Enemy Inside – Phoenix

L’abuso di oro nella grafica di questo album, ingrediente usato nell’artwork e all’interno del booklet per rappresentare i luccicanti membri della band oltre che per abbellire uno stile che in questo modo diventa indubbiamente prezioso, potrebbe sembrare stucchevole ed invece spazza via con decisione tutti i pregiudizi che potete crearvi sugli Enemy Inside. Moniker un po’ banalotto, frontwoman affascinante e femminile, origini tedesche, metal di impatto ma pur sempre melodico, tutti elementi che da soli dicono poco ma che insieme potrebbero far storcere qualche naso. Phoenix è un album davvero molto curato, niente che ci porti a parlare di qualcosa di nuovo visto che si tratta di uno stile a cui molte band hanno puntato (si veda alla pagina symphonic metal con voce femminile, di quella né lirica né in growling) ma pur sempre brani che si fanno ascoltare con piacere. Sicuramente chi ama i Lacuna Coil o gli Evanescence troverà negli Enemy Inside molti spunti interessanti, la produzione stessa li avvicina di fatto a queste due band, a nostro parere i chorus (si ascolti ad esempio quello di Doorway To Salvation per la parte femminile) e le trame (come in Oblivion o l’orientaleggiante Halo) non regalano più di tanta curiosità ma nel complesso i brani sono buoni.

Nonostante i tanti momenti potremo dire morbidi, in Phoenix si celano anche brani dalla personalità forte: è il caso di Lullaby, sicuramente un pezzo da novanta con un riffing pieno nei primi secondi che disseta chi si aspetta un metal possente per poi vedere le linee vocali che addolciscono la presa in un esercizio di stile modern metal da esportare non da meno in tutta Europa. Interessante anche la prima traccia che mostra in modo soddisfacente, e con delle sei corde stoppate che aggiungono grip al sound, le due facce della band, quella puramente metal e quella melodia. Un potenziale singolo è Angel’s Suicide che ha la capacità di entrare in testa al primo ascolto, noi soffermandoci sui dettagli di questo album preferiamo enfatizzare gli interessanti assoli (di nuovo citiamo Doorway To Salvation), il riffing compatto ma che non ostenta mai in tecnicismi e il sound massiccio che viene fuori come un’unica forma distruttiva, elemento distintivo della proposta degli Enemy Inside.

Striker – Play To Win

Se non giochi, non vinci. No, non è una pubblicità del Lotto ma è la filosofia di questo Play To Win, sesto lavoro dei canadesi Stryker che di sicuro la voglia di vincere ce l’hanno, e quindi giocano. Prima di un commento tecnico su questo album è bello specificare che è stato possibile anche grazie al contributo statale che il Canada mette a disposizione delle band indipendenti che aderiscono al programma “Factor”, ente che sostiene gli artisti emergenti attraverso produzione, distribuzione e promozione in radio e media di settore. Per questo gli Striker scelgono di giocare, con una propria etichetta, la Record Breaking Records, e di arrivare fino alla nomination per i Canada’s Juno awards, il più alto riconoscimento del Paese, e di vincere l’Edmonton Music Awards and Western Canadian Awards. In tour con Sonata Arctica, Dark Tranquillity e a bordo della 70,000 Tons Of Metal, non si può dire che gli Striker siano dei novellini. Questo Play To Win è infatti un album completo e molto ben realizzato. Le sonorità sono heavy metal classiche, con forti influenze hair e speed, un pizzico di nwobhm e una voce che a tratti ricorda vagamente Michael Poulsen dei Volbeat; un pizzico di glam qua e là e il piatto è servito.

Parte subito con Heart Of Lies, l’album trova una forte accelerata in Head Of Power e On The Run, probabilmente quelle con il suo suono più 80s; assoli e riff azzeccati, anche se non sempre originali, come in Play To Win che dà il nome all’intero lavoro ma forse non è il brano più brillante dell’album. Da segnalare la simil ballatona Heavy Is The Heart e Hands Of Time con quale gli Striker scelgono di chiudere l’opera. Un’opera ben realizzata e prodotta, senza nulla di innovativo ma assolutamente interessante. Come anche il sistema canadese che c’è dietro a queste band. La copertina è molto in stile nuovi anni 80. Un’elaborazione grafica di quattro cani lupi pronti a combattere e a giocarsela per un unico scopo, vincere. All’interno i testi, la foto/disegno della band e ancora i quattro cagnoni rabbiosi. Vedendo la line-up della band resta solo da chiedersi perché i cagnoni non sono cinque?

