Maurizio Bonino – Boninomaciste

Undici quadretti di vita quotidiana rappresentano l’esordio del cantautore torinese Maurizio Bonino. Brani semplici, senza arrangiamenti complessi, tipici dello stile indie/lo-fi. Chitarra acustica suonata “da spiaggia”, voce un pò intonata un pò no, qualche abbozzo elementare di synth e una batteria elettronica (quando c’è). Bonino se ne frega altamente dell’estetica notturna o radical chic che tanto si accorda alla figura del cantautore triste e solitario e ci consegna undici simpatiche tracce solari e orecchiabili sempre con un occhio alla sfiga che è in agguato dietro l’angolo. Molte le figure di donna presenti: Angela, Eleonora entrambe caratterizzate da un chorus assassino. Le senti una volta e ti ritrovi a canticchiarle immediatamente sotto e fuori la doccia. Molto carina Ragazza Indie, primo singolo estratto, acusticaccia percossa alla Lust For Life, testo ironico, satirico che prende amabilmente in giro le supertipe Feltrinelliane. Elena, malinconica, suonata in solitudine, si contrappone alla vivace Fra Non Essere Triste, con quell’inizio un pò Joy Division di Love Will Tear Us Apart.

Fantastica Rockstarra, con quell’attacco a “Vasco Brondi” e il richiamo a Marcellina delle Lollipop (chi se le ricorda? Dio mio…), solare nella melodia ma micidiale nel testo. Bella! Il capolavoro dell’album è senza dubbio I Francesi grazie alla voce sgraziata di Sexy S. da bambina saggia. Il brano si distingue immediatamente dal resto anche per merito di  un synth settantiano che accompagna il ritornello intelligente e pungente sulla restituzione de “l’Alsazia e la Lorena”. Davvero un pezzo memorabile che vedremo bene anche in una più commerciale classifica. Il disco lo potete ascoltare per intero su sul link riportato in basso e decidere anche se acqusitarlo in formato digitale. Promosso e vogliamo ascoltare il seguito.

Brosolo/Tavan – Volo Sbranato

Pensando a questo inconsueto duo ci balza alla mente un cremoso cappuccino: così come il latte incontra il caffè in un qualcosa dal gusto unico (e che non è semplicemente la somma delle due componenti) così il musicista Marco Brosolo incontra il poeta Federico Travan dando vita a questo EP dal titolo Volo Sbranato, semplice anagramma dei loro cognomi. Il primo che imbraccia la chitarra per delle melodie che incontrano una poetica non a tutti i costi recitata; il secondo che ormai dall’eta di dodici anni è bollato come insano di mente e domiciliato in vari istituti di igene mentale, nonostante le righe da sempre scritte che mettono in luce la sua vena creativa (ma in fondo chi dei grandi artisti del passato non era anche un pò pazzo?!). Questa è la distinzione fondamentale che c’è tra questo progetto e i svariati percorsi di musicisti che hanno voluto mettere in musica dei versi, delle rime (a cui Carlo Verdone dedicò anche il film Sono pazzo di Iris Blond), in modo da fondere arti così diverse ma, così come nell’esempio del cappuccino, in grado di dire qualcosa in più di una semplice poesia o di una semplice canzone.

Sicuramente Il Mostro è il brano più caratteristico dell’EP, composto in dialetto andreano perchè Federico dice di parlarlo meglio dell’italiano: delle sonorità liriche e melodiche che si confondono con gran piacere risultando un amalgama unico. Bella anche Parabola dove si sperimenta qualche effetto diverso dalla chitarra acustica preannunciando qualche variazione creativa che potrebbe esprimersi meglio su un full lenght; la stessa voce di Federico sembra ispirarsi ad un Battiato romantico omaggiando la scena cantautorale. Una quindicina di minuti sono un pò scarsi per dare un giudizio complessivo ad un progetto (più che ad un album) ma quanto anticipato da Volo Sbranato ci fa ben pensare su un futuro dei due artisti che non sia fatto solo da suoni ma anche da contenuti visivi.

