Belly Bluster – Belly Bluster

La contaminazione tra più generi musicali è senza dubbio la grande sfida artistica a cui guarda con interesse una parte del panorama discografico internazionale. In Italia sono diverse le formazioni che da anni portano avanti progetti di questo genere, in cui si tenta principalmente di mescolare il sound elettrico e scalpitante del rock con le affascinanti atmosfere celtiche e tradizionali. Tra le band che ben si disimpegnano in questa ricerca identitaria, vi sono i Belly Bluster, un supercombo casertano formato da ben nove elementi che con l’omonimo EP autoprodotto Belly Bluster, riesce a fondere caparbiamente generi come rock, punk, celtica e musica popolare con tematiche affascinanti afferenti la rievocazione romanzesca delle imprese di pirati e di briganti. L’utilizzo dell’italiano, dell’inglese e del napoletano (dialetto recentemente riconosciuto dall’Unesco come vera e propria lingua), rendono ancora più efficace l’idea di base di un sound multietnico e multiculturale che riesca a mettere d’accordo anche il pubblico più eterogeneo e variegato.

Al di là dei rimandi intellettuali e sperimentali, Belly Bluster è un album che grazie al suo taglio estremamente punk-rock, riesce a sprigionare una bella energia, grazie soprattutto all’estrema linearità con cui la band ha saputo fondere testi e musica, facendo proprio della semplicità uno dei punti forti di questa breve raccolta. Brani come Ammiraglio, La Ciurma, Wisky e Merendero, sono vere e proprie cannonate di adrenalina, in cui il camaleontico spirito cameratesco figlio della rievocazione piratesca e brigantesca, abbraccia ritornelli che rimangono scolpiti sin da subito nella mente, trascinati da un sound persuasivo che non riuscirebbe a tener fermo un sasso. La title track Belly Bluster è invece una composizione meno veloce, simile ad un canto di battaglia in salsa folk rock. Moicani è la traccia strumentale del disco che mette in evidenza lo spirito elettrico del gruppo, mostrando un’attitudine quasi al confine con l’heavy. Posto d’onore per Brigante, uno dei migliori brani dell’album, in cui meglio si concentra lo spirito folkloristico e contaminato del progetto Belly Bluster, grazie soprattutto all’interpretazione della brigantessa Betty Hop capace di dosare rabbia e poeticità nel passionale testo che si intelaia al pezzo.

L’arrembante energia dei Belly Bluster ed il loro autoproclamato “combat folk” ci hanno convinto. Qualunque sia il futuro di questa ciurma cazzeggiante, noi di RockGarage saremo sempre pronti a brindare alle loro imprese tenendo ben alti i calici stracolmi di ottimo folk’n’roll.

The Mojomatics – You Are The Reason For My Troubles

La riscoperta sonora dei generi e dei fenomeni musicali del passato, non è semplicemente una moda molto in voga in questo momento. A darne prova tangibile un duo veneziano meglio conosciuto come The Mojomatics, che con il loro ultimo album You Are The Reason For My Troubles, ha saputo dar forma ad un lavoro sicuramente unico nel suo genere, in cui si mescolano e si rielaborano sapientemente tra loro, il folk, il rockabilly e quel rock blues tipicamente 60s, ed in cui la missione da compiere è ripercorrere ad occhi chiusi il percorso artistico tracciato da miti del rock come Birds, Kinks, Bob Dylan e Rolling Stones. Un album molto interessante, intriso di atmosfere a tratti cinematografiche che sanno un po’ di western e un po’ di hippies, confezionato in un artwork accattivante ispirato al low budget e suonato ripercorrendo stili, melodie e scelte strumentali che danno pieno sfogo alla passione per il rock’n’roll vintage. La title track che traina il disco con un video rigorosamente in linea con l’essenzialità dello stile del duo, sposa appieno la sostanza di quanto descritto in precedenza. Si segnalano per la spiccata attitudine alla old school, Rain In Diggin’ My Grave, Feet In The Hole, la beetlesiana The Ghost Story e la ballata Her Song. Impossibile non lasciarsi convincere dall’originalità di questo sound. Quando c’è lo stile, c’è tutto.