Albert Marshall – Speakeasy

Altro che guitar hero e heavy metal super tecnico, il nuovo e primo album solista di Albert Marshall potrebbe far impallidire chitarristi, e musicisti in generale, di una certa esperienza! Basti ascoltare l’opener per capire che qui di tecnica ce n’è tantissima (forse anche troppa) e che la velocità per lui e per chi l’accompagna è solo un validissimo alleato per rendere la propria musica più spettacolare. Sugli assoli sicuramente Albert mostra i muscoli senza riserve: è il caso, tra le altre, di Badlands, brano in cui si toccano altre lande complici anche le influenze orientali, eppure al momento in cui si apre lo spazio per la sei corde l’axeman si erge a livelli invidiabili. L’heavy proposto è sicuramente molto debitore alla scena anni 80 da cui attinge contenuti a iosa (Dio, Malmsteen, Whitesnake fino ad arrivare agli Extreme) e anche se in alcuni tratti abbastanza derivativo (non si aggiunge nulla di realmente innovativo) non possiamo non elogiare un album in cui c’è tanto lavoro, tanto studio e tanta energia.

Per chi dovesse trovare unidirezionale l’album consigliamo l’ascolto di Ramshackle Blues che mette in gioco alcune radici di Albert legate proprio all’hard’n’blues (riscomodiamo di nuovo gli Extreme). Un plauso va sicuramente alle due tracce con cantato, Fallen Angel e Tristam Fireland, pezzi che guadagnano una certa musicalità e in cui la ricetta complessiva sembra ancora più interessante, a dispetto dei brani strumentali in cui alcuni passaggi molto fitti sembrano disegnati più per un pubblico di musicisti che per il metaller medio. In generale se amate l’heavy metal, i riff veloci e la tecnica infinita, Speakeasy è un album che vi manderà in visibilio. Garantito!

Silver P – Silver P

Silver P è il progetto di Colombini Roberto Pugnale (la “P” sta appunto per Pugnale), progetto sorto da meno di due anni e giunto in questo periodo al primo full-lenght omonimo. Nove tracce per uno stile che possiamo definire genericamente heavy metal ma che ha varie e diverse coordinate: Road To Hell ad esempio colpisce duro nel segno dell’hard’n’heavy con quel suo riff di scuola Van Halen ed un chorus che resta impresso, The Net abbraccia il classic heavy metal stile Judas Priest (strofa) pur non disdegnando un approccio sonoro thrash molto ricercato da Pugnale, impostazione questa seguita anche in altri brani come Out Of This World che approda proprio al thrash tanto caro a Mustaine ma del periodo Youthanasia quindi senza grosse spigolature. Una considerazione sulla scaletta: a nostro parere Memories, che è molto vicina ad una ballad, andava inserita un po’ più in avanti nella tracklist, considerando che invece si colloca dopo soli due pezzi veri tirati.

Possiamo dire quindi che ciò che emerge è l’heavy lento e cadenzato, e spesso affilato, che fa bene il pari con le linee vocali ma che sembra sempre in attesa di un riff più potente e incisivo che al contrario non arriva (parzialmente appaganti in questo sono 18 e Straight At The Heart). In generale quindi si tratta di un buon album in cui compaiono dei musicisti degni di nota (va segnalata la bravura del singer, sempre all’altezza della situazione) ma che ancora non esprime uno stile personale. Silver P risulta un buon esordio ma la band a nostro parere deve lavorare alla ricerca di un percorso proprio che si differenzi all’interno di un genere che ormai da oltre 40 anni propone già cose molto diverse.