Sergio Sgrilli – Dieci Venti D’Amore

Cosa ci fa Sergio Sgrilli su una testata rock?! È una domanda scontata e totalmente plausibile se per rock si considera solo l’ambito musicale. Noi sappiamo però che il rock trascende le note, è uno stato di essere, di pensare, di agire (i più curiosi o diffidenti possono leggere un nostro articolo in merito al seguente link): a tal proposito Sergio Sgrilli può essere assorbito a pieno da questa scena. 20 anni di professione, 30 di palco che insieme lo hanno portato al vero successo di Zelig come comico, regista/presentatore per la festa di compleanno (e di saluto) per Marco Simoncelli, Sergio è prima di tutto cantautore perchè è proprio dalla chitarra che è partito tutto e dal suo desiderio di esprimersi. È questo il punto di partenza del suo album dal titolo Dieci Venti D’Amore il sui singolo Come Va è stato composto proprio due decenni fa, a segno dell’impronta storica da cui l’album attinge. Un singolo i cui ricavati sono stati completamente devoluti alla Marco Simoncelli Fondazione Onlus perchè dietro l’artista c’è sempre l’uomo indipendentemente dalla notorietà acquisita negli anni.

Un lavoro ottimamente pensato e confezionato: 10 tracce e due booklet pieni di informazioni e foto dei vari musicisti coinvolti da Sergio, come un viaggio nell’amicizia, un gioco che solo come fine non voluto dà vita a delle tracce piacevoli, una scommessa in un periodo in cui sempre più persone parlano di digitale e sempre meno di formato fisico (come lui stesso ammette). Ma attenzione a non banalizzare la figura di Sergio perchè in questo lavoro compaiono grandi musicisti e strumenti musicali molto particolari: violino, pianoforte, fisarmonica, strumenti a fiato e chitarra elettrica per circa 45 minuti di musica che mescolano con saggezza i diversi contributi perchè ogni elemento ha un valore, un motivo d’essere. Davvero elegante è Sposami, seconda traccia che bilancia degli arrangiamenti ad arte a un basso profondo e ineccepibile, un basso che diventa ancora più prestigioso (quasi un contrabasso) nella lunga ed eterogenea Facci Caso in cui la chitarra elettrica entra timida per non sfigurare la voce che fa melodia, ritmo e armonia, pareggiata solo dal violino in finale.

Ci sono momenti anche più semplificati come l’ “easy funk” di Nostalgia e la grande personalità di Alessandro Gallo alla chitarra, o le parti quasi comiche di L’Amico che richiamano i discorsi di Aldo – di Aldo, Giovanni e Giacomo – in Mio Cuggino di Elio E Le Storie Tese, o ancora l’estiva e anche un pò mediterranea Mon Amour. Tra i momenti più intensi c’è sicuramente Bacio Di Giuda dove Sergio veste i panni di un Fred Buscaglione ancora più triste restando in secondo piano pur assumendo un ruolo da protagonista nel brano, e la conclusiva Poesie il cui titolo dice già tutto (tralasciando l’ultima parte dance). Il vero errore che si potrebbe commettere è riconoscere in Sergio l’unico ruolo per cui è conosciuto dai più, cioè quello del comico. Lo ammettiamo, anche noi lo vedevamo con questa “maschera”, ma dopo aver ascoltato Dieci Venti D’Amore capiamo qual è la luce tramite la quale si riflette meglio la sua immagine, quella del cantautore.

Colapesce – Un Meraviglioso Declino

Un Meraviglio Declino è l’album di debutto di Colapesce ovvero Lorenzo Urciullo, giovane e promettente cantautore siciliano, per anni colonna portante degli Albanopower. L’album si compone di 13 brani che sono un distillato di poesia ed emozione, e meritano di essere ascoltati. Colapesce canta di pomeriggi assolati, dell’odore del bucato steso al sole, del frinire delle cicale, del salmastro del mare, della terra bagnata dalla pioggia, di frammenti di quotidianità resi poesia. Con le parole questi momenti prendono vita e diventano reali, ci rendono protagonisti di un viaggio onirico verso un meraviglioso ma inesorabile declino. A fare da sfondo è  il senso di incertezza, inscindibile legame con il presente,  che permea l’intera opera, a partire da Restiamo In Casa, il brano di apertura: la chitarra acustica accompagna la voce sussurrata di Colapesce, che descrive l’amore quotidiano di una coppia “Restiamo in casa, l’amore è anche fatto di niente”, l’incedere leggero cresce di intensità proprio per mostrarci l’inatteso “Arriveranno presto si prenderanno anche il silenzio”. A seguire il pop nostaglico di Satellite ci fa vivere una giornata al mare di fine primavera, su una spiaggia semi deserta con una radio che diffonde note del passato, si fa subito sera e la luna rischiara due amanti sulla sabbia. La Zona Rossa, invece ci offre uno spunto di riflessione sull’affannosa ostentazione degli ideali, spesso solo sventolati come bandiere.

