabbia, oppure Masha degli Exilia, piuttosto che tutta la scena epic metal del Nord Europa, e piano piano queste donne sono venute fuori con due palle virtuali così. Spero anche io di poter contribuire e sto lavorando ancora per poter arrivare a livelli come quelli citati prima.

R.G.: Cosa consiglieresti ad una ragazza giovane per farsi strada nel mondo della musica?
A.: Una cosa che dico sempre è di studiare tanto! Sembra una roba da vecchia bacchettona ma lo dico perché io in primis ne ho sofferto molto, parlando da cantante. Se studi molto, diventi poi anche un po’ inattaccabile nel momento in cui sei consapevole dell’uso del tuo strumento, nel mio caso le corde vocali, che sono uno strumento alla pari di tutti gli altri, anzi, sono più delicate e quindi vanno trattate meglio. Altro consiglio che spesso mi capita di dare è quello di non scimmiottare nessuna. Se posso però vorrei aprire una parentesi, sperando di non crearmi antipatie o inimicizie: una cosa che non mi piace di alcune donne sul palco è quello di dover per forza essere femminili all’ennesima potenza per essere apprezzate ancor di più dal pubblico maschile. È fuori dubbio che per noi donne essere belle e sensuali possa costituire un’arma vincente, però non è solo quello. Per esempio, Masha degli Exilia che non punta sulla sensualità, io la trovo fighissima e per me è una bomba!

R.G.: Da dj ed esperta delle scena milanese, cosa ne pensi di queste continue chiusure di storici locali?
A.: Una tragedia! Anche se non scopro l’acqua calda, penso che il problema di molto locali è che, quando vogliono proporre la serata “rock”, propongono la stessa cosa, ma non da tre anni ma dal ’97! E dico questa cosa chiamando in causa anche me stessa perché spesso dico, ad esempio “che palle sempre Rollin’ dei Limp Bizkit in ogni dj set” ma poi sono la prima a metterla, perché appena la metti tutti ballano, quindi è un cane che si morde la coda. Ci vorrebbe un black-out generale, e secondo me ci stiamo arrivando, per poi ripartire con uno spirito, non dico giovane, ma indubbiamente nuovo, che piano piano ritirerà su il rock.

R.G.: Grazie della tua disponibilità, vuoi fare un saluto ai lettori di RockGarage?
A.: Amici di RockGarage vi ringrazio! E come sempre io chiudo dicendo “long live rock‘n’roll!”, ciao da Alteria!

Intervista a Giovanni De Liso Part 2

Seconda parte della nostra intervista a Giovanni De Liso, autore del bel libro Genesis. Once Upon A Time – testi commentati (1969-1974), edito per la casa editrice Arcana, pronti a farci raccontare il seguito della tortuosa avventura di Rael, protagonista del disco The Lamb Lies Down On Broadway, pietra miliare della categoria concept album nonché, ovviamente, pietra miliare del prog rock anni ’70. Ecco qui quanto ci ha raccontato (la prima parte dell’intervista è disponibile a questa pagina).

R.G: Ciao Giovanni, grazie di nuovo per la tua disponibilità. Avevamo lasciato Rael in un mondo “alieno” alle prese con essere fantastici e particolarmente strani. Alla fine del primo disco Rael era bloccato in un salone con 32 porte dalle quali non riusciva ad uscire. Cosa succede ora?
G.D.L.: Ciao a tutti e bentrovati! Allora Rael riesce ad uscire da questo “strano” salone grazie a Lilywhite Lilith, che è il titolo del brano che apre il secondo disco. Tradizionalmente Lilith è una figura presente nelle antiche religioni mesopotamiche e nella prima religione ebraica. Per gli antichi ebrei Lilith era la prima moglie di Adamo (quindi precedente ad Eva), che fu ripudiata e cacciata via perché si rifiutò di obbedire al marito e per questo motivo ritenuta un demone che divorava neonati. Gabriel nel suo racconto la descrive invece come un’anziana donna cieca che riesce a condurre Rael fuori dal labirinto delle 32 porte semplicemente grazie alla brezza che lei solo riesce a percepire. Una volta fuori Rael si ritrova in un altro ambiente e Lilith lo fa sedere su di un trono di pietra chiedendogli di aspettare qualcosa o “qualcuno”. A questo punto parte lo strumentale The Waiting Room, appunto la sala di attesa.

R.G.: Cosa aspetta?
G.D.L.: Nientepocodimeno che la Morte! Trovandosi in una dimensione sovrannaturale si presenta questa figura della Morte. Dapprima citata nel brano Anyway si presenta nella successiva Here Comes The Supernatural Anaesthetist, dove viene definita come l’anestesista sovrannaturale, quale scherzosa descrizione. Ma non è ancora giunta la fine per il nostro Rael, quindi questi passa da un’esperienza vicino alla morte ad un’esperienza completamente diversa. Giunto in una piscina incontra le tre Lamia, figure mitologiche metà donna e metà serpente, che lo seducono. Il brano The Lamia è forse uno dei più belli di tutto il disco, sia a livello musicale che a livello di liriche. Il testo è molto poetico con parole particolarmente ricercate e descrive questo “incontro” con la particolarità che, a differenza del mito in cui le Lamia succhiavano il sangue dei loro occasionali amanti, le stesse, dopo il rapporto “orgiastico” avuto con Rael, muoiono tra le convulsioni con il protagonista che fa scempio dei loro cadaveri. Alla fine della storia l’ambiente si “resetta” creando un nuovo luogo. Qui entrano in scena i personaggi più importanti di tutto il disco, anche questi rappresentati in concerto da Gabriel con i suoi molteplici costumi, ossia la colonia degli Amorfi. I grotteschi personaggi in questione sono, se vogliamo, una sorta di omaggio al cinema di Alejandro Jodorowsky – sopratutto a El Topo.

R.G: Chi rappresentano gli Amorfi?
G.D.L.: Gli Slipperman sono niente più e niente meno che umani trasformati a seguito del rapporto con le Lamia. Infatti uno degli amorfi si avvicinerà a Rael e lo avviserà che presto o tardi anche lui sarà mutato in uno slipperman proprio perché ha avuto un rapporto sessuale con le Lamia. L’unico modo per evitare questa mutazione sarà la castrazione ad opera del dottor Dyper. Sconvolto per la notizia Rael si accorge che tra gli amorfi è presente anche il fratello John, anch’esso in procinto di mutarsi in amorfo. Entrambi partono alla ricerca del dottor Dyper per effettuare questa operazione, operazione che viene effettuata in maniera alquanto caricaturale. Una volta effettuata la castrazione, l’organo genitale viene messo in un tubo con un biglietto di avviso a rimaner lontano da eventuali pulsioni. All’lmprovviso un corvo si avventa dall’alto e ruba il tubo con il suo prezioso contenuto, per cui i due – Rael e John – si lanciano all’inseguimento del volatile il quale getterà il contenuto del tubo nelle rapide. Ora, qui succede qualcosa di particolare che offre la chiave di volta a tutta la storia: Rael viene abbandonato ancora una volta da John che ritiene il viaggio si stia facendo troppo pericoloso; resta di nuovo da solo, abbandonato nuovamente dalla sua famiglia in un momento topico dell’esistenza, ripiomba in un nuovo stato depressivo, quando all’improvviso  in The Light Dies Down On Broadway, brano fondamentale di tutto il disco, si apre una sorta di “finestra” in questa realtà parallela. Rael vede la reale Broadway con il suo traffico e i suoi abitanti. Una porta in grado di far ritornare il nostro protagonista alla sua realtà ma contemporaneamente, mentre questo accade, Rael vede il fratello che, dopo averlo abbandonato, è caduto accidentalmente nelle rapide e sta per annegare. Rael in pochi secondi deve decidere se tornare nel suo mondo abbandonando John al suo destino o tentare un estremo salvataggio. Tutto questo in pochi secondi in quanto il passaggio si restringe sempre più velocemente.

