Kalevala – There And Back Again

La maturità è uno dei pregi indiscussi dei Kalevala, questo è certo. Non che i Nostri l’abbiano raggiunta solo con questo There And Back Again, out già da qualche mese, tutt’altro. Già con il precedente Musicanti di Brema il sound del sestetto ci aveva più che colpito. A meno di un anno di distanza però la band ha deciso di offrire un seguito a quell’album che tanto mostrava in termini di tecnica, qualità e variazioni sulla matrice compisitiva principe: così sono nate queste undici tracce che prendono molto le distanze da quanto fatto dai Kalevala in passato (contrariamente al significato del suo titolo). Se infatti l’approccio epico/folk è rimasto inalterato, i Kalevala del 2012 appaiono molto più orientati verso sonorità heavy metal rispetto al loro tipico trademark folk rock. La band è più a suo agio e sfrutta questa maggiore dimistichezza presentando una caparbietà più sfrontata, un sound più diretto, a differenza di quell’alone di sperimentalismo che compariva tra i brani del precedente Musicanti Di Brema. Niente di meno interessante sia chiaro, semplicemente un tassello diverso di una visione musicale molto complessa. Così basterebbe aprire un vecchio capitolo della storia dei Manowar per presentare il brano Folk Metal, Baby! nonostante l’irruenza degli strumenti epici in classico stile Kalevala e anche Come Dio Comanda, puntando ad un riffing forzato di vero impatto, ricalca questa forte impronta. Più variegate Nigel’s Got A Sword, che richiama le influenze progressive, e S’i’ Fosse Foco che mette egregiamente in musica il sonetto di Cecco Angiolieri impreziosendolo grazie ad un’anima folcloristica.

Bellissima Glasses che sconfina nella fusion/acid jazz facendo toccare con mano le qualità degli artisti che stanno dietro questo moniker e le loro reali potenzialità espressive. Meno di due minuti, ma molto significativi per l’intera uscita. Altra grande prova è data dalla conclusiva U’Golema, strumentale di grande verve che attraversa scenari molto distanti tra loro con una semplicità non da tutti. Distanti dalla “nuova visione”, altrettanti momenti richiamano le radici della band: così come nel 2011 con Bouchons De Liege, anche in questo lavoro c’è una prova in francese, Waterloo, che richiama il tipico stile folk rock del sestetto. In tutto ciò la voce di Simone Casula si conferma grande debitrice della scena power metal tedesca, mentre gli altri strumenti stentanto ad affiorire nel loro contributo singolo, un pò per una ricerca maggiore dell’insieme, un pò per il sovrastare della chitarra sulla quale è incentrata gran parte della scena (insieme alla voce). Una bella prova che ci obbliga a seguire il cammino di questa interessantissima band.

Spiral 69 – No Paint On The Wall

Un fiume in piena, l’attuale produzione musicale italiana, band di vario genere si affacciano sul panorama artistico, sgomitando tra esse alla ricerca di un posto al sole. Parafrasando una famosa canzone di qualche anno fa, potremmo dire che “solo uno su mille ce la fa”, tuttavia, possiamo elevare la percentuale, dato il buon numero di gruppi che riesce ormai a mettersi in evidenza. E così gli Spiral 69, capitanati dal singer Riccardo Sabetti, sono gli autori della proposta che oggi andiamo ad esaminare. Autori di un disco abbastanza complesso, possiamo rendercene conto sin da Collecting Lies, dove la vena oscura ed intimista fa capolino tra le righe con un sound molto compresso, ma non certo ovattato, dove il singer declama in maniera molto gothic testi davvero impegnati. La buona sezione ritmica rende bene l’impatto emotivo e quasi “industriale” in alcuni passaggi davvero ben congegnati tra loro. Cold veste bene i panni del potenziale singolo, gli strumenti sono tirati alla perfezione, la drammatizzazione del testo è resa perfettamente dal cantato attonito che si estrania dalla realtà, coadiuvato dalla precisione del battito del drummer, ideale compagno di sventure. Il bel gioco di archi consente di elevare al massimo la tensione emotiva che traspare dal brano, improntato a tematiche erotiche e comunque sparate in faccia ad arte a chi ascolta. Mirabile l’intarsio centrale tra archi e tastiere, che prelude al convulso finale, davvero coinvolgente nella sua trasposizione vocal-sonora.