Più elettronica e cupa Un Giorno Di Festa si dipana in scenari apocalittici, fra festini porno e brandelli di città, fra riferimenti di attualità e ricerca di libertà. Oasi è una serenata all’estate sull’autostrada infuocata verso il miraggio delle ferie, a seguire Le Foglie Appese surreale e romantica, forse i brani meno convincenti, ma comunque piacevoli. A metà strada fra Max Gazze e Niccolò Fabi troviamo Quando Tutto Diventò Blu estremamente pop immediata riesce ad offrire anche qualche spunto di riflessione. Per I Barbari, le sonorità tonano cupe, elettroniche con un pizzico di retrò che non guasta,  interessanti le sessioni di fiati.  Colapesce ci parla dei nuovi barbari, ora muniti di lauree, che si nutrono dei tuoi fallimenti, riuscendo ad offrire uno crudo spaccato della società moderna. La Distruzione Di Un Amore è un brano essenziale, riesce a comunicare con intensità quasi dolorosa la tristezza che accompagna al fine di un amore. Di toni un po più leggeri è Sottotitoli, un viaggio a due attraverso l’universo immaginario della celluloide. E’ l’alba e S’illumina uno splendido paesaggio estivo, con le barche riflesse nella finestra, le signore che fanno la spesa, la piazza si riesce quasi a sentire il salmastro del mare. Il Mattino Dei Morti Viventi, il risveglio svogliato in una giornata oziosa, è n brano in cui non è difficile scorgere l’impronta dei grandi classici dei Pink Floyd.

Con Bogotà si chiude questa esperienza musicale con Colapesce, si chiude con una lettera struggente al fratello, reale o immaginario, un fratello che viene usato come specchio della nostra anima. Siamo trasportati indietro nel tempo, in un passato spensierato di purezza e innocenza, in cui le giornate passavano lente fra bicicletta e soldatini. L’infanzia cede il posto alla giovinezza con le prime sfide affrontate a viso aperto, e poi la separazione da quel periodo e l’ingresso nell’età adulta e con essa inzia la ricerca affannosa di quello stato di grazia svanito troppo in fretta, tanto tempo è stato perso e tanto ancora se ne perde ripensadoci. Sicuramente il punto forte dei quest’album è rappresentato dai testi, parole mai scelte a caso, pensieri profondi, momenti descritti con pennellate dai colori accesi, vibranti, il punto debole l’eccessiva pacatezza e alcune volte la monotonia di alcuni brani troppo simili, che trovano una giustificazione nell’armonia generale dell’album, ma alla lunga stancano. Colapesce ci ha convinto e consiglio un ascolto attento, di un album che riesce a emozionare e commuovere. 

Modì – Il Suicidio Della Formica

Modì altro non è che il progetto da solista di Giuseppe Chimenti, artista emergente che, dopo una gavetta vissuta da chitarrista di altre band, si dedica alla carriera “in proprio”. Un percorso che fa mandare all’aria la sua abilitazione all’insegnamento in disegno e storia dell’arte e lo trascina nel vero mondo dell’artista, quello fatto di creazioni di cui ne possa giovare uno qualsiasi dei cinque sensi che l’uomo possiede. Così dopo un EP nel 2009 giunge ad inizio anno Il Suicidio Della Formica composto da 11 tracce che si alternano tra il cantautorato ed il rock più melodico possibile, un’opera incentrata sulla chitarra acustica e intorno alla quale si muovono suoni ed arrangiamenti che però restano sempre di cornice. In questo balenare musicale si assiste ad alcuni attimi piacevoli, come la gradevole armonica a bocca di Persistenza Della Memoria, o la poesia di Carnevale.