R.G.: Possiamo leggere in questa “scelta” un qualcosa di autobiografico?
G.D.L.: certo! Gabriel qui doveva scegliere se tornare a “Broadway”, ossia rimanere con i suoi compagni della band e proseguire una nota e sicura carriera musicale rimanendo però legato alle scelte degli altri musicisti o il salto nel buio di una carriera solista, forse con qualche successo ma sicuramente legata ai fasti precedenti. Ovviamente Rael/Gabriel sceglierà di salvare John (e quindi di gettarsi nel buio di una carriera solista) abbandonando ogni chance di tornare a “Broadway” (infatti il passaggio si chiuderà definitivamente) e si getterà nelle “rapide” (In The Rapids) salvando il fratello John. Rael trascinerà John in salvo sulle rive di queste rapide per accorgersi che John è lui stesso. Rael ha salvato se stesso. Qui entra il discorso della figura dell’alter-ego (Gabriel era un accanito lettore di Jung), del conscio e dell’inconscio. John rappresentava dunque l’inconscio di Rael.

R.G.: Fine della storia?
G.D.L.: No, non ancora. È presente un ultimo brano It, pregno di citazioni, giochi di parole in puro Genesis-style. It è qualcosa di etereo, è la dimensione finale in cui il personaggio Rael riesce ad arrivare avendo fatto un percorso di redenzione e di espiazione. Una sorta di Nirvana (o di più semplice Paradiso) che ingloba il personaggio rendendolo Reale (difatti Rael è l’anagramma di Real – reale). Così si chiude il disco e la storia.

R.G.: La scelta di Peter Gabriel (non più di Rael) di gettarsi in una nuova avventura sarà premiata o meno?
G.D.L.: Bella domanda! La scelta di Gabriel ha fatto sicuramente la fortuna dei suoi compagni (sopratutto di Phil Collins) che hanno inanellato una serie di successi invidiabili, soprattutto negli scintillanti anni ’80. Peter Gabriel ha dimostrato sicuramente nel corso della sua carriera che quando ha voluto, ha saputo anche sfornare successi pop praticamente eccellenti, ma quasi a sfregio come a dimostrare “visto? Lo so fare anche io ma non lo faccio” (basti pensare al famoso So).

R.G: Il primo singolo da solista per Gabriel fu Solsbury Hill che richiamava la sua precedente carriera.
G.D.L.: Fai bene a citarlo, infatti Solsbury Hill è legato molto anche a The Lamb Lies On Broadway il testo è autobiografico in cui Gabriel racconta della sua necessaria “fuga” dalla macchina che lo aveva inglobato e lo stava stritolando. Una fuga irrazionale in quanto il suo reale interesse forse era rimanere.

R.G.: Come un tuffo nelle rapide praticamente.
G.D.L.: Esatto!

R.G.: Un’ultimissima domanda. Consiglieresti “The Lamb Lies On Broadway” ad un neofita dei Genesis?
G.D.L.: No, dico la verità. È un disco troppo complesso e un neofita potrebbe correre il rischio di trovarlo noioso e di non apprezzarlo appieno. A mio avviso il disco ideale per avvicinarsi all’universo Genesis potrebbe essere Duke – stranamente un disco senza Gabriel – proprio per il suo essere un disco a metà strada tra il progressive dei primi anni ed il pop (che da lì a breve diventerà lo stile del gruppo) per poi passare a Selling England By The Pound, sicuramente più digeribile, e The Lamb Lies On Broadway lo terrei per ultimo proprio per la difficoltà di essere metabolizzato, anche se nel momento in cui viene “assorbito” non lo lasci più! Confesso che i miei dischi preferiti sono i due successivi all’uscita di Peter Gabriel (A Trick Of The Tail e Wind & Whutering), sottovalutati ma con tante perle.

R.G: Per sapere qualcosa dei testi del secondo periodo dei Genesis? Qualcosa in cantiere?
G.D.L.: Sì, la casa editrice Arcana a ottobre, oltre a ristampare il primo volume, pubblicherà la seconda parte dei testi commentati – quindi in piena era Collins – e molto sarà dedicato ai due dischi sopra citati.

R.G.: Grazie Giovanni per averci dedicato il tuo tempo e averci spiegato nei dettagli la misteriosa storia di “The Lamb Lies Down On Broadway” . Ricordiamo che se avete curiosità su questi testi e altri testi del primo periodo Genesis potrete consultare l’ottimo volume Genesis. Once upon a time. Testi commentati (1969-1974) edito dall’Arcana editrice (lo potete trovare cliccando qui).
G.D.L.: Grazie a voi ragazzi, a presto!

Intervista a Giovanni De Liso Part 1

Per intere generazioni il termine progressive era identificato immediatamente con i Genesis. Il gruppo di Peter Gabriel è stato – soprattutto in Italia – particolamente amato e studiato da intere generazioni di fan e la stessa figura austera ed enigmatica di Gabriel, il quale interpretava magistralmente i suoi personaggi, fu fonte di ammirazione da parte del pubblico italiano. Uno dei dischi più complessi della band è sicuramente The Lamb Lies Down On Broadway, pregno di simbolismi, giochi di parole, testi enigmatici, insomma sicuramente uno dei lavori simbolo di tutto il prog-rock dei ’70. Abbiamo fatto due chiacchiere sul disco con Giovanni De Liso, esperto dei Genesis ed autore del bel saggio Genesis – Once Upon a Time (1969-1974) Arcana Edizioni. Quale migliore occasione per avere una definitiva chiave di lettura su tutto l’album?

R.G.: Ciao Giovanni, allora parliamo di The Lamb Lies Down On Broadway forse il disco più complesso di tutta una carriera. A grandi linee sappiamo che è la storia di un alter-ego di Peter Gabriel. Ma di cosa tratta?
G.D.L.: Eh, bella domanda! Beh possiamo dire che sicuramente è un lavoro complesso, opera principalmente di Peter Gabriel per ciò che riguarda il soggetto ed i testi. Era una storia assolutamente nuova, tanto da imporsi sul vecchio progetto proposto da Mike Rutherford, una riduzione in musica de Il Piccolo Principe di Antoine de Saint-Exupéry.

R.G.: Perché nuova?
G.d.L: Perché per la prima volta il progressive parlava di argomenti reali. La storia è ambientata nella nostra società, almeno nelle prime fasi, con il protagonista che è un teppistello di origini portoricane, decisamente lontano dunque dai classici stilemi del rock progressive. Apparentemente perché poi la storia prenderà una direzione decisamente più sovrannaturale.

R.G.: La critica definisce The Lamb… come il primo disco in assoluto di Peter Gabriel, per la scelta di voler scrivere da solo i testi, senza alcuna collaborazione da parte dei restanti membri. Che ne pensi?
GdL: Oh sì, dal punto di vista lirico assolutamente sì! Basti pensare che il copyright sui testi è di assoluta proprietà del cantante e lo stesso inserì all’interno del vinile delle note – anch’esse di suo esclusivo pugno – che potevano essere considerate un aggiunta ai testi del disco. Va ricordato che alla vigilia della scrittura dei testi del disco Peter lasciò i Genesis. Fu convinto solo dal management – in particolare da Tony Smith – a rientrare nella band ma i rapporti erano incrinati. Basti pensare che dal vivo si poteva assistere a una completa divisione: sul palco Peter Gabriel – ora nei panni di Rael, ora nei panni degli altri personaggi, dietro il cantante un enorme tendone bianco illuminava con strategiche luci, i restanti membri del gruppo. Peter sentiva come castrante la presenza degli altri membri e avrebbe voluto spaziare in altri campi, ad esempio il cinema, mentre Banks, Collins e gli altri preferivano concentrarsi solo sulla musica dunque impedivano tali divagazioni. La separazione era netta e alla fine della tournée – o meglio durante la stessa – Gabriel lasciò il gruppo in maniera definitiva anche se leggendo “in filigrana” i testi del disco già potevamo notare che il cantante aveva già deciso che quello sarebbe stato l’ultimo album dei Genesis.

R.G.: Anche a livello musicale il lavoro è di Gabriel? O ci fu una divisione?
GdL: No, ci fu una ripartizione. Il gruppo in una stanza componeva e incideva la musica mentre il cantante – rigorosamente da solo – in un’altra stanza scriveva ed elaborava i testi. In realtà a causa della nota lentezza compositiva di Gabriel ci fu anche un notevole supporto da parte di Banks e Rutherford che all’epoca erano gli unici che scrivevano per i Genesis. Il risultato è abbastanza evidente: tutta l’opera è scritta in prima persona mentre il brano The Light Dies Down On Broadway, che poi è il punto di snodo di tutto il racconto, è scritto in terza persona.