Death SS – Rock‘N’Roll Armageddon

Evolversi rimanendo fedele a se stessi. Sempre e comunque, anche a dispetto delle malelingue e dei bigotti. Ne sa qualcosa l’istrionico e camaleontico “vampiro” Steve Sylvester, anima (nera) dei Death SS, una delle migliori band italiane di sempre in grado di spaziare dall’heavy metal al doom, dal gothic all’elettronica fino all’industrial. Restando credibili e al passo con i tempi. L’ultimo album in studio, Rock‘N’Roll Armageddon – il nono, per la precisione – pubblicato su Lucifer Rising Records è il compendio di un percorso musicale e artistico che ha preso il via nel 1977, l’anno dell’incontro tra Steve e il chitarrista Paul Chain. Sono trascorsi quarant’anni, tra numerosi cambi di formazione e un numero incredibile di concerti (festival inclusi) lungo lo stivale e all’estero, toccando con mano il consenso di fan e addetti ai lavori. Fino a quest’ultimo disco, che segue Resurrection (di cui avevamo parlato a questa pagina) e il live Beyond Resurrection, rispettivamente del 2013 e del 2017. Rock‘N’Roll Armageddon – dove è presente in veste di special guest Al Priest, il chitarrista dei Death SS già presente sull’iconico disco Heavy Demons (1991) – è un album corposo, dai suoni pieni, brillanti e ricercati, che non lascia spazio ad interpretazioni superficiali. Tredici tracce di spessore (a partire dalla title track, il cui ritornello martellante entra subito in testa) per ribadire, qualora ce ne fosse bisogno, che i Death SS sono più vivi che mai.

Segnaliamo brani come Black Soul, introdotto da un organo che suona in modo inquietante, grazie anche ai cori in latino tanto cari a Steve, Zombie Massacre e The Fourth Reich, dove il groove la fa da padrone con (parziali) rimandi al reverendo Manson, Your Life Is Now, forte di un gusto hard rock caldo e leggermente americano, The Glory Of The Hawk, dal sapore western e southern. Ovviamente i richiami all’horror, all’occultismo e all’erotismo, congiuntamente alla teatralità più spinta, sono una cifra stilistica di cui Steve e soci – gli ottimi Freddy Delirio (tastiere), Glenn Strange (basso), Al De Noble (chitarra), Bozo Wolff (batteria) – non vogliono (non possono?) fare a meno. Meglio così. Perché i Death SS sono riconosciuti e riconoscibili anche per questa attitudine, che si esplica in prima battuta negli artwork dei loro dischi (quello di Rock‘N’Roll Armageddon è stato curato da Alex Horley, illustratore di Rob Zombie, Gene Simmons, Dark Horse Comics, DC Comics, solo per fare alcuni nomi). Stiamo parlando di un disco che ha alle spalle un lavoro ineccepibile, certosino – quasi maniacale, com’è professionalmente Steve – che supera in qualità il già più che buono Resurrection.

Anticipato da un singolo (l’omonima traccia con video ambientato in un mondo apocalittico, pubblicato lo scorso agosto) e intriso, in molti brani, di un’aria quasi anni ottanta, Rock‘N’Roll Armageddon è il nono biglietto da visita di una band che preferisce guardare più al futuro che al passato (a qualche loro “collega” fischieranno le orecchie), optando per scelte coraggiose che, a conti fatti, ripagano sempre. L’apocalisse sia benvenuta.

Skarlett Riot – Regenerate

Il nuovo album degli Skarlett Riot dal titolo Regenerate ripercorre le orme di quello che la band britannica ha da subito voluto esaltare. Si tratta di un rock/metal diretto che ha nei chorus il biglietto da visita più marcato. Chloe Skarlett si danna l’anima, con la sua voce terribilmente rock. I rimandi sono a band come Bullet For My Valentine, In This Moment, Asking Alexandria e altri. I riff sono di forte impatto, sorretti da una sezione ritmica che suona compatta, contrappeso di una voce femminile e melodica. Sono dieci le tracce di questo Regenerate, tra cui spiccano l’opener track Break e Stand Alone in cui la sensazione tra diavolo e acquasanta (musica e voce) viene alla luce con maggiore evidenza. Regenerate è un album che si farà largo nelle camere dei più giovani, dai rocker, ai punker, per chi ha voglia di scatenarsi ma al tempo stesso di cantare a squarciagola insieme a Chloe Skarlett. In alto il nostro saluto!