Folkstone – Il Confine

Cosa succede se all’interno di un ipotetico shaker musicale si mescola del buon metal, strumenti arcaici inusuali e di grande fascino, testi profondi e tanta sincerità? Per la gioia delle nostre orecchie ne scaturisce un prodotto nuovo e innovativo come la musica dei guerrieri orobici Folkstone, che fin dalla loro nascita non hanno ancora sbagliato un colpo. Questo assioma rimane valido anche durante l’ascolto della loro ultima fatica discografica, il nuovo disco fresco di uscita intitolato Il Confine. Il nuovo progetto si compone di tredici tracce, tutte molto varie e splendidamente musicate; sin dalle prime note si percepisce come l’evoluzione globale del gruppo abbia compiuto un ulteriore passo avanti, cosa confermata da loro stessi in un’intervista svoltasi in occasione della prima tappa del nuovo tour in esclusiva a noi di RockGarage. Le atmosfere richiamate durante l’ascolto sono di grande impatto e la struttura sonora utilizzata composta da strumenti antichi e particolari come le cornamuse, l’arpa celtica, la ghironda e tanti altri sono capaci di creare una melodia ricca ed epica che sembra fatta apposta per esaltare il pubblico durante le esibizioni live.

La prima traccia si intitola Il Confine proprio come l’album, esordisce con una serie di accordi di citola (una sorta di liuto rinascimentale) che introducono una trama più heavy supportata da una chitarra dura come il granito e da un crescendo di cornamuse. Nebbie invece, si colloca come secondo brano ed inizia con una complessa trama di cornamusa che deflagra poco dopo con un ritmo veloce e serrato di batteria supportato da tutti gli strumenti, qui la voce del cantante Lore parte profonda e modulata aumentando ancora di più il senso di epicità della canzone. Siamo alla volta della particolare Omnia Fert Aetas che parte con un ritmo cadenzato di tamburi ed un coro a più voce dal timbro “gregoriano” a cui poi si agganciano le immancabili cornamuse e i riff potenti di chitarra elettrica. Non Sarò Mai è sostanzialmente una canzone di protesta e denuncia contro coloro che affrontano la vita carichi di preconcetti e stereotipi, bigotti che non sono in grado di uscire dal proprio guscio fatto di credenze limitate e che non fanno che rendere la persona schiava di una nomenclatura impostagli dall’alto: anche questa traccia si dimostra carica di pathos e ritmo arrivando veloce e chiara al cuore dell’ascoltatore. Giungiamo quindi nel nostro percorso di ascolto, ad una piccola perla chiamata Luna, una bellissima ballata nata dalla collaborazione della band con il coro alpino “Le Due Valli” di Alzano Lombardo in provincia di Bergamo; il brano è in dialetto, musicato e scritto dal maestro del coro che con entusiasmo ha accettato di buon grado di “prestare” il tutto alla band la quale è stata in grado di creare una traccia malinconica e struggente di enorme impatto emotivo e poetico.

Da un analisi più generale si può rilevare come non ci si trovi di fronte ad un concept album; le tracce sono state create ognuna a sé state, e forse sta proprio qui il segreto dell’ottima riuscita di questo progetto: ogni canzone risulta essere ricca ed estremamente sfaccettata, una sorta di microcosmo in cui perdersi abbandonandosi a ritmi ed atmosfere “medioevali” di grande suggestione. Il disco non è mai banale, anzi estremamente variegato e  complesso con trame sonore studiate di ottima fattura; eccellente poi, anche il lavoro a monte del prodotto, con un mixing ed editing molto professionali. Anche i testi risultano essere molto più ragionati ed introspettivi rispetto ai precedenti capitoli, il tutto viene poi impreziosito dalla voce del cantante Lore, cupa e rauca quando serve o estremamente volubile e modulata in altri frangenti. In conclusione ci troviamo di fronte ad un eccellente prodotto che marca una notevole svolta dell’intera band. Questi ragazzi si dimostrano una piacevolissima riconferma all’interno del panorama folk metal nostrano aggiungendo una ventata di novità componendo i testi delle proprie canzoni in lingua italiana, cosa non molto usuale per gruppi di questo genere, ma che si rivela una mossa vincente ed azzeccata creando una crescita esponenziale di interesse tra il pubblico. Un disco da avere in soldoni, che non può che far apprezzare ancora di più questi giovani menestrelli contemporanei.

Gus MacGregor – S/T

Gus MacGregor è un cantautore inglese di Blackpool, città con status di borough e autorità unitaria del Lancashire, che ha dato i Natali a Alfred Hitchcock, Ian Scott Anderson, Roy Harper e tanti altri. Uno di quei cantautori che dismessi gli abiti in teatro, dove interpretava i panni di Buddy in The Buddy Holly Show, grazie al quale ha preso la nomination come best musical actor, ha imbracciato la chitarra (e qualche volta anche il banjo) ed è tornato sulla strada, a lui molto più cara. Un ritorno alle origini. Un “back on the road” per riscoprire la periferia inglese, l’atmosfera dei Beatles, quella un po’ anni sessanta, settanta, un po’ retrò insomma e la musica folk, la vera musica Folk di un cantante un po’ all’antica che con la propria ed inseparabile chitarra in spalla percorre miglia e miglia per portare la sua “melodia” in giro sia per il gusto di suonare, sia per creare quell’atmosfera intima, di nicchia quasi, dove ti trasporta con la sua voce e i suoi testi, semplici, romantici che possiamo trovare nel suo primo lavoro S/T.

Questo suo primo lavoro, è fresco, genuino, richiama un po’ il Bob Dylan dei bei tempi. L’ho ascoltato durante un viaggio e si fa ben volere quando l’asfalto di miglia e miglia corre sotto le ruote alla giusta velocità, forse a tratti un po’ scontato, ma fresco. Genuino. Sono pezzi composti da arpeggi fatti con la chitarra acustica, lontani (ad eccezion fatta per l’opener Under The Sun) dal pop odierno, liberi dall’elettronica e con gli arrangiamenti di Bob Rose. Alcuni pezzi con l’armonica sono molto di trasporto ed è quel che ci si aspetta conoscendo la sua storia. Pezzi, morbidi, avvolgenti, che vanno dritti al cuore come solo il country, il blues ed il folk possono fare. La durata del CD è di quarantatre minuti per dodici tracce. Il timbro vocale è gradevole, anche se avrei gradito qualche canzone in più e molta più vivacità (con un netto distacco dal genere James Blunt) ma il lavoro, andrebbe considerato di più e pubblicizzato, vista la non poca fatica con cui autori e compositori del genere fanno parlare di sé.

Kalevala – Musicanti Di Brema

La vita è fatta di esperienze e le esperienze di tutti i giorni sono davvero numerosissime. Ci sono alcune di queste che hanno la capacità di far viaggiare oltre i tempi, di trasportarci dritti in un’epoca remota. Ne è un esempio il lavoro dei Kalevala, band ormai attiva da più di dodici anni, che ci incastra nel pieno di una festa medievale, con cortei, giochi da circo, marionette, castelli e giullari. Così si potrebbe semplificare questo lavoro se gli si volesse dare un volto. Si tratta di una serie di composizioni che tengono testa al folk metal teutonico e nordeuropeo, pur risultando molto più accessibile e gradevole anche per palati più scettici nei confronti di sonorità dure. Infatti, al di là di qualche fitto riffing in pieno heavy metal, i pezzi si possono accostare più alla mentalità da brano rock. Di certo le idee proposte in musica non brillano per totale autenticità (in alcuni tratti ci ricordano i Blind Guardian più morbidi), ma a noi questo Musicanti di Brema piace, sarà per il suo concept bizzarro quasi da bisca di altri tempi, sarà per quel flauto onnipresente così in contrasto con le melodie della chitarra e così in sintonia con i tamburi altezzosi.

Da ascoltare assolutamente Living Drom che stupisce con i suoi tempi dispari, accostabili al progressive più sinfonico, e Ballo in Fa Diesis ripreso dal maestro Branduardi che forse più di tutte rappresenta l’anima dei Kalevala, cantautorale e folk per alcuni versi, orchestrale e multiforme per altri. Bouchons De Liege è l’esperimento in francese della band, davvero piacevole e pieno di sfaccettature tutte da godere: diverse le atmosfere e le melodie ma tutte racchiuse sotto un’unica storia-filastrocca, il racconto della vita di Sylvaine. Un’arma a doppio taglio è la voce di Simone Casula, che a causa della sua tonalità molto alta snatura un pò la caratterizzazione della proposta musicale della band (noi la vediamo più a proprio agio con una voce baritonale ma è pur sempre un’opinione), nonostante si sprigioni in una performance di ottimo livello, conferendo un’aria di più alto rango rispetto a come i Kalavela vorrebbero essere percepiti. Nel complesso Simone grazie alla sua tecnica resta comunque all’altezza dei suoi compagni.

Un progetto audace, parzialmente dietrologico se si osserva la scena musicale attuale, ma (e forse anche per questo) da premiare.