R.G.: Ok, parliamo della storia allora. Chi è Rael?
GdL: L’opera si apre su Manhattan, l’alba di una giornata qualunque. Appare il nostro protagonista Rael, descritto come “Il Principe Imperiale dell’Aerosol”. Protagonista che si presenta uscendo dalla metropolitana della fermata di Broadway brandendo una bomboletta di vernice spray, pronto ad imbrattare le mura e le pareti circostanti con il suo nome (ossia l’anagramma di Real, “Reale”). È l’alba che nasce in una città molto frivola e spensierata. Ricca, con i suoi cinema e i suoi teatri, tutto ciò in contrasto con la figura di Rael, povero teppista di origine portoricana che ha come unico scopo nella vita il fare danni e creare risse. Sembra quindi un racconto metropolitano ben distante da quanto sta per accadere. All’improvviso su Time Square appare una enorme nuvola che sembra fagocitare tutto quello che trova sul suo percorso (Fly On A Windshield). Rael vede i passanti muoversi tranquillamente, non accorgendosi della presenza di tale nuvola, mentre lui è il solo a vederla e cerca di scappare per non essere fagocitato. Ma è impossibile e viene inglobato entrando improvvisamente in un’altra dimensione, ma prima di farlo Rael rivive per un istante tutta la sua vita. Qui siamo al terzo brano Broadway Melody Of 1974, che è una carrellata di personaggi celebri americani: Groucho Marx, Marshall McLuan, Lenny Bruce e tanti altri. Ad un tratto la musica si arresta e entriamo in un’altra dimensione (Cuckoo Cucoon). Rael si sveglia in una grotta avvolto in un bozzolo dal quale esce. Questo è un brano in cui le influenze con un certo tipo di cinema si fanno maggiormente sentire. Pensiamo a Jodorowsky. Il regista cileno autore del seminale El Topo era particolarmente amato da Gabriel e lo stesso cantante pensava di affidare a questi una riduzione cinematografica della storia. Peccato che non se ne fece niente!

R.G.: Ci stiamo appassionando! Vai avanti!
GdL: Rael si trova in una caverna (In The Cage) dove si accorge che non è solo. Incontra il fratello John, personaggio chiave della storia. Qui si possono dare due chiavi di lettura al testo, o meglio si può parlare di due metatesti: uno letterale, ossia Rael è in un mondo a lui sconosciuto ed uno più prettamente religioso. Cosa che si evince già dal titolo del disco “The Lamb…” ossia l’agnello, simbolo cristiano per eccellenza. In realtà si può dare anche un altro significato più psicologico al tutto con l’idea dell’abbandono del gruppo da parte di Gabriel. Ecco queste sono le tre chiavi di lettura di tutto il disco. La gabbia (The Cage) è il luogo che per Peter lo nasconde al mondo e gli impedisce di esprimersi liberamente (ossia il gruppo madre) tanto che ad un tratto urla, per bocca del suo alter ego, “…Fatemi Uscire da Questa Gabbia”. Ovviamente non possiamo che pensare alla “platoniana” caverna ma Gabriel, all’epoca dell’incisione del disco, era particolamente affascinato dagli scritti di Carl Jung e lo stesso psichiatra svizzero in molte sue opere citava il mito della Caverna di Platone. Tornando alla storia, Rael esce in qualche modo da questa caverna per arrivare a quella che viene definita La Grande Parata Dell’Imballaggio Inanimato (The Grand Parade Of Lifeless Packaging), un luogo nel quale Rael vede “impacchettate” le anime umane che dopo la morte sono destinate alla reincarnazione per tornare pulite e nettate sulla terra. Back in N.Y.C e Hairless Heart sono una sorta di flashback del protagonista. Il primo è un brano molto interessante da un punto di vista delle liriche. Qui Rael ripercorre la sua infanzia ed adolescenza vissuta da teppista per le strade della Città.

R.G.: Interessante!
GdL: La successiva, strumentale Hairless Heart, rappresenta una sorta di prima redenzione del protagonista. Nella chiusura del precedente brano Rael si chiedeva se non era il caso di “rasare il suo cuore peloso”, quindi abbandonare il cinismo che lo caratterizzava e provare dei sentimenti. È quindi un inizio alla redenzione che verrà via via a manifestarsi durante il racconto. Counting Out Time è un brano più allegro che spezza quel clima ossessivo e cupo che si era creato e si parla della prima esperienza sessuale del protagonista. Segue The Carpet Crawlers e prosegue il viaggio ultraterreno del novello Dante all’interno di questo folle mondo. Qui Rael conosce le “creature striscianti”, esseri amorfi che vanno avanti e indietro sul pavimento tentando di aprire una porta che si apre su una scala a chiocciola che dovrebbe condurre verso la salvezza. Questi esseri ripetono incessantemente la frase “Dobbiamo entrare per poter uscire”, ossia entrare in quella porta per uscire da questo ambiente. In realtà non ci riescono tranne Rael che è l’unico che può abbandonare il tetro ambiente e può ascendere verso la scala a chiocciola che lo introdurrà nella Sala delle 32 Porte (The Chamber Of 32 Doors), brano che chiude il primo disco di The Lamb Lies Down On Broadway. Rael si trova in un ambiente degno della migliore Alice nel paese delle meraviglie: una enorme sala circondato da 32 porte ed ognuna di esse, nel momento in cui il Nostro vi accede, lo riporta al punto di partenza. Il brano nello sviluppo narrativo è fondamentale in quanto il protagonista re-incontra il fratello ed i genitori che però non gli danno le indicazioni necessarie per uscire da tale ambiente, a conferma del fatto che l’infanzia del personaggio non è stata semplice o facile. Per questo identifica i suoi familiari come persone inclini al tradimento. Il primo disco quindi si chiude con questa invocazione disperata, cantata a cappella da Peter Gabriel “Qualcuno mi aiuti ad uscire da questo luogo”.

R.G.: Beh, una storia davvero complicata fino ad ora! Forse è il caso di interrompere qui la prima parte della storia. Ringraziamo Giovanni per la sua disponibilità e ci vediamo prossimamente per sapere come finisce l’avventura di Rael.
GdL: Sì, la storia adesso inizia a diventare ancora più complessa con nuovi personaggi pronti ad entrare in scena. Alla prossima allora!

Intervista ai Klogr

È sempre bello poter interagire con gruppi musicali che hanno raggiunto traguardi importanti solo ed esclusivamente grazie al grandissimo impegno ed al proprio talento. Lo scambio di idee non si limita più ad uno sterile “domanda-risposta”, ma diventa qualcosa di più profondo e coinvolgente. È come se per un limitato periodo di tempo ci si riesca ad immergere nell’essenza stessa di un artista, portando quella che era partita come un’ “ordinaria” intervista ad un livello superiore ed estremamente appagante. Tutto ciò è stato vissuto in prima persona da noi di RockGarage sul sedile posteriore del tour bus degli emergenti ed apprezzati Klogr. L’alternative metal band modenese sta macinando traguardi importanti a ritmo serrato, dopo un acclamato tour europeo assieme ai potentissimi Prong, i ragazzi sono stati in grado di concludere un importante accordo di distribuzione negli USA con la blasonata etichetta The End Records per quanto riguarda la loro ultima fatica discografica denominata Black Snow. Cotanta determinazione non è sfuggita ai nostri precisissimi radar ed in brevissimo tempo li abbiamo raggiunti per farci raccontare gli ultimi sviluppi. Quello che ne è venuto fuori rappresenta un fedele estratto del loro modo di intendere la musica e tutto ciò che vi ruota attorno.

R.G.: Ciao ragazzi! Parliamo un attimo del nuovo album “Black Snow”.
K.: Dunque, abbiamo iniziato a scrivere Black Snow a giugno dopo aver ricevuto conferma del tour europeo assieme ai Prong, quindi possiamo dire che il tutto è stato creato in un tempo relativamente breve. Le registrazioni sono avvenute presso gli Zeta Factory Studios di Carpi con la formazione attuale, basso e batterie sono state registrate invece al Green River Studios di Varese. Tutto è stato fatto in maniera molto veloce, non avevamo molto tempo per via del tour già fissato a marzo dell’anno scorso, la pressione era davvero notevole ma grazie a Dio molti pezzi erano già praticamente pronti quindi non abbiamo avuto particolari problemi, la lavorazione è durata all’incirca tre mesi.