The Scream – Req. Of Redemtpion

Italianissimi, i The Scream guardano all’estero con il loro sound e al passato. Si dicono fortemente legati e influenzati dall’heavy metal e dall’hard’n’heavy in generale, infatti bastano pochi brani del loro nuovo e primo album Req. Of Redemtpion per capire che l’heavy metal ha regnato supremo nelle loro adolescenze; ascoltare il bridge strumentale di Speeder fa venire in mente i Metallica del passato ma anche, per certi versi, la potenza dei Motörhead che arriva decisa con Dear My Death (in cui ci sembra di sentire anche qualche incursione nel thrash). Però c’è qualcosa che esce fuori dai confini fin troppo chiari: l’attitudine e il sound della chitarra sono spesso figli di un punk rock molto emergente, riff che si accavallano distorti e spogli che ci ricordano gli esordi di molte punk rock band americane. La stessa opener ma anche Take Me Higher incastrano il power trio in quella scena, mentre la sezione ritmica invece vira più in ambito metal. Noi sentiamo echi alla Danzig con quel suo rock metal cupo, uno dei brani che ci spinge infatti in queste ambientazioni è Go To Hell, Bastard!, chiaro fin dal titolo.

Un connubio quindi collaudato, si potrebbe parlare di punk’n’roll; di certo i The Scream non sono i primi ad optare per queste soluzioni, ma resta una scelta buona che dimostra una certa tempra nel tracciare il proprio percorso stilistico. Bisognerà vedere se con il tempo, e magari con qualche risorsa economica in più, la produzione non spinga sull’acceleratore del metal e dia una rotta decisa verso un terreno heavy senza titubanze di sorta.

Light The Torch – Revival

La prima cosa che salta all’orecchio sulle prime note del nuovo album dei Light The Torch è la produzione artistica, davvero potente, nitida, odierna, in grado di esaltare tutti gli strumenti e al tempo stesso di spingere i chorus. La band a stelle e strisce, capitanata dall’ex singer dei Killswitch Engage, Howard Jones, ha fatto centro, grazie anche alle trame “popolari” dei chorus, capaci di entrare nella testa dell’ascoltatore senza troppa fatica. Il sound dei Light The Torch è comunque granitico, nonostante la voce porta melodia, interessante questo contrasto tra sacro e profano. La band statunitense è in possesso di una buona caratura tecnica, proprio per questo motivo non ci si annoia, ognuno dei musicisti disegna trame più che interessanti. Come avrete capito vi troverete di fronte a un disco suonato con mestiere, capacità, cantato da una voce che non ha bisogno di alcuna presentazione. Si tratta di un album che suona dannatamente americano, non solo per questioni evidentemente di anagrafe ma per questa forte attenzione alla costruzione della canzone, ponendo la strofa al servizio del chorus in ogni singola song. Revival, è questo il titolo della nuova fatica in casa Light The Torch, non vi deluderà specie se avete bisogno di melodia ma al tempo stesso di forti emozioni e di suoni aggressivi, non aspettatevi “canzonette”.

Nel sound dei Light The Torch c’è un po’ di tutto, anche se la matrice heavy è in prima linea, contaminata da synth, e come detto da una forte dedizione alla melodia. Revival è un album che mi sento di consigliare a chi ha bisogno di forti emozioni ma che al tempo stesso è alla ricerca del connubio con melodia e trame sognanti. In alto il nostro saluto!

Küenring – Küenring

Esordio al fulmicotone per i Küenring che scelgono il proprio moniker per il debut album, una delle uscite di classic heavy metal più interessanti dell’anno. I suoni sono collocati proprio nel pieno di quell’epoca d’oro, il quartetto non ha voluto lucidare e far suonare più moderni i propri pezzi bensì far rivivere le emozioni della NWOBHM proprio dei suoi anni migliori. L’album si apre con Streetfight che scomoda direttamente i Raven: un calcio diretto al fondoschiena per un’accelerazione che sa di thrash e di quell’athletic rock che ha reso famoso il combo dei fratelli Gallagher. Ma le influenze sono tante. Il riffing è spesso di derivazione Iron Maiden (la prima parte di Odyssey è emblematica) finendo spesso per inficiare anche i Metallica, la velocità di esecuzione e l’incedere richiama alcuni diamanti di fabbrica Saxon e talvolta (come in Into The Night) si sente qualche vicinanza delle linee vocali a quelle di Klaus Meine. Un plauso va sicuramente agli assoli: Into The Night, The Unknown, The Hounds Of Küenring sono tra i momenti magici per ogni amanti della sei corde.