Con Berlin, si sale di livello, la tecnica compositiva e la melodia interpretativa vengono rese al massimo dalla proposta vocale davvero notevole di Sabetti, attorno alle quali ruotano alla grande gli strumentisti coinvolti in una ideale “session” di bravura, in cui eccellono specialmente una delicata acustica ed un buon lavoro delle tastiere. La Missori è davvvero brava nel costruire un delicato refrain di tastiere che fanno in modo che il cantato riesca ad estrinsecarsi in maniera davvero mirabile dal viluppo delle tematiche desolanti. Tra i migliori brani del disco, si caratterizza per le sue atmosfere grevi e pesanti, adatte al cantato alienato nella strofa centrale e rinvigorito nel bridge finale. Everyone Has Someone To Hate è tirato come non mai: l’accezione intimista del singer rende bene la passione che il vocalist trasmette al brano, anche gli strumenti sono più ruvidi e la lirica che le tastiere disegnano rende bene il senso di disorientamento provvisorio in alcuni frangenti del disco. Ottimo l’incrocio sonoro tra batteria e chitarra, con un ideale sfida tra i due strumenti a singolar tenzone, senza perdere di vista l’economia del brano, ottima nella sua vena di esaltazione sonora. Ethon II si incastona a meraviglia tra gli episodi più sentiti. Il piano della Missori è altamente tecnico, mentre le atmosfere stagnanti che da esso derivano rendono bene il panorama di desolazione che il gruppo vuole trasmettere.

Beautiful Lie si appalesa come il momento “ruffiano” del disco, il pop che traspare dalle note mal si concilia con il cantato che in questa occasione cede il passo ancora al buon lavoro della Missori, sia pure depurato da orpelli di eccessivo disimpegno dai testi sinora adoperati. Brano comunque buono, tuttavia accusa alcuni passaggi a vuoto nella melensa offerta sonora specie al centro del pezzo, che si trascina stancamente alla fine. Arrivati alla title track, siamo invasi da un gioco di effetti sonori, di atmosfere sature di immanente, in cui si intrecciano bene la sei corde e le percussioni davvero cadenzate e modulate alla grande, in uno dei migliori episodi del disco. Tutto il quintetto è pienamente coinvolto nel trasporre in musica testi che ancora una volta parlano di erotismo, sia pur con delicatezza compositiva. Giunge anche il momento di un sia pur accennato “solo” della sei corde, su cui la sezione ritmica si profonde in caratterizzazioni quasi oniriche della realtà, ben dipinta ed immaginata. Una pausa quasi “dance”? Parrebbe di sì con The Girl Who Dances Alone, almeno nelle battute iniziali che il gruppo dà al pezzo. Grazie alla modulata voce dell’ospite Tying Tiffany, il brano assume connotazioni molto coinvolgenti e quasi rimbombanti nel refrain, su cui la chitarra esibisce stavolta i muscoli dal punto di vista della durezza. Anche il cantato è davvero duro, grazie ai cori che raddoppiano l’intensità vocale ed alla batteria che funge da grancassa vera e propria. Melodia pura con Love Is For Losers: la presenza degli archi rende il brano pregevole dal punto di vista della composizione e della predisposizione al temperamento artistico del gruppo. Il lavoro della Missori ancora una volta impreziosisce ed anzi concede maggior intensità al lavoro della sezione ritmica, resa più pesante nella fase centrale da un drumming molto nitido che non perde battute.

Molto coinvolgente, Best Porno risente ancora della vena folk che il gruppo non nasconde, mischiandola a sapienti atmosfere di nuovo gotiche nella modulazione della voce. La sei corde, ancora acustica, si erge di una spanna con il suo tocco morbido che si articola attorno ad un semplice giro di accordi ritmati che non vanno a discapito della freschezza del brano. Ancora una volta i cori supportano alla grande il singer, ispirato dal sostegno della seconda voce, tanto da concludere il brano con una cavalcata vocale quasi di esclusiva pertinenza. Chiudiamo con Bleeding Through, un brano in cui si nota sin da subito la voce quasi estraniata da una realtà che la band gli costruisce addosso con atmosfere grigie di tastiere e di percussioni quasi ancora industriali e nella battuta e nella resa sonora. Mirabile ancora il gioco dei tasti che con delicatezza si accompagnano al refrain, senza incidere sulla sua speditezza e sulle intenzioni della band, che sono davvero di significato socialmente utile. Per un lavoro che, in definitiva, lascia presagire orizzonti ancora più radiosi per il combo in questione, in presenza di altri lavori come questo.