R.G.: Sappiamo che questo progetto rappresenta un concept album, qual è il messaggio che volete trasmettere?
K.: Con l’album Till You Turn avevamo creato già una sorta di concept che andava a descrivere quanto la società va a controllare l’individuo per poterne gestire al meglio l’espressione e le finanze, il nostro intento era quello di svegliare le coscienze e far capire che un cambiamento è possibile se si possiede la consapevolezza e la volontà per farlo. Con Black Snow ci siamo focalizzati sul tema ambientale ovvero su quanto l’uomo nel nome del profitto stia spremendo la terra senza pensare troppo ad un futuro catastrofico abbastanza prossimo.

R.G.: Cosa significa il vostro nome? Da dove deriva?
K.: Klogr è una formula matematica, sarebbe K logaritmo R, è un algoritmo che tenta di descrivere gli stimoli e le sensazioni umane. Questo ci può portare a pensare che l’uomo non sia totalmente libero ma condizionato dall’ambiente che lo circonda. Questa sigla ci è subito piaciuta e dopo averla modificata a dovere abbiamo deciso di farla nostra.

R.G.: Parlateci del vostro legame con l’associazione Sea Shepard.
K.: Tutto è nato una decina di anni fa quando io (Gabriele “Rusty” Rustichelli, cantante ndr) sono diventato guida subacquea, mi ritengo da sempre molto legato all’ambiente marino dove noi rimaniamo sempre e comunque degli ospiti. Tre anni fa i ragazzi di Sea Shepherd ci hanno invitato ad una loro serata, abbiamo partecipato con entusiasmo conoscendo successivamente in modo più approfondito tutto lo staff, da qui è nato un rapporto epistolare con alcuni componenti che ci ha portato, in maniera naturale, ad abbracciare in toto la loro importantissima causa e ad aiutarli dove possibile a portare avanti il loro messaggio. Abbiamo così deciso che il ricavato derivante dai primi 500 download su iTunes del nostro nuovo singolo Zero Tolerance verrà totalmente devoluto all’associazione Sea Shepard, ci sembra giusto dare un contributo concreto a questi coraggiosi ragazzi.

R.G.: All’interno del disco sono presenti collaborazioni con altri artisti?
K.: Sì, la collaborazione più forte è stata senza dubbio la produzione vocale avvenuta assieme ad Olly Riva, lo conosciamo da tempo ed abbiamo già collaborato assieme in passato. L’interazione umana ed artistica è molto forte tra di noi, ci troviamo benissimo e speriamo di registrare ancora molti album assieme. Abbiamo ricevuto un enorme aiuto anche da Ralph Salati dei Destrage che ha suonato il basso in alcune circostanze  nonostante lui sia un eccellente chitarrista e da moltissime altre persone che hanno fatto sì che questo progetto finisse nel migliore dei modi.

R.G.: Avete in programma di suonare in qualche festival quest’estate?
K.: Siamo appena rientrati dalle 23 date del tour europeo assieme ai Prong, faremo tre o quattro concerti in Italia non molto grossi perché lavoriamo già all’editing del dvd live girato durante le date passate, stiamo anche mettendo a punto qualcosa in acustico. In autunno poi vorremmo fare delle date negli Stati Uniti ma dobbiamo valutare ancora molte cose.

R.G.: Come pensate siano recepite le tematiche a voi care in Italia? Credete vi sia una coscienza sufficiente?
K.: Noi da sempre utilizziamo la musica come strumento per attirare l’attenzione su tematiche che ci riguardano tutti, ci facciamo portavoce di un messaggio. l’Italia in questo momento è attraversata da una crisi economica e sociale senza precedenti che convoglia tutte le energie dei propri abitanti verso situazioni a volte di mera sopravvivenza che portano, purtroppo, queste tematiche in secondo piano. Cerchiamo comunque sempre di far aprire gli occhi a quante più persone possibile ma ci rendiamo conto che attualmente la situazione non è delle più fertili.

R.G.: Raccontateci qualcosa di divertente che vi è accaduto ultimamente.
K.: Essendo freschi di tour europeo con i Prong abbiamo vissuto situazioni davvero pazzesche. Siamo partiti con questa avventura timorosi essendo una band giovane e suonando con dei veterani della scena avevamo mille dubbi, dopo il secondo giorno tutti hanno perso qualsiasi tipo di inibizione; durante l’ultima data abbiamo dato fondo alla nostra creatività su invito degli stessi roadies. Sono partiti degli scherzi epici come ad esempio borotalco sulle pelli del batterista dei Prong, scalette dei pezzi sbagliate o flaconi di idratante per la gola del cantante incollate direttamente sugli amplificatori, ne abbiamo fatte e viste veramente di tutti i colori! (ride ndr.) È comunque sempre rimasto un senso di  reciproco rispetto e fratellanza davvero unico.

R.G.: Grazie mille ragazzi! In bocca al lupo per il futuro e a prestissimo!
K.: Grazie a voi di RockGarage, un grosso saluto a tutti i lettori.

Intervista a Pino Scotto

Alcune persone nel proprio ambito lavorativo non hanno bisogno di presentazioni. Grazie a ciò che hanno fatto ed in molti casi, continuano a fare, basta pronunciarne il nome per far intuire alla maggior parte delle persone l’intero contesto a cui si andrà ad attingere. Questa è esattamente la situazione che si va a richiamare quando si parla di un mostro sacro della scena heavy metal nostrana come Pino Scotto. Impossibile non riconoscerne i meriti sia come componente di spicco dei mitici Vanadium, una delle prime band capaci di introdurre il metallo pesante nella penisola ed in grado di vendere più di due milioni di dischi, sia come cantante solista ed alfiere della cultura rock a tutto tondo. Grazie alla buona volontà e ad un ottimo tempismo, RockGarage ha avuto modo di incontrare il rocker campano che, con la consueta energia e l’immancabile entusiasmo ci ha raccontato tutto sulla miriade di nuovi progetti che ha in serbo e sul nuovo disco fresco di stampa intitolato Vuoti Di Memoria. Pino è stato come sempre un fiume in piena, ciò che ci ha raccontato delinea un quadro sul suo stile di vita inedito ed assolutamente da non perdere, vediamo insieme cosa ci siamo detti.

R.G.: Parlaci del nuovo album “Vuoti Di Memoria”.
P.S.: Di solito faccio un disco ogni due anni e poi lascio parecchio spazio al tour live in giro per l’Italia. Durante la serie di date del penultimo album Codici Kappa avevo un paio di canzoni inedite ed ero pervaso dallo sconforto, al giorno d’oggi ci sono grandi musicisti dotati tecnicamente ma manca quel guizzo creativo, quella vena che c’era un tempo e che adesso si è persa, così una sera mentre mi trovavo a Roma mi sono imbattuto su di un servizio riguardante il fascismo alla televisione. Una delle canzoni della colonna sonora era È Arrivata La Bufera di Renato Rascel un brano che voleva sdrammatizzare l’entrata in guerra dell’Europa; ho trovato la canzone talmente attuale e dinamica che ho deciso di imbastirci attorno il nuovo progetto. Ho creato un disco composto da cinque cover di grandi artisti italiani del passato con una traccia inedita in italiano e cinque cover di pezzi in inglese con un inedito in lingua straniera. La seconda parte di questo lavoro richiama più il percorso della mia crescita musicale partendo da Elvis che ha svegliato la mia coscienza all’età di sedici anni passando man mano tra i grandi del rock fino ad arrivare ai mitici Motörhead. Da qualche anno oramai mi affido per la produzione al grandissimo Olly Riva che considero un autentico genio, sia come produttore che come cantante e musicista, lo reputo una persona molto speciale. Le registrazioni sono state interamente eseguite presso i Rocker Studios di Sesto S.Giovanni.

R.G.: Cosa ci puoi dire riguardo gli altri progetti che stai portando avanti?
P.S.: Porto avanti diversi progetti paralleli, da poco mi hanno proposto di fare alcune date con una band sarda chiamata Tamurita, una formazione abbastanza etnica che propone strumenti come violino e fiati. Questa cosa mi intriga molto, adoro queste contaminazioni musicali, bisogna sempre cercare di sperimentare ed ampliare i propri orizzonti, sono curioso di natura.

