Napoli Centrale – Qualcosa Ca Nu’mmore

Terzo ed ultimo capitolo, prima della lunga pausa che durerà fino al 1992, targato Napoli Centrale. Abbandonato sia il mood naif del primo omonimo lavoro sia l’eccessivo perfezionismo del secondo Mattanza, Senese e Del Prete affrontano pieni di dubbi ed incertezze il terzo album. Rodati da continue tournée il gruppo doveva decidere se abbandonare le tentazioni progressive del primo periodo, continuare con il discorso fusion abbozzato nel secondo o tentare strade nuove, financo distruggere il progetto. Rimaneggiata nuovamente la formazione, con l’ingresso del nuovo bassista Ngtù Mabula (probabilmente un giovane Pino Daniele in incognito), vengono finalmente alla luce le idee musicali: pur senza abbandonare il prog, il progetto unitario del duo Senese/Del Prete rappresenta un viaggio purificatore nelle acque e tradizioni che si rispecchiano nel mediterraneo, fuori dalla gabbia del sempre crescente pop italiano (ormai nella società italiana incombeva il riflusso e gli edonistici anni ’80 erano in agguato). Purtroppo il disco ormai esce quando il gruppo non esiste più. Da lì a poco Senese seguirà Pino Daniele nella sua carriera solista, diventando a sua volta uno dei protagonisti del filone Neapolitan Power, per poi dare anche alla luce tre buoni album jazz rock a suo nome.

Qualcosa Ca Nu’mmore si presenta con una copertina molto particolare: una cornice di uno specchio senza il vetro. Un oggetto dunque apparentemente inutile, privo di ogni sua funzione ma in realtà carico di significato. Abbiamo detto che il gruppo era ormai finito e il dinamico duo lo sapeva perfettamente. Quale migliore occasione per guardarsi in uno specchio rotto cercando il futuro? Il disco si apre con O Nemico Mio. Dure percussioni scandiscono un tempo sghembo, rotto, sul quale si stagliano i duri versi di Senese, una dichiarazione di guerra contro chi lo ha tradito. La frase “Lo vedi? Sono stato buono” (traduciamo dal napoletano) si ripete più volte confermando il tradimento “…mi convincesti e dalle mie carni nacque Cristo” fino alla beffarda conclusione “…sono stato bravo…ma ora mi sono rotto il cazzo”. Dopo questo assolo batteria-voce parte il brano con una scansione ritmica molto violenta soprattutto grazie al Mitch Mitchell d’oltreoceano Franco Del Prete. Napoli chiama Harlem, Miano (quartiere di origine dei due) chiama il Bronx. Otto minuti senza respiro. Segue O Specchio Addò Me Guardo strumentale con una bella linea di basso (bravo Ngtù… o Pino?) e influenze partenopee che si stagliano dal tema principale. Può ricordare la vecchia Pensione Floridiana dal primo, fantastico, album. La title track Qualcosa Ca Nu’mmore è la terza traccia. Un pianoforte malinconico fa da tappeto agli aspri sassofoni di James, con la batteria che assume un tempo marziale portando il brano alla sua naturale conclusione. Un’altra grande strumentale.

Entra il capolavoro del disco A Musica Mia Che R’è. James dialoga con se stesso tra le sue urla e il suo sassofono torturato, devastato. È una dichiarazione d’amore per quella musica tanto cercata, tanto inseguita, “…lo specchio dove mi guardo”, mezzo sangue come il suo autore. Coltrane dove sei? James ti sta chiamando! A Musica Si Tu è una ennesima strumentale. Ennesima ma sempre di alta classe. Chiude l’album Nun Song Na Vacca: canto di protesta simile al vecchio Campagna. I Napoli Centrale non sono vacche che abbassano la testa, davanti al macello, pronte a morire e lo hanno dimostrato. Anche in questo brano i sax di Senese, sempre aiutati dall’ottima sezione ritmica, rappano, parlano, ragionano, sapendo che un’epoca si è chiusa. Addio anni ’70, benvenuti lustrini anni ’80.