In generale però le composizioni soffrono di un approccio semplicistico, sicura scelta dell’autore in quanto l’approccio musicale racchiuso nelle sue corde ideative risulta molto diretto fin dai primi minuti d’ascolto. La Ballata Del Grande Nulla (cover del brano Ballad Of Big Nothing di Elliot Smith) diviene ancora più orecchiabile e con il brano Di Venerdì Tutto Scorre i testi si trasformano in qualcosa di ancora più semplice, rasentando talvolta la banalità. L’Amore Ci Brucerà nasconde qualcosa di più, un pizzico di melodia timida che prova imbarazzo rispetto ad un ritmo imposto, ed un refrain che invece di esplodere si trascina dietro il resto e piace nel suo sapore un po’ dark. Così l’album procede tra una voce che fa troppo spesso da melodia ed una chitarra che strizza troppo l’occhio al pop.

Quindi Il Suicidio Della Formica è fatto di brani ascoltabili ma ci si aspetterebbe di più da un giovane artista che vorrebbe aggiungere qualcosa al panorama musicale moderno. Per noi nostalgici, se volessimo ascoltare un buon disco cantautorale avremo davvero l’imbarazzo della scelta, guardando al passato.

Dente – Io Tra Di Noi

Giuseppe Peveri, in arte Dente, non è un nome del tutto nuovo nella scena musicale nostrana. E non sono solo i cinque album all’attivo dell’artista che fanno parlare ma le varie apparizioni live in giro sui palchi di mezza Italia oltre che sui principali mass-media (termine ormai divenuto obsoleto), che hanno fatto diffondere il suo nome. Questo Io Tra Di Noi rappresenta sicuramente un capitolo più maturo rispetto agli esordi di Dente, un passaggio dai suoni più ricercati, mai complessi ed intricati perchè è nella semplicità che lui intende infondere le proprie tracce. Semplicità coniata nelle musiche quasi sempre incentrate nella sua sei corde acustica, e nei testi caratterizzati da parole semplici ma non banali che ruotano intorno ai temi dell’amore costruendo scene di malinconia o di sentimenti sfuggiti. Trasversale in quanto a generazioni, Dente riesce a mettere d’accordo tutti, con tanta democrazia musicale ma zero populismo.

Non manca un pò di sana ironia, come l’inizio di Piccolo Destino Ridicolo che racconta di un amore non del tutto genuino (“Più che il destino è stata la ADSL che vi ha unito…”), giusto per ammorbidire i toni semi-seri sia dei testi che delle musiche composte. Profonde le liriche di Da Varese A Quel Paese in cui si racconta di un amore nato la sera stessa e finito prima che il protagonista stesso se ne accorgesse, il tutto incorniciato con estrema sensibilità lasciando all’ascoltatore estrapolare le emozioni dell’accaduto. Affascinante Puntino Sulla i, estrema altalena tra la follia (di una punteggiatura) e la realtà (di un abbandono) che però accarezza per la sua ambientazione senza sbavature, così come gli arrangiamenti di fiati in Pensiero Associativo. È qui la capacità di Dente: trascinarci in scene tanto bizzarre quanto comuni che ci riportano a sensazioni già provate in prima persona trasmettendoci un senso di simpatia mista a imbarazzo e facendo sentire le sue esperienze non molto anomale. Un pò un Jovanotti del nuovo millennio, un artista che riesce ad arrivare dritti al cuore ed alla mente senza stravolgimenti, senza innovazioni, in barba a tutte le band che si definiscono moderne e fanno i salti mortali per rendersi uniche, a rischio di sembrare (e spesso ci riescono) assolutamente fuori luogo.

Di certo il tutto si deve al suo costante richiamo alla scena cantautorale italiana ed alla sua concezione poetica della musica, passione talmente forte da essere inserita anche nelle scelte sonore, grazie ad organi, contrabassi e strumenti a fiato di vario tipo che innalzano il valore dei brani. Un lavoro da gustare, con una certa apertura mentale ma soprattutto con la capacità di apprezzare davvero la buona musica.