R.G.: Negli anni hai collaborato con numerosi artisti, chi ti ha impressionato di più in senso positivo e chi invece ti ha deluso?
P.S.: Michele Caparezza mi ha regalato veramente tanto sia dal punto di vista umano che da quello artistico. È una persona stupenda e geniale non si è mai tirato indietro sopratutto quando c’erano in ballo progetti per fare del bene in giro per il mondo, davvero un artista immenso. Sono rimasto colpito anche da artisti come Kee Marcello degli Europe, Mike Terrana o Blaze Bayley degli Iron Maiden, vecchietti che hanno ancora un fascino immenso, puoi vedere ancora, dopo tanti anni di carriera, i loro occhi brillare al momento di salire sul palco. Se parliamo invece di chi mi ha deluso non c’è una band o un artista in particolare, ci sono tanti progetti che lo hanno fatto. Quando ho registrato la canzone Gli Arbitri Ti Picchiano con i Club Dogo il nostro intento era di ricavare soldi tramite la piattaforma di distribuzione musicale da destinare ai bambini meno fortunati, non siamo riusciti a racimolare più di trecento euro, una vera delusione sopratutto quando poi vedi che nei talent show migliaia di persone pagano per votare dei fantocci.

R.G.: Parlaci del progetto umanitario che stai portando avanti denominato Rainbow.
P.S.: Sì, Rainbow è un progetto che porto avanti da qualche anno insieme con la dottoressa Caterina Vetro, stiamo raccogliendo fondi per poter costruire una clinica destinata ai bambini-lavoratori della discarica di Coban in Guatemala. Tutto ciò che riusciamo a racimolare sarà destinato a questo importantissimo progetto, invito tutti i lettori di RockGarage ad informarsi sul sito www.rainbowprojects.it e se possibile a fare una piccola donazione a chi è meno fortunato di noi.

R.G.: Spesso nelle tue canzoni o anche nel corso del tuo spazio televisivo Database ti rivolgi verso “Jack”, chi è costui? Cosa rappresenta per te questa figura a cui ti appelli?
P.S.: Sapete da dove nasce? Nasce dal fatto che io bevo solo Jack Daniel’s, non consumo altro ( ride ndr.) la prima volta che hanno inserito le telefonate a Rock Tv mi è venuto spontaneo chiamare colui che lanciava le domande con un sonoro “Jack!” Da lì è partito tutto, è una bevanda ma io la vedo anche in senso più ampio, è lo spirito stesso del rock’n'roll, il modo di viverlo e respirarlo.

R.G.: Dalle barricate di Database non ti fai problemi a denunciare il malcostume globale che oramai impera nel nostro Paese, cosa pensi invece sia da salvare? Per cosa vale la pena ancora lottare?
P.S.: Penso che il marcio sia così tanto che oramai è rimasto ben poco da salvare, non si può fare più nulla a questo punto. Una cosa che si può e si deve fare è scegliere il male più piccolo, combattendo così il lato più oscuro della nostra società. Il problema non è la politica o l’industria discografica, siamo noi esseri umani che il più delle volte ci comportiamo in modo abominevole e allora dobbiamo allenarci a trovare il poco di buono rimasto e lottare con tutte le nostre forze per esso.

R.G.: Quest’estate ci saranno grandissimi concerti, quello che secondo te non si può perdere?
P.S.: Sicuramente quello dei Motörhead il 24 Giugno all’ippodromo qui a Milano, anche perché ci saremo anche noi! (ride di gusto ndr.) sono comunque tanti i grossi eventi da non perdere come ad esempio gli ZZ Top con John Fogarty con cui abbiamo suonato a Roma due anni fa, gli Stones che per chi non li ha già visti rimangono un must oppure gli Aerosmith, insomma tantissima carne al fuoco che i giovani non possono farsi sfuggire.

R.G.: Che consiglio daresti d una giovane band che cerca di farsi strada nel difficile mondo della musica?
P.S.: Dipende dalla personalità che uno possiede, se sei un paraculo allora devi farti strada attraverso i talent show, ma la tua fortuna sarà breve e falsa. Se invece senti veramente la musica come me che a 65 anni ogni volta che salgo sul palco mi emoziono e considero questo mestiere un sogno ancora adesso, allora devi impegnare la tua stessa anima. Bisogna crederci veramente, solo così dopo tanti sforzi si viene ripagati, chi desidera subito il successo ed i guadagni facili è meglio che abbandoni fin da subito. Si deve trovare un lavoro che dia il sostentamento e poi suonare quello che piace con tutto se stessi, ecco il consiglio che mi sento di dare.

R.G.: Grazie Pino, in bocca la lupo per i tuoi progetti, ci rivediamo presto!
P.S.: Grazie a voi ragazzi, un abbraccio a tutti i lettori di RockGarage.

Intervista ai Crowbar

A qualche ora prima del loro concerto al Backstage Halle di Monaco di Baviera, seconda data del tour che li ha riportati nel nostro continente, noi siamo stati dietro le quinte per incontrare Matthew Brunson, chitarrista al servizio della band dal 2009 per bere insieme un paio di birre e scambiare due chiacchiere sul presente e futuro di una band da poco ritrovatasi, scopertasi in piene forze e con il solo intento di mostrare alla scena metal la loro forza che in molti hanno sottovalutato negli ultimi anni trascorsi. Ecco a voi il resoconto della nostra chiacchierata pomeridiana.

R.G.: Innanzitutto bentornati in Europa come procede il tour?
M.: Grazie, per noi è sempre un piacere tornare a suonare in Europa. Il tour è appena iniziato la scorsa sera da Berlino ma abbiamo ottenuto un buon riscontro da parte del pubblico. Ogni volta che veniamo a suonare qui in Europa molti nostri fan vengono a vederci e ci divertiamo molto, tutte le sere.

R.G.: Come ti senti ad essere ritornato “on the road” di nuovo con i Crowbar, Matt? Dopo la dipartita di Kirk dai Down, credo che ti dovrai abituare a questa sensazione.
M.: Ora che Kirk ha deciso di concentrarsi principalmente sul progetto Crowbar, abbiamo un nuovo disco in uscita a breve e ora siamo qui in tour. Da ottobre, mese in cui Kirk ha lasciato i Down, non abbiamo perso neanche un attimo di tempo, abbiamo realizzato quattro concerti in Luisiana perché avevamo bisogno di sentirci ancora vivi come band e, essendo molto conosciuti nel nostro Stato, eravamo sicuri che quel pubblico ci avrebbe dato la giusta carica di energia per riprendere a lavorare insieme al meglio. Così ci siamo subito fiondati sulla scrittura del nuovo disco e nel mese di dicembre siamo entrati in studio per registrarlo.

R.G.: Dato che hai citato il vostro nuovo album, parliamo un po’ di “Symmetry In Black”, che vedrà luce a fine maggio. Innanzitutto, come mai avete preso la decisione di partire in tour per l’Europa in questo periodo e non di aspettare l’uscita del disco?
M.: Sai, volevamo semplicemente tornare e far capire alla scena che siamo tornati, anche se il nuovo album ancora non è uscito e dovevamo rinfrescare le menti dei metalheads e solo con un tour avremmo potuto fare una cosa del genere. Qualora qualcuno ci avesse detto di stare a casa seduti ad attendere la data di uscita del disco per poi tornare a fare concerti, credo che saremmo diventati pazzi.

R.G.: Ma invece, cosa dovremmo aspettarci dal vostro disco di prossima pubblicazione?
M.: La cosa principale è che dovreste aspettarvi un qualcosa di piacevole, un disco che ovviamente suonerà tipicamente Crowbar ma ovviamente si tratterà di un prodotto che suonerà come “Crowbar ma venticinque anni dopo”, vorrei dire che suoni moderno, abbiamo toccato dei lidi musicali che non avevamo mai toccato in passato ma è semplicemente un naturale processo di evoluzione come lo è già stato con il precedente Sever The Wicked Hand e lo sarà anche per il presente Symmetry In Black, perché il processo di realizzazione è stato simile.

R.G.: E in questo album ritroveremo una band maggiormente influenzata dal tuo stile di composizione?
M.: Credo che questo sia semplicemente una concezione sbagliata che la scena ha dei Crowbar, ovvero che Kirk faccia una specie di dittatura sul processo di composizione e ciò non è assolutamente vero. Nei mesi scorsi lui è venuto spesso da me oppure mi ha chiamato per chiedermi: “Hey Matt ho bisogno che tu mi scriva una parte per questo brano”, d’altronde abitiamo a due passi l’uno dall’altro e quindi abbiamo lavorato molto a stretto contatto. Ci sono molte parti in questo album che sono state realizzate da me, come anche molte parti le ha scritte Kirk, è quasi una percentuale del cinquanta e cinquanta si può dire, la maggior parte dei brani che formano l’album sono stati realizzati in parte da me in parte da Kirk e la restante parte sono state ideate principalmente da me a cui Kirk ha aggiunto cose sue o anche viceversa. Insomma il lavoro è stato frutto di una vera stretta collaborazione tra noi due.