Ma fermiamoci un attimo su queste ultime due tracce. The Unknown risulta essere uno splendido estratto dalla magnifica costruzione musicale di scuola Judas Priest, un pezzo che può tranquillamente diventare un’anthem per i Küenring e che noi riascoltiamo più volte molto volentieri. Il consiglio però più sincero è quello di inserire Hounds Of Küenring nella vostra playlist, un brano che è in grado di darvi una dose imponente di adrenalina anche dopo aver fatto un’ora di palestra; potente, veloce ed epico proprio come i migliori Judas conditi da qualche esasperazione metal. Sul finire vanno segnalati i grandissimi pregi strumentali di Rise Of The Madman, sia per i numerosi controtempi che per gli assoli, compreso quello di basso…bellissimo.

Se si dovesse segnalare un punto debole dell’album è forse l’eccessiva lunghezza di alcune tracce, anche a prima occhiata 8 brani per 50 minuti di ascolto (con un brano che non supera il minuto) denotano una durata consistente, ma è pur vero che i ragazzi non si perdono in stupide divagazioni e che macinano note come fossero dotati di mitra uzi. Se amate la NWOBHM crediamo che Küenring sia quanto di meglio possiate ascoltare in questo 2018.

Cayne – Beyond The Scars

Da una costola dei Lacuna Coil (così possiamo dire anche se ci riferiamo ad un’epoca fa) nacquero i Cayne e dopo quasi trent’anni dalla loro formazione il gruppo è ancora qui. Oltrepassate varie difficoltà ma ottenute anche buone soddisfazioni, la band torna quest’anno pubblicando il nuovo (e terzo) full-lenght dal titolo Beyond The Scars. L’album mostra tutta l’esperienza dei musicisti che lo hanno creato e non solo visto che uno dei punti di forza di questo lavoro sta nella produzione, in particolare nella capacità di aver mescolato strumenti così diversi e non aver fatto perdere la personalità a nessuno di essi; noi avremmo preferito una chitarra più laccata in alcuni momenti, meno dirty ma si tratta solo di gusti. I brani sono tutti molti compatti, la sezione elettrica collabora nella direzione di creare un suono unico, molto in your face, in connubio con la batteria sempre ben presente; gli altri strumenti orpellano le tracce e aggiungono arrangiamenti ben pensati e sicuramente essenziali per la riuscita del sound.

Convincente il singolo Blessed By The Night, sia per il chorus che si lascia cantare, sia per le strofe che creano uno staccato davvero piacevole rispetto all’energia del ritornello; intriganti i testi che fanno immedesimare la band come una sorta di lupi rock (“Sleeping all the day ‘til the sun goes down…looking for blood and sex drugs and rock’n’roll“). Discorso simile per A New Day In The Sun, altro momento piacevole che nel riffing iniziale ci aveva portati addirittura all’epoca dei Mudvayne. In questo lavoro compaiono anche momenti più pacati come One More Chance che ricorda qualcosa dal sapore Europe ma con il trademark dei Cayne caratterizzato da tastiere gotiche, violino e riff che esplodono al momento giusto; brano questo che fu composto dal chitarrista Claudio Leo, venuto a mancare cinque anni fa. Alcuni brani sono a nostro parere meno diretti, come l’opener un po’ troppo lunga in quanto a durata e The Asylum Of Broken Hope un po’ troppo lenta come ritmo; il pane per i nostri denti invece si chiama Bad Blood, con la sua anima gotica e i suoi picchi metal, e Slave che sarebbe un ottimo singolo capace di penetrare nei cuori dei rocker e non solo.

Beyond The Scars suona decisamente moderno ma dobbiamo ammettere che nell’epoca del nu metal avrebbe fatto sicuramente faville. Oggi, a distanza di molti anni, possiamo dire che ne mantiene una certa personalità, fatta di chitarre in prima linea ma anche di chorus orecchiabili e buone aggiunte (violino, tastiere). Se vi abbiamo instillato curiosità allora un ascolto è più che doveroso.