Marti – Better Mistakes

Per la sua seconda fatica la band italiana Marti si è affidata al produttore Bob Rose e all’etichetta canadese Fod Records (Est 17 e Blow Monkeys). Il prodotto è molto ben curato, copertina ammiccante, giochi di luce, sguardo accigliato da attore consumato, a prima vista sembra promettere bene, effetto che si esaurisce abbastanza in fretta passando all’ascolto. L’intro di contrabbasso cede subito il posto ad una cacofonia di strumenti d’orchestra più o meno sintetizzati probabilmente per creare pathos. Si parte con il primo brano The Price We Pay in cui un malinconico pianoforte accompagna l’ancor più malinconico Andrea Bruschi leader e voce del gruppo, in una sonata romantica e strappa cuore. In più di un’occasione Andrea dimostra delle imprecisioni, che mi costringono a saltare senza rimpianto al brano successivo In Flagrante Delicto, ma anche in questo caso ritrovo le medesime imprecisioni, che mi accompagneranno per tutto l’album.

La componente strumentale dell’album è sicuramente di un certo interesse, il polistrumentista Simone Maggi e la contrabbassista Claudia Natoli, forniscono una solida impalcatura, in più ci sono collaborazioni come quella di Clive Deamer, ex batterista dei Portishead, Francesco Bianconi, leader dei Baustelle, che ha adattato in italiano The Price We Pay diventata Per Pochi Attimi il pezzo più interessante e meglio interpretato di tutto l’album, c’è anche la Three Penny and a Half Orchestra di Amsterdam. L’accostamento a Nick Cave piuttosto che a Bryan Ferry oppure ai Cousteau è parecchio forzato, si ha l’impressione di ascoltare musica da piano bar con velleità cantautorali. Le rime “baciate” sono un po’ forzate “and we can go by the lake/ lay down and wait” a volte un pò banali “this is the price we pay / because we are what we say”. L’interpretazione vocale di Bruschi, non riesce a coinvolgere l’ascoltatore. Cimentandosi spesso in vocalizzi ai limiti delle proprie capacità, trasforma quello che nelle intenzioni è  Better Mistakes An 11 song cinematic affair, in un prodotto mediocre che di cinematografico ha solo il cantante.

Better Mistakes: sbagliare meglio, meglio sbagliare o meglio cambiare?

Ancher – Verdelegno

Devo ammettere che non avevo mai visto in vita mia un album confezionato come Verdelegno. Sicuramente avrà influenzato nella scelta l’ambiente in cui questo trio si è raccolto per comporre le 10 tracce, in una casa immersa nel giardino e circondata da alberi e prato verde misto a bianco (la neve presente nei mesi invernali che ha ispirato fortemente i musicisti), sicuramente la presenza di tanti arbusti avrà posto gli Ancher davanti ad una scelta per nulla convenzionale. Quella di proporre una confezione proprio fatta di legno con all’interno un rivestimento verde per ricordare il prato ed insieme creare il nome dell’uscita, appunto Verdelegno. Fin qui un vero sogno, oltre che il nostro stupore di notare una scelta davvero così originale, ma all’ascolto le cose cambiano. Sì perchè il trio in parte italiano ed in parte d’oltralpe non propone nulla di stravolgentemente originale ma anzi riprende alcune scelte che già mezzo secolo fa la scena italiana aveva creato, con i suoi cori molto ben fatti e le melodie molto incentrate sulla chitarra classica-acustica.

Brani facilmente ascoltabili anche se la vera caratteristica di questo trio è in alcune musicalità volutamente stonate, difficili da digerire seppur incastonate in scelte sonore facili e lontane galassie dall’elettronica. La stessa Toracebrace ne è un esempio con il suo inizio molto Kings Of Convenience per poi cambiare drasticamente velocizzando i tempi e rendendo più intricato il tema centrale del brano. Un ottimo esempio di richiamo alla tradizione musicale italiana è dato da Ho Prugne Nella Testa con il suo mood jazzato nel ritornello e le liriche poetiche irradiate da una sezione di fiati che eleva gli standard compositivi. Probabilmente il pezzo più ispirato. Introspettivo, introverso, così si mostra Verdelegno a giudicare da Vieni Su e da Tiglio, brani che ancora una volta manifestano la semplicità confusa nella ricercatezza di dettagli, strutture musicali ben costruite, molto particolari al loro interno e non per qualsiasi orecchio umano. Un’esclusività che in termini di gusto musicale premia però solo in alcuni passaggi, mentre risulta qualcosa di meno gratificante in altri, seppur aleggia nell’area una sofisticatezza di base che trova difficoltà ad esprimersi e fuoriesce solo in dati momenti.