R.G.: Come da te detto in precedenza, quest’anno i Crowbar hanno raggiunto il venticinquesimo anno di attività, lo chiedo a te che sei entrato in formazione da pochi anni, come è sentirsi parte di una band così importante e che ha influenzato così tanto la scena musicale estrema nel corso degli anni, che ha inventato lo sludge che al momento sta vivendo un periodo florido?
M.: Ma diciamo che essendo cresciuto nella città dei Crowbar, ascoltando i loro primi album per poi conoscere Kirk di persona e diventare buoni amici per poi iniziare a suonare con lui, il tutto è nato come un processo naturale anche se all’inizio poteva essere semplicemente una cosa di transizione. Ora invece è bellissimo poter dire di far parte dell’eredità dei Crowbar, essere nella band in pianta stabile, è un onore per me esserne parte e suonare dal vivo le stesse canzoni che ascoltavo quando ero più giovane.

R.G.: Avete in mente qualcosa di speciale da realizzare per questo traguardo di venticinque anni di attività?
M.: Per il momento stiamo raccogliendo un po’ di idee a riguardo, per il momento di sicuro torneremo in Europa tra giugno e agosto per partecipare a qualche festival, proveremo a trovare qualche idea a riguardo, magari un DVD o non so. Ma sinceramente ti dico che seppur non si tratti di nulla di realmente speciale per un anniversario così importante , credo che la cosa migliore per festeggiare questo traguardo sia proprio il nostro ritorno con l’uscita del nostro nuovo album, era un qualcosa di molto atteso da tutti i nostri fan, evento che ovviamente sarà seguito dal suonare ovunque potremo, questo potrebbe essere un buon festeggiamento, non credi?

R.G.: Cosa ne pensi del periodo florido che questo genere sta vivendo? Ma soprattutto, lo sludge non è un genere facile, ogni band, sperimentando, sembra che riesca a trovare la sua concezione a sé di questo genere musicale, cosa può essere definito sludge?
M.: Credo che la situazione della scena sludge sia molto interessante, ci sono molte band interessanti in giro. Per quanto riguarda la “chiave” per definire questo genere e che comunque manchi a molte delle nuove band sia la dinamicità nei brani, volendo però seguire la scia delle grandi band del genere, come per esempio i Crowbar. Per intenderci, manca la dinamicità che noi diamo ai nostri brani, non tutti i brani sono formati da un paio di accordi ma abbiamo parti accelerate e altre ben più lente nei brani, credo che sia questo ciò che possa rendere interessante questo genere musicale, noi tutti suoniamo sempre con parti decelerate dai toni più cupi e altre più veloci ma credo che sia altro che riesce a renderci differenti dal resto della scena.

R.G.: Be’ sì, hai ragione. Cosa volete intendere con “Symmetry in Black”, cosa dovrebbe rappresentare una “simmetria in nero”?
M.: (ride) Non sono io a scrivere i testi dei nostri brani quindi non so nello specifico di cosa si tratti ma posso dirti che nell’album è contenuto un brano intitolato Symmetry In White, Kirk mi ha parlato delle idee riguardo a questo album e parlando ha detto: “sai, i Metallica hanno fatto il Black Album, gli AC/DC Back In Black…”. Quindi diciamo che questa si tratta della sua interpretazione del “black”, sicuramente ci sarà dell’altro comprendendo i testi dei brani ma non avendoli scritti io, scusa ma non vi riesco a dire di più a riguardo.

(Qualche minuto dopo riusciamo ad incontrare Kirk Windstein che ci concede solo pochi istanti per una domanda al volo perché troppo indaffarato)

R.G.: Kirk, cosa ci puoi dire riguardo all’altro tuo progetto, i Kingdom Of Sorrow, avete intenzione di realizzare un altro album in futuro oppure si tratta di un progetto morto?
K.: Sì, l’idea sarebbe proprio quella di realizzare un terzo disco con i Kingdom Of Sorrow in futuro, sono sempre in contatto con Jamey (Jasta, voce del progetto, ndr), ci sentiamo quasi tutti i giorni, ma al momento lui è troppo impegnato con gli Hatebreed come io lo sono con i miei Crowbar, quindi non credo che sarà possibile farlo quest’anno ma probabilmente il prossimo, è tutto ancora da vedere.

Intervista ai Sabaton

Joakim Brodén, leader della possente power metal band svedese dei Sabaton, ha accettato di sedersi con noi di RockGarage in occasione della tappa milanese del tour promozionale che li vede coinvolti nelle maggiori città europee, per una interessante chiacchierata che ha toccato numerosi temi, primo fra tutti l’imminente uscita della loro ultima fatica discografica di prossima uscita intitolata Heroes (recensita da noi a questa pagina). Da ciò che ci è stato confessato nel corso dell’intervista il gruppo si trova nel bel mezzo di una nuova giovinezza portata da un cambio di line-up che, sebbene in un primo momento era stato percepito come grande incognita, si è rivelato dopo poco tempo un carburante idoneo in grado di riportare l’entusiasmo della band ai fasti di un tempo. Vediamo insieme cosa ci è stato detto nello specifico.

R.G.: Cosa ci puoi raccontare per quanto riguarda il nuovo album di prossima uscita intitolato Heroes?
J.B.: Se iniziassi ad illustrare la parte concettuale che si cela dietro il disco temo che parlerei un ora solo di cenni storici, quindi mi limiterò ad una breve analisi. È chiaramente un album dei Sabaton al 100% ed il tema riguarda come sempre la guerra, questo capitolo in particolare si focalizza più sulla storia dei singoli individui. Su di un campo di battaglia gli eroi sono ovunque, ciò che viene deciso in una frazione di secondo può farti ricordare nei secoli a venire come un assoluto genio o come un autentico sciagurato. Alcuni di questi coraggiosi hanno compiuto azioni degne di essere inserite all’interno di pellicole hollywoodiane altri invece hanno semplicemente salvato molte vite in modo meno eclatante. Tutte queste storie ci hanno affascinato molto e così abbiamo deciso di scrivere qualcosa che riportasse alla memoria queste gesta. La produzione del disco è stata affidata a Peter Tägtgren, leader di Hypocrisy e Pain, un’autentica garanzia, ci conosciamo da moltissimo tempo e collaboriamo da più di dieci anni ma devo dire che questa è stata l’unica volta in cui abbiamo collaborato assieme dall’inizio alla fine. Le registrazioni sono state eseguite nel mezzo del nulla! (ride ndr.) ad un ora di macchina dalla nostra città natale Falun in Svezia.

R.G.: Sono presenti collaborazioni con altri musicisti all’interno del disco?
J.B.: Ho scritto una canzona con Peter (Tägtgren ndr.) la canzone si chiama Inmate 4859, e ne andiamo molto fieri, la trovo davvero possente, il suo contributo è stato assolutamente vitale nelle creazione di questa traccia. Non vi sono ulteriori collaborazioni all’interno dell’album.

R.G.: Dove avete trovato l’ispirazione per questo disco?
J.B.: Non lo so! (ride ndr.) potrei rispondere ovunque anche se sarebbe una risposta troppo generica e scontata, più del 50% del materiale ci è stato inviato dai fan tramite i formati più disparati: libri, email, testimonianze, spunti. Se non fosse per loro non saremmo venuti a conoscenza di molte storie assolutamente straordinarie e coinvolgenti. Se ci si ferma a riflettere tutto ciò risulta pazzesco ed estremamente stimolante, è come se avessimo creato l’album assieme al nostro pubblico, un qualcosa di elettrizzante e bellissimo nello stesso momento.

R.G.: Avete cercato di sperimentare nuove sonorità o siete rimasti fedeli alle vostre radici?
J.B.: Siamo sempre i Sabaton, se ci saranno mai delle sperimentazioni potranno riguardare solamente il metodo di scrittura dei testi, vogliamo suonare questo tipo di musica perché è nel nostro dna, non siamo interessati a percorrere strade differenti o innovative se lo facessimo probabilmente non saremmo più i Sabaton.