Piccola nota: il disco è praticamente introvabile nel supporto cd. Fu ristampato intorno la metà degli anni ’90 dalla Ricordi e da allora è fuori catalogo. Inutile dire che si trova nel campo dell’usato, anche se ormai è molto raro, ma a qualche fiera del disco lo si trova. Più semplice da trovare è il vinile, che ogni tanto salta fuori su ebay. il prezzo non dovrebbe superare i 40 €.

Banco Del Mutuo Soccorso – Banco Del Mutuo Soccorso

Incredibile esordio discografico per il Banco Del Mutuo Soccorso, una delle formazioni italiane progressive più interessanti di sempre. Il gruppo, nato per volontà del tastierista Vittorio Nocenzi, si presenta al pubblico con una cover che rimarrà negli annali del prog, spesso rappresentativa proprio del movimento: una sofisticatissima cover sagomata a forma di salvadanaio, dalla feritoia si estraeva un cartoncino con i volti dei membri del gruppo e all’interno era presente una bella immagine opera di Mimmo Mellino. Questa per rimarcare nuovamente le grandi, se non enormi differenze, tra la magia del disco in vinile e la misera controparte del compact disc (per non parlare dei digital download!). Il gruppo poteva contare sul vocione, nonchè sulla presenza scenica, del “grande” Francesco Di Giacomo, forse una delle voci più pulite in assoluto del prog italico così differente dallo sperimentatore Demetrio Stratos. Prima traccia è In volo: un sogno ispirato ad Ariosto, un invito a lasciare “lente le briglie del tuo ippogrifo, o Astolfo..” lasciarsi cullare in questa astosfera antica, arcaica poter vedere realmente “…ciò che si vede è” per poi piombare in quella bolgia violenta di R.I.P (Requiescant In Pace). Qui l’atmosfera cambia decisamente, si parla di una guerra e la musica in sottofondo lo ricorda perfettamente.  Il brano è suddiviso in due parti, una prima, come dicevamo, violenta, improvvisa ben diversa da quella filastrocca che l’ha preceduta. L’effetto che dà, anche tenendo conto del periodo storico in cui fu rilasciato il disco, è di “teletrasporto” da un’epoca placida direttamente agli anni di piombo. Un hard rock zeppeliniano con influenze quasi proto-metal. La seconda parte, più delicata, rappresenta l’agonia precedente la morte di un soldato. Ulteriore angosciante tensione che renderà più arioso il requiem finale.

Subito dopo arriva Passaggio. Vittorio Nocenzi sosteneva che l’album era formato di varie stanze tutte collegate tra loro e il brano in questione era un cunicolo, un passaggio musicale “segreto” ideale, un po’ come le varie Promenade di Pictures At An Exhibition dei EL&P (o meglio di Modest Petrovič Musorgskij) che rappresentavano il collegamento tra un quadro e l’altro. Molto bello questo passaggio, suonato con un clavicembalo, simbolo di quanto il progressive fosse legato a doppio filo alla musica barocca o classica. Metamorfosi è uno dei punti più alti dell’album, dove viene in rilievo la maggiore volontà di sperimentazione del gruppo romano. Qui vi è di tutto di più: jazz rock, prog, musica classica. Più di otto minuti di follie per fare spazio nuovamente alla voce di Di Giacomo che declamando gli ultimi versi introduce il capolavoro dell’album, Il Giardino Del Mago, lunga suite di oltre diciotto minuti dove convivono i virtuosismi musicali del combo: basti pensare alla chitarra elettrica suonata con l’archetto, il clarinetto suonato con l’effetto wha, l’organo Vox Continental suonato nell’eco Binson. Momenti tesi si alternano a momenti rilassati, veri e propri scoppi d’ira vengono tenuti subito dopo a freno. Magica forse è l’unico aggettivo per definire questa suite, anche per via del fatto che oggi siamo abituati ai “3-minuti-3” di ogni canzone.