Con un trademark marcatamente cantautorale, questo lavoro è destinato a palati esigenti e molto più tendenti al jazz che alle nostre radici rock.

Vincenzo Fasano – Il Sangue

Devo essere sincera. Prima di aprire quella busta infilata nella mia cassetta della posta, prima di eliminare l’involucro che si prestava a pormi davanti un nuovo CD con tutta la cuorisità del caso, mentre per la mente scorrevano nomi degli artisti tra i più vari le cui note si sarebbero liberate dopo l’apertura, lo devo ammettere, ignoravo chi fosse costui di cui oggi scrivo. Lui si chiama Vincenzo Fasano. Il disco si intitola Il Sangue. Premessa e confessata la mia iniziale ignoranza, dichiaro con altrettanta sincerità quanto sono rimasta positivamente colpita da questa nuova scoperta musicale. Che poi la domanda successiva e ossessiva seguita ai primi ascolti è stata sempre la stessa: ma come mai prima non ne ho mai sentito parlare?

Qualche ricerca e scoperto il motivo. Il Sangue, questo straordinario quanto maturo disco, un lavoro composito e completo, rappresenta il suo esordio discografico, se non si conta come tale il suo precedente Ep La Sindrome Di Stoccolama, i cui pezzi sono in gran parte ripresi in Il Sangue. Un disco che, come si rivelerà nelle prossime righe, rappresenta sì un esordio, ma talmente ben fatto, che stupisce e sorprende. Un’ottima opera prima. Un fantastica scoperta. Mi è bastato inserire il disco nello stereo. Mi è bastato ascoltare i primi secondi per capire che quanto stavo sentendo sarebbe stata una rivelazione per le mie orecchie alla ricerca di novità. È bastato poco per capire che avrei potuto deliziare anima e corpo con suoni nuovi, scaldare il cuore con una nuova voce, provocare la testa con nuovi versi. E il bello è che le dieci tracce, nel loro fluido susseguirsi non hanno deluso minimamente le aspettative iniziali. Colpisce l’intensità di ogni singola canzone. L’intensità dei testi e delle tematiche trattate. Dell’interpretazione. Si parla di amore come in È Come Un Gioco, ma con un taglio nient’affatto banale. Non aspettatevi le canzoncine che scorrono nelle radio commerciali. A scorrere semmai è il sangue nelle piazze, come descrive la title track Il Sangue. Si parla di prese di coscienza e di posizione, di indifferenza, delle vite date per una buona causa e di quelle sprecate votate alla passività, di sogni e di speranze.

Le storie raccontate presentano cenni biografici, o perlomeno questo traspare dall’intensità dell’interpretazione, dal coinvolgimento percepito dell’artista, che non può non coinvolgere anche l’ascoltatore. Le sue canzoni risultano dei dipinti, che disegnano immagini, che stimolano pensieri e riflessioni. Musicalmente si notano arrangiamenti curati e spunti musicali moderni. Le sonorità servono i testi, punto forte dell’opera compositiva di Fasano, enfatizzandone i significati e i passaggi da uno stato emotivo ad un altro. Il risultato finale è un lavoro maturo, composto da dieci tracce che lasciano senza fiato. Buona forma e tanta sostanza. Un disco impregnato di malinconia. Un lavoro che conquista. Un disco che o piace o non piace. Senza lasciare spazio alle mezze misure. Ironico e malinconico. Poetico e dolce a tratti, quanto rabbioso e ruvido.

Gli spunti vengono chiaramente dalla tradizione cantautorale italiana, mai perbenista, mai omologata. Ed ecco che ne Il Sangue si possono scorgere tratti dei primi lavori di Cesare Basile, spunti alla Capossela e alla Rino Gaetano, e pure cenni di CCCP. Concluso l’ascolto, rimane la voglia di riascoltare nuovamente, per entrare nell’universo malinconico di Fasano, per risentire quelle tracce che non si perdono nell’oblio una volta arrivati alla fine.

Un ottimo inizio per tal Vincenzo Fasano, mantovano di nascita, con gentori siciliani, che nella varietà delle contaminazioni del nostro paese porta alla luce con questo disco un nuovo stralcio di poesia, che gli attribuisce il diritto di poter essere annoverato tra le rivelazioni del panorama cantautorale italiano.