R.G.: Avete in programma di partecipare a grossi eventi quest’estate?
J.B.: Sì, parteciperemo a molti festival nei prossimi mesi, tra poche settimane inizieremo un lungo tour negli Stati Uniti che durerà all’incirca sei settimane, poi faremo qualche grosso evento quindi un tour della Svezia per poi iniziare con il tour europeo vero e proprio verso settembre.

R.G.: Nel marzo del 2012 alcuni membri della band hanno abbandonato il progetto, credi che questo evento abbia cambiato la chimica all’interno del gruppo? Pensi che questa sia stata una tappa positiva per la vostra crescita?
J.B.: Al momento dell’accaduto ci è sembrato qualcosa di molto negativo e duro da assimilare, tutti hanno realizzato che diventare dei musicisti professionisti non era il mondo roseo che ci eravamo immaginati da ragazzini, quando vedevamo questo traguardo come il paradiso vero e proprio. Se si hanno delle famiglie con bambini piccoli le prospettive a volte cambiano radicalmente ed alcuni non hanno ritenuto possibile condurre questa dispendiosa vita fatta di lunghi periodi lontano dai propri cari. Ci siamo resi conto che non si poteva continuare come se nulla fosse perché a lungo andare il pubblico avrebbe notato il nostro cambio di equilibri così, alcuni hanno deciso saggiamente di lasciare la band, all’epoca fu abbastanza drammatico, ma ora penso che questo episodio ci abbia aiutato a crescere molto sia dal punto di vista professionale che da quello umano. I nuovi membri si sono inseriti perfettamente ed ora l’energia che si respira è senza dubbio più carica di allora, ci sentiamo perfino più legati umanamente gli uni agli altri, a posteriori posso dire che il cambio di line-up ci ha permesso di progredire enormemente.

R.G.: Secondo il tuo punto di vista quali sono i punti di forza della band e dove invece pensi dobbiate migliorare?
J.B.: Ci riteniamo orgogliosi di poter dare sempre il massimo possibile, anche nelle condizioni più sfavorevoli, mi sono trovato a dover salire sul palco con la febbre alta ed un principio di salmonella portando comunque avanti lo show nel miglior modo possibile, senza alcun risparmio. In altre circostanze, colpiti da problemi di natura tecnica siamo stati sempre in grado di portare a termine in maniera più che dignitosa numerose date. Osservando da un’opposta angolazione invece, dovremmo imparare a goderci di più alcuni momenti, i numerosissimi impegni, a volte, ci portano a scordare di goderci gli eventi che viviamo appieno e questo risulta un vero peccato perché se ci si ferma a riflettere ci troviamo a vivere una vita che per altri è puro sogno.

R.G.: Che musica ascolti di solito ?
J.B.: Ascolto moltissima musica di diversi generi, principalmente heavy metal ed hard rock. Quando lavoriamo in studio su vari progetti invece, necessito di staccare dalla musica che ascolto durante le varie sessioni e quindi devio la mia attenzione verso musica classica o band come i Dire Straits o gli Abba che per noi svedesi sono assolutamente un obbligo! ( ride di gusto ndr.)

R.G.: Qual è la correlazione esistente tra i Sabaton ed il ricorrente tema della guerra?
J.B.: Tutto è nato durante la creazione del nostro album Primo Victoria, avevamo una musica che era assolutamente epica e possente e dovevamo adattare i testi a questa melodia, così io e Pär (Sundström, ndr.) abbiamo deciso di parlare del D-Day che si sarebbe adattato perfettamente all’atmosfera dei brani, un evento così drammatico come la guerra racchiude una quantità di sentimenti che si adattano in modo perfetto alle nostre sonorità e da qui in poi abbiamo deciso di spingerci dentro all’argomento in maniera sempre più articolata e dettagliata.

R.G.: Grazie mille Joakim, in bocca al lupo per il vostro tour, non vediamo l’ora di sentire il vostro nuovo album dal vivo.
J.B.: Grazie a voi ragazzi, crepi il lupo e a presto!

Intervista ai PTSD (Post-Traumatic Stress Disorder)

All’indomani del loro concerto tenutosi al Rock‘n’Roll di Milano, abbiamo incontrato i PTSD, combo marchigiano attivo da quasi dieci anni che, poco meno di un anno fa, hanno pubblicato A Sense Of Dacay, loro secondo disco. Con lo loro abbiamo chiacchierato ovviamente dell’album e di ciò che rappresenta, del loro presente ed anche dei loro progetti futuri. Hanno risposto alle nostre domande Henry (cantante) e Lancs (batteria).

R.G.: Ciao ragazzi e benvenuti su RockGarage! Presentatevi a chi ancora non vi conosce, e magari raccontateci come siete nati.
H.: Ciao a tutti! Noi siamo i PTSD, tutti e cinque veniamo da diverse esperienza musicali, dal rock al metal estremo, dal metal più alternativo stile Korn, fino ad arrivare ad oggi ad una forma di metal “contaminato” perché la nostra particolarità è che ognuno di noi è influenzato da un genere musicale diverso, e questo ci dà la fortuna di poter spaziare a 360°, grazie anche alla bravura dei nostri strumentisti a livello tecnico. È davvero una gran fortuna perché in questa maniera non rimaniamo ghettizzati in un unico stile.

R.G.: Come nasce il vostro nome?
H.: Il nome nasce da un disagio mentale, dalla voglia di fare musica come se fosse una malattia, per esorcizzare le paure della consuetudine di tutto questo malessere contemporaneo che c’è. Il nome significa letteralmente “Post-Traumatic Stress Disorder”, e quindi prende dalla patologia del disordine post-traumatico da stress, e noi l’abbiamo riadattata, o meglio, attualizzata.

R.G.: Un anno fa è uscito “A Sense Of Decay”, parlateci di questo disco, e com’è stato il riscontro?
H.: Il riscontro sul campo delle recensioni è stato ottimo: è un concept-album e per realizzarlo abbiamo chiamato gente di rilievo come Marco Minneman e di un fonico con tanta esperienza nel settore “pop” come Jim Caruana, proprio, come dicevo prima, per non rimanere ghettizzati nell’ambito “metal”. A noi piace rischiare e visto che il manico c’era c’abbiamo provato e, a parte i costi di gestione per quanto riguarda il mixaggio ed altro, direi che ce la siamo cavata molto bene. La sfortuna è stata per Lancs (batterista della band) che ha dovuto risuonare le parti di Minneman,
L.: Ma per me è stato un grande onore, da suo estimatore sono passato dal guardare i dvd dei suoi concerti quando avevo tredici anni, a suonare le sue parti batteria!
H.: Ed è un grande onore quando un personaggio come lui ci dice che il nostro lavoro è notevole e che è stato un piacere collaborare con noi, e quando un fonico come Caruana ci dice che il nostro prodotto è di ottima qualità. La promozione è stata ottima perché fortunatamente stiamo con la My Kingdom Music, che ci dà una grande mano anche sul tour e sul merchandising; nel panorama musicale è davvero molto difficile trovare persone così disponibili.

R.G.: Come nasce la cover di “Heavy On My Heart” di Anastacia?
H.: Innanzitutto perché ci piace l’artista, ha una bellissima voce, e poi il pezzo ci piace molto e rispecchia, come testo, molti momenti della band per quanto riguarda vicissitudini familiari, quindi l’abbiamo riadatta secondo il nostro stile.

R.G.: Invece la copertina del disco come nasce e cosa significa per voi?
H.: È stato un regalo del nostro produttore che ha contattato Colin Marks, notissimo illustratore di gruppi famosi, che ha disegnato l’artwork di tutto il disco. Il disegno riprende il concept del disco che è il passaggio dalla morte alla vita e dalla vita alla morte; prima c’ha illustrato diverse idee che però non ci convincevano, fino ad arrivare alla farfalla che vedete raffigurata su A Sense Of Decay.

R.G.: Siete presenti su Spotify? Cosa ne pensate riguardo questi nuovi canali sui quali ascoltar musica gratuitamente?
L.: Si ci siamo su Spotify e secondo me è un’ottima occasione per pubblicizzarsi: innanzitutto è legale, succede che una persona ascolta il nostro disco, gli piace e decide di comprarlo piuttosto che di scaricarselo. A noi interessa soprattutto che la gente ascolti il nostro disco ed apprezzi e capisca quello che noi, attraverso la musica, abbiamo da dire e raccontare.