Conclude l’album Traccia. Una danza campestre, una sagra della primavera ricca di riferimenti colti, ricercati. Basti pensare che l’organo finale cita addirittura il secondo preludio in do minore del Clavicembalo Ben Temperato di Bach. Questo disco fu considerato un ottimo esordio ma con il successivo i B.M.S si espressero come non mai. Incombevano i dinosauri di Darwin, il primo concept album italiano di sempre.

Napoli Centrale – Napolit Centrale

Napoli, 1975…Napoli crocevia di culture, incontri, razze. Napoli che ribolliva di Neapolitan Power, di ragazzi che volevano cambiare l’immagine della città, che volevano lasciarsi alle spalle il “sole-pizza-mandolino” che tanto ammorbava l’aria. Oltre la facciata dei Peppino di Capri, dei Mario Merola, dei Nino D’Angelo, delle canzoni di mala, degli “sciusià” ormai invecchiati, qualcuno si metteva d’impegno per cambiare la giostra. James Senese, Mario Musella, Franco del Prete, già con gli Showmen, dimostrarono che il soul non è solo patrimonio dei Neri americani, ma anche dei “neri a metà”: Senese soprattutto, faccia da americano mancato e parlata da chi è nato, cresciuto e pasciuto a Miano, quartiere popolare di Napoli. Per non parlare di Mario Musella, indimenticato frontman degli Showmen, bassista anzitutto ma di fatto la più bella voce italiana dopo Demetrio Stratos, prematuramente scomparso a soli 34 anni, anche lui di più razze (precisamente pellerossa). Ma non erano i soli che si aggiravano nella antica Partenope. Già Eduardo Bennato si era preso il titolo di rinnegato dal fratello minore per aver abbandonato la tradizione musicale. Gli Osanna mostravano in Italia il teatro di Strada, I Rovescio delle medaglia, I Cervello, I Saint Just diffondevano il verbo del prog dalla città a tutta Italia e un piccolo Pino Daniele stava iniziando ad accordare bene la propria chitarra per comporre il proprio repertorio (ironia della sorte il suo primo ingaggio serio sarà come bassista dei nostri Napoli Centrale).

Dunque il nostro James, dopo la fine degli Showmen, salutato il suo compagno ai fiati Elio D’Anna, forma i Napoli Centrale insieme al suo sodale Franco del Prete. Il nome, suggerito dal Dj Raffaele Cascone, esprime l’anima del gruppo musicale che rappresenta. Napoli Centrale fa pensare alla stazione ferroviaria, ai bagagli, agli arrivi e alle partenze, allo scambio di culture, ma anche alla città di Napoli, passionale e carnefice nello stesso momento. Già dalla cover dell’album capiamo che qualcosa di strano si muove nell’aria. Una campagna post-atomica, quattro figure di spalla, nuvole gravide di pioggia al posto del “sole napulitano”. Insomma capiamo che della Napoli da cartolina, del Pino di Posillipo non ci sta nulla. Inserito il disco veniamo accolti da una placida e breve intro dove James annuncia i musicisti ma in pochi secondi addio calma: parte l’epica Campagna. Prog selvaggio, un piano rhodes che tiene le fila, poche note di basso elettrico una batteria selvaggia che dirige il brano e lo porta dove Senese vuole con quei suoi sassofoni, che urlano, sbraitano, ragionano. Il testo è senza speranza. Si racconta dei braccianti di San Nicola (provincia di Napoli) che si spezzano la schiena per poche lire mentre “la padrona fa la signora e si ingrassa sempre di più”, del figlio del bracciante che non ha alcuna speranza di migliorare la propria vita, già segnata, e quindi si troverà schiena a schiena tra le terre con il padre. Testi vomitati in un dialetto stretto, di difficile comprensione anche per un napoletano, di rivolta, di impegno. Pregni di quell’impegno politico tipico di un epoca che ormai è passata, di feste del proletariato, di re nudi.

A gente ‘e