Dola J. Chaplin – To The Tremendous Road

È incredibile come la musica sia capace di far sentire proprie storie e tradizioni in apparenza lontane attraverso la riproposizione di un sound che non appartiene di certo alle proprie radici culturali, ma a cieli ed occhi lontani migliaia di chilometri da chi li sogna imbracciando una chitarra nel tepore di una stanza penombrata. Nel caso di Dola J. Chaplin, un passato da rocker, aspetto da giramondo e barba lunga che trovi sul viso di chi ne ha viste parecchie, la somatizzazione del processo di apprendimento e di rielaborazione della lezione blues e folk di matrice anglosassone, è stato un cammino quasi naturale, arricchito da esperienze personali ed artistiche vissute direttamente nei luoghi a cui quegli stili appartengono da sempre. Questa maturazione itinerante ha inevitabilmente influito sul processo compositivo dell’artista, consentendogli di dare alla luce le intense tracce che compongono To The Tremendous Road, il suo album d’esordio, un disco di avveniristica bellezza, stracolmo di poesia e di atmosfere delicate e sognanti; un’opera scritta, arrangiata, suonata, interpretata e prodotta in maniera impeccabile, senza sbavature ed imperfezioni, seppur mantenendo costante un marcato appeal tipicamente “unplugged”.

Impossibile poter fare una caratterizzazione singola di ogni canzone, poiché è nell’insieme che ognuna di esse si coniuga con una magia ed un calore speciale al disco intero, un effetto, quest’ultimo, che dà all’ascoltatore spazio e tempo per riflettere, ma anche venir voglia di canticchiare, non importa se guardando fuori dalla finestra o dentro se stessi. Per chi scrive, è però nata sin da subito un’affezione particolare per Frost ‘Neath The Nails, un pezzo che si traveste da ballad figlia della tradizione rock ed intrisa di aloni grunge, che basa la sua alchimia musicale sull’interpretazione coinvolgente di Chaplin, più intensa e struggente del solito. To The Tremendous Road ha il potere evocativo del viaggio, seppur musicale, attraverso i gangli sovrapposti della mente. Ha il retrogusto dell’intimità, della melanconia che si trova solo in certi libri capaci di arrivare dritti all’anima grazie al potere evocativo della parola. Nonostante il semplice telaio acustico che sorregge l’intero impianto sonoro dell’album, l’ampia gamma di strumenti utilizzati nella costruzione dei brani e la maestria con la quale vengono interpretati dagli ottimi musicisti intervenuti, è a nostro parere uno dei punti di forza dell’intero full-lenght, un humus che ha un ruolo fondamentale nella creazione delle delicate ambientazioni sonore composte principalmente dalla chitarra pulita di Dola, dalla sua voce calda e dalle liriche ispirate che sa interpretare con passione e trasporto.

Senza troppi giri di parole, To The Tremendous Road, è un album fantastico, una cura per lo spirito dell’ascoltatore, un lavoro di rara bellezza che nasce dalla passione e dal talento di un validissimo cantautore folk/blues che ha saputo reinventare con semplicità e tradurre in musica e parole, la parte più pura e cristallina del suo talento.

Belly Bluster – Belly Bluster

La contaminazione tra più generi musicali è senza dubbio la grande sfida artistica a cui guarda con interesse una parte del panorama discografico internazionale. In Italia sono diverse le formazioni che da anni portano avanti progetti di questo genere, in cui si tenta principalmente di mescolare il sound elettrico e scalpitante del rock con le affascinanti atmosfere celtiche e tradizionali. Tra le band che ben si disimpegnano in questa ricerca identitaria, vi sono i Belly Bluster, un supercombo casertano formato da ben nove elementi che con l’omonimo EP autoprodotto Belly Bluster, riesce a fondere caparbiamente generi come rock, punk, celtica e musica popolare con tematiche affascinanti afferenti la rievocazione romanzesca delle imprese di pirati e di briganti. L’utilizzo dell’italiano, dell’inglese e del napoletano (dialetto recentemente riconosciuto dall’Unesco come vera e propria lingua), rendono ancora più efficace l’idea di base di un sound multietnico e multiculturale che riesca a mettere d’accordo anche il pubblico più eterogeneo e variegato.

Al di là dei rimandi intellettuali e sperimentali, Belly Bluster è un album che grazie al suo taglio estremamente punk-rock, riesce a sprigionare una bella energia, grazie soprattutto all’estrema linearità con cui la band ha saputo fondere testi e musica, facendo proprio della semplicità uno dei punti forti di questa breve raccolta. Brani come Ammiraglio, La Ciurma, Wisky e Merendero, sono vere e proprie cannonate di adrenalina, in cui il camaleontico spirito cameratesco figlio della rievocazione piratesca e brigantesca, abbraccia ritornelli che rimangono scolpiti sin da subito nella mente, trascinati da un sound persuasivo che non riuscirebbe a tener fermo un sasso. La title track Belly Bluster è invece una composizione meno veloce, simile ad un canto di battaglia in salsa folk rock. Moicani è la traccia strumentale del disco che mette in evidenza lo spirito elettrico del gruppo, mostrando un’attitudine quasi al confine con l’heavy. Posto d’onore per Brigante, uno dei migliori brani dell’album, in cui meglio si concentra lo spirito folkloristico e contaminato del progetto Belly Bluster, grazie soprattutto all’interpretazione della brigantessa Betty Hop capace di dosare rabbia e poeticità nel passionale testo che si intelaia al pezzo.

L’arrembante energia dei Belly Bluster ed il loro autoproclamato “combat folk” ci hanno convinto. Qualunque sia il futuro di questa ciurma cazzeggiante, noi di RockGarage saremo sempre pronti a brindare alle loro imprese tenendo ben alti i calici stracolmi di ottimo folk’n’roll.

The Mojomatics – You Are The Reason For My Troubles

La riscoperta sonora dei generi e dei fenomeni musicali del passato, non è semplicemente una moda molto in voga in questo momento. A darne prova tangibile un duo veneziano meglio conosciuto come The Mojomatics, che con il loro ultimo album You Are The Reason For My Troubles, ha saputo dar forma ad un lavoro sicuramente unico nel suo genere, in cui si mescolano e si rielaborano sapientemente tra loro, il folk, il rockabilly e quel rock blues tipicamente 60s, ed in cui la missione da compiere è ripercorrere ad occhi chiusi il percorso artistico tracciato da miti del rock come Birds, Kinks, Bob Dylan e Rolling Stones. Un album molto interessante, intriso di atmosfere a tratti cinematografiche che sanno un po’ di western e un po’ di hippies, confezionato in un artwork accattivante ispirato al low budget e suonato ripercorrendo stili, melodie e scelte strumentali che danno pieno sfogo alla passione per il rock’n’roll vintage. La title track che traina il disco con un video rigorosamente in linea con l’essenzialità dello stile del duo, sposa appieno la sostanza di quanto descritto in precedenza. Si segnalano per la spiccata attitudine alla old school, Rain In Diggin’ My Grave, Feet In The Hole, la beetlesiana The Ghost Story e la ballata Her Song. Impossibile non lasciarsi convincere dall’originalità di questo sound. Quando c’è lo stile, c’è tutto.

Folkstone – Il Confine

Cosa succede se all’interno di un ipotetico shaker musicale si mescola del buon metal, strumenti arcaici inusuali e di grande fascino, testi profondi e tanta sincerità? Per la gioia delle nostre orecchie ne scaturisce un prodotto nuovo e innovativo come la musica dei guerrieri orobici Folkstone, che fin dalla loro nascita non hanno ancora sbagliato un colpo. Questo assioma rimane valido anche durante l’ascolto della loro ultima fatica discografica, il nuovo disco fresco di uscita intitolato Il Confine. Il nuovo progetto si compone di tredici tracce, tutte molto varie e splendidamente musicate; sin dalle prime note si percepisce come l’evoluzione globale del gruppo abbia compiuto un ulteriore passo avanti, cosa confermata da loro stessi in un’intervista svoltasi in occasione della prima tappa del nuovo tour in esclusiva a noi di RockGarage. Le atmosfere richiamate durante l’ascolto sono di grande impatto e la struttura sonora utilizzata composta da strumenti antichi e particolari come le cornamuse, l’arpa celtica, la ghironda e tanti altri sono capaci di creare una melodia ricca ed epica che sembra fatta apposta per esaltare il pubblico durante le esibizioni live.

La prima traccia si intitola Il Confine proprio come l’album, esordisce con una serie di accordi di citola (una sorta di liuto rinascimentale) che introducono una trama più heavy supportata da una chitarra dura come il granito e da un crescendo di cornamuse. Nebbie invece, si colloca come secondo brano ed inizia con una complessa trama di cornamusa che deflagra poco dopo con un ritmo veloce e serrato di batteria supportato da tutti gli strumenti, qui la voce del cantante Lore parte profonda e modulata aumentando ancora di più il senso di epicità della canzone. Siamo alla volta della particolare Omnia Fert Aetas che parte con un ritmo cadenzato di tamburi ed un coro a più voce dal timbro “gregoriano” a cui poi si agganciano le immancabili cornamuse e i riff potenti di chitarra elettrica. Non Sarò Mai è sostanzialmente una canzone di protesta e denuncia contro coloro che affrontano la vita carichi di preconcetti e stereotipi, bigotti che non sono in grado di uscire dal proprio guscio fatto di credenze limitate e che non fanno che rendere la persona schiava di una nomenclatura impostagli dall’alto: anche questa traccia si dimostra carica di pathos e ritmo arrivando veloce e chiara al cuore dell’ascoltatore. Giungiamo quindi nel nostro percorso di ascolto, ad una piccola perla chiamata Luna, una bellissima ballata nata dalla collaborazione della band con il coro alpino “Le Due Valli” di Alzano Lombardo in provincia di Bergamo; il brano è in dialetto, musicato e scritto dal maestro del coro che con entusiasmo ha accettato di buon grado di “prestare” il tutto alla band la quale è stata in grado di creare una traccia malinconica e struggente di enorme impatto emotivo e poetico.

Da un analisi più generale si può rilevare come non ci si trovi di fronte ad un concept album; le tracce sono state create ognuna a sé state, e forse sta proprio qui il segreto dell’ottima riuscita di questo progetto: ogni canzone risulta essere ricca ed estremamente sfaccettata, una sorta di microcosmo in cui perdersi abbandonandosi a ritmi ed atmosfere “medioevali” di grande suggestione. Il disco non è mai banale, anzi estremamente variegato e  complesso con trame sonore studiate di ottima fattura; eccellente poi, anche il lavoro a monte del prodotto, con un mixing ed editing molto professionali. Anche i testi risultano essere molto più ragionati ed introspettivi rispetto ai precedenti capitoli, il tutto viene poi impreziosito dalla voce del cantante Lore, cupa e rauca quando serve o estremamente volubile e modulata in altri frangenti. In conclusione ci troviamo di fronte ad un eccellente prodotto che marca una notevole svolta dell’intera band. Questi ragazzi si dimostrano una piacevolissima riconferma all’interno del panorama folk metal nostrano aggiungendo una ventata di novità componendo i testi delle proprie canzoni in lingua italiana, cosa non molto usuale per gruppi di questo genere, ma che si rivela una mossa vincente ed azzeccata creando una crescita esponenziale di interesse tra il pubblico. Un disco da avere in soldoni, che non può che far apprezzare ancora di più questi giovani menestrelli contemporanei.

Gus MacGregor – S/T

Gus MacGregor è un cantautore inglese di Blackpool, città con status di borough e autorità unitaria del Lancashire, che ha dato i Natali a Alfred Hitchcock, Ian Scott Anderson, Roy Harper e tanti altri. Uno di quei cantautori che dismessi gli abiti in teatro, dove interpretava i panni di Buddy in The Buddy Holly Show, grazie al quale ha preso la nomination come best musical actor, ha imbracciato la chitarra (e qualche volta anche il banjo) ed è tornato sulla strada, a lui molto più cara. Un ritorno alle origini. Un “back on the road” per riscoprire la periferia inglese, l’atmosfera dei Beatles, quella un po’ anni sessanta, settanta, un po’ retrò insomma e la musica folk, la vera musica Folk di un cantante un po’ all’antica che con la propria ed inseparabile chitarra in spalla percorre miglia e miglia per portare la sua “melodia” in giro sia per il gusto di suonare, sia per creare quell’atmosfera intima, di nicchia quasi, dove ti trasporta con la sua voce e i suoi testi, semplici, romantici che possiamo trovare nel suo primo lavoro S/T.

Questo suo primo lavoro, è fresco, genuino, richiama un po’ il Bob Dylan dei bei tempi. L’ho ascoltato durante un viaggio e si fa ben volere quando l’asfalto di miglia e miglia corre sotto le ruote alla giusta velocità, forse a tratti un po’ scontato, ma fresco. Genuino. Sono pezzi composti da arpeggi fatti con la chitarra acustica, lontani (ad eccezion fatta per l’opener Under The Sun) dal pop odierno, liberi dall’elettronica e con gli arrangiamenti di Bob Rose. Alcuni pezzi con l’armonica sono molto di trasporto ed è quel che ci si aspetta conoscendo la sua storia. Pezzi, morbidi, avvolgenti, che vanno dritti al cuore come solo il country, il blues ed il folk possono fare. La durata del CD è di quarantatre minuti per dodici tracce. Il timbro vocale è gradevole, anche se avrei gradito qualche canzone in più e molta più vivacità (con un netto distacco dal genere James Blunt) ma il lavoro, andrebbe considerato di più e pubblicizzato, vista la non poca fatica con cui autori e compositori del genere fanno parlare di sé.

Kalevala – Musicanti Di Brema

La vita è fatta di esperienze e le esperienze di tutti i giorni sono davvero numerosissime. Ci sono alcune di queste che hanno la capacità di far viaggiare oltre i tempi, di trasportarci dritti in un’epoca remota. Ne è un esempio il lavoro dei Kalevala, band ormai attiva da più di dodici anni, che ci incastra nel pieno di una festa medievale, con cortei, giochi da circo, marionette, castelli e giullari. Così si potrebbe semplificare questo lavoro se gli si volesse dare un volto. Si tratta di una serie di composizioni che tengono testa al folk metal teutonico e nordeuropeo, pur risultando molto più accessibile e gradevole anche per palati più scettici nei confronti di sonorità dure. Infatti, al di là di qualche fitto riffing in pieno heavy metal, i pezzi si possono accostare più alla mentalità da brano rock. Di certo le idee proposte in musica non brillano per totale autenticità (in alcuni tratti ci ricordano i Blind Guardian più morbidi), ma a noi questo Musicanti di Brema piace, sarà per il suo concept bizzarro quasi da bisca di altri tempi, sarà per quel flauto onnipresente così in contrasto con le melodie della chitarra e così in sintonia con i tamburi altezzosi.

Da ascoltare assolutamente Living Drom che stupisce con i suoi tempi dispari, accostabili al progressive più sinfonico, e Ballo in Fa Diesis ripreso dal maestro Branduardi che forse più di tutte rappresenta l’anima dei Kalevala, cantautorale e folk per alcuni versi, orchestrale e multiforme per altri. Bouchons De Liege è l’esperimento in francese della band, davvero piacevole e pieno di sfaccettature tutte da godere: diverse le atmosfere e le melodie ma tutte racchiuse sotto un’unica storia-filastrocca, il racconto della vita di Sylvaine. Un’arma a doppio taglio è la voce di Simone Casula, che a causa della sua tonalità molto alta snatura un pò la caratterizzazione della proposta musicale della band (noi la vediamo più a proprio agio con una voce baritonale ma è pur sempre un’opinione), nonostante si sprigioni in una performance di ottimo livello, conferendo un’aria di più alto rango rispetto a come i Kalavela vorrebbero essere percepiti. Nel complesso Simone grazie alla sua tecnica resta comunque all’altezza dei suoi compagni.

Un progetto audace, parzialmente dietrologico se si osserva la scena musicale attuale, ma (e forse anche per questo) da premiare.