R.G.: Quali sono i vostri piani per il futuro? State già lavorando per un nuovo disco?
H.: Al momento non stiamo lavorando su un nuovo disco, perché siamo concentrati sulle molte date che abbiamo a breve in Spagna ed Europa dell’Est, ed a settembre ci sarà la seconda parte del tour che ci vedrà suonare in Germania, Olanda, Croazia e Romania. Cerchiamo di portar la nostra musica un po’ dappertutto per vedere che tipo di riscontri ci saranno, anche perché il nostro genere, in Italia, è un po’ decaduto, quindi proviamo a farci sentire fuori dai nostri confini.

R.G.: Grazie dell’intervista, potete lasciare un saluto ai lettori di RockGarage!
H.: Grazie a te e grazie a RockGarage! Cogliamo l’occasione per ringraziare Ambra (tour-manager) che ci ha aiutato per questa data milanese. Grazie ancora a tutti, venite a trovarci della nostra pagina facebook (www.facebook.com/PTSD.official), scriveteci e soprattutto venite ai nostri concerti!

Intervista ai MacBeth

Abbiamo incontrato i MacBeth, freschi di pubblicazione del loro nuovo disco Neo-Gothic Propaganda. Con loro abbiamo chiacchierato riguardo non solo il nuovo album, quinto della loro carriera, ma anche di passato e futuro, tra musica, vicende personali ed altri argomenti. Il tutto poche ore prima del release-party avvenuto poi presso il Rock’n’Roll di Milano, in cui hanno presentato appunto il loro nuovo lavoro.

R.G.: Ciao ragazzi e benvenuti su RockGarage, ma soprattutto bentornati!
M.: (qui risponde Morena, voce del gruppo) Grazie! Beh sì sono passati un po’ di anni, siamo tornati con un nuovo disco, che c’ha permesso di tornare ancora più uniti in tutti i sensi. Premetto che la pausa non è assolutamente dovuta a problemi interni; non abbiamo mai pensato a dividerci o a scioglierci; ci sono state delle vicende personali che hanno coinvolto ognuno di noi e, per quanto mi riguarda ho fatto due fondamentali conquiste: sono diventata moglie e sono diventata mamma!

R.G.: Congratulazioni allora! E durante questa pausa, oltre ai cambiamenti riguardanti il privato, vi siete dedicati ad altri progetti musicali?
M.: Sì anche perché, da tempo, ognuno di noi porta avanti degli altri progetti paralleli, ma ovviamente il progetto che più ci unisce e più ci appartiene è quello dei MacBeth.

R.G.: E proprio delle novità del gruppo vorremmo parlare: avete da poco pubblicato “Neo-Gothic Propaganda”, vostro nuovo album, parlatecene un po’.
F.: (risponde Fabrizio, batterista del gruppo) Il disco non è altro che un’evoluzione del precedente, anche come sonorità, visto che, secondo noi, è molto più duro. La spinta che ci ha permesso di realizzare un disco più “cattivo” è appunto dovuta al periodo in cui siamo stati fermi, che un minimo di frustrazione comunque ci ha portato. In più c’è stato anche il problema alla spalla per Max, che ci ha costretti a rimanere più fermi del dovuto riguardo le fasi di realizzazione dei nuovi brani. Un anno prima di entrare in studio avevamo deciso di rispolverare il materiale preparato in precedenza, l’abbiamo ri-arrangiato e quindi abbiamo registrato. Il disco rispecchia le nostre caratteristiche: melodie, metal ma anche un sound un po’ più estremo. L’idea iniziale era quella di fare un concept che era partita dal periodo della “Guerra Fredda” ma fu poi abbandonata, anche se alcune tematiche sono comunque finite su questo nuovo disco.

R.G.: Quindi ci confermate che, rispetto ai vostri dischi precedenti, il vostro sound si è ancora di più incattivito?
M.: Mah guarda, questo sound lo proponiamo già da molto in fin dei conti, rispetto al passato è cambiata un po’ la produzione. Ma pensandoci bene sì, qualche pezzo un po’ più pesante o più veloce c’è.

R.G.: E quali sensazioni avete provato o avvertito nel realizzare un disco sette anni dopo l’ultimo?
M.: Mah il ciclo produttivo è pressoché identico al passato, anche perché noi siamo dell’idea che “squadra che vince non si cambia” e per questo abbiamo mantenuto le stesse abitudini e processi per ciò che riguarda la fase di registrazione.

R.G.: In “Neo-Gothic Propaganda” c’è un particolare messaggio che mandate a chi lo ascolta?
M.: Il bello di questo disco è l’eterogeneità; i pezzi non si assomigliano tra di loro e le tematiche sono diverse per ogni brano, quindi non c’è un univoco messaggio, anzi ci possono essere diversi messaggi. E tramite questa varietà noi cerchiamo di avvicinare quelli che magari sono un po’ distanti dal genere e stile musicale che proponiamo.

R.G.: Avete in programma un tour?
M.: Al momento no. Come spesso è successo in passato, siamo sempre in trattativa per date all’estero, e non abbiamo problemi nel dire che preferiamo suonare fuori dall’Italia, perché sotto diversi aspetti, l’Italia è sempre stata un po’ snob nei nostri confronti. È sempre stato difficile entrare a far parte dei cast di grandi festival italiani, anche a causa di alcuni fattori che non abbiamo mai condiviso. Per questo preferiamo magari pochi eventi ma con tanta qualità, soprattutto per chi viene a vederci. In Italia, con tutto il rispetto, molte grosse manifestazioni difettano dal punto di vista organizzativo. Nel periodo in cui ci siamo fermati abbiamo dovuto rinunciare, per forza maggiore, ad alcune opportunità come suonare in Cina e nell’Est Europa.

R.G.: E visto che stiamo parlando di concerti all’estero, ci sono città o posti in particolari nei quali vi siete meglio trovati?
M.: Direi Messico e Sudamerica in generale, gran quantità di pubblico, ottima qualità dei locali ed organizzazioni di assoluto livello.
M.: (qui Morena) Però la data che a me ha emozionato di più è stata quella di alcuni anni fa a Beirut; città molto suggestiva, molto moderna, ti colpisce il contrasto tra le modernità ed i resti dei bombardamenti avvenuti nel Libano negli anni ’80, ci sono tanti locali molto all’avanguardia, organizzazioni impeccabili e vedere l’arena piena per il nostro concerto fu un’emozione enorme.

R.G.: Cosa pensate dell’attuale scena rock e metal italiana?
M.: Sinceramente preferisco quella rock, pur rimanendo affezionato, per mia formazione, a quella metal. Riguardo il rock mi piace molto Il Teatro Degli Orrori, che penso possano ben rappresentare la scena rock italiana. Quello che abbiamo notato nella scena metal è che anni fa c’era molto più supporto e comunicazione tra i gruppi, soprattutto tra quelli cresciuti assieme o che navigavano nella stessa barca. Oggi sembra che ci sia meno collaborazione e molta più…concorrenza!

R.G.: Leggete mai le recensioni dei vostri dischi? In qualche modo vi influenzano?
M.: Sì le leggiamo e ci fa piacere che quelle riguardo al nuovo disco siano la maggior parte positive. Non ci influenzano ma logicamente se fossero tutte negative qualche domanda magari tra noi ce la porremmo. L’unica cosa che non ci convince è il giudizio negativo per nulla costruttivo, questo però è anche dovuto al fatto che chi magari scrive non ha un adeguato background musicale alle spalle.

R.G.: Cosa pensate di queste nuove piattaforme tecnologiche per ascoltare musica come, ad esempio, Spotify?
M.: Noi ci siamo su Spotify, e siamo dell’idea che sia una buona cosa e utile, ma soprattutto, almeno questa, è legale! E per noi è comunque sempre un buon metodo per pubblicizzarci.

R.G.: Bene ragazzi, l’intervista è finita, vi ringraziamo tanto, e vi chiediamo di fare un saluto ai lettori di RockGarage!
M.: (qui Morena) Ciao ragazzi di RockGarage e grazie per l’intervista! Spero di vedervi ai nostri futuri concerti. Mi raccomando visitate il nostro sito www.machbeth.it e la nostra pagina Facebook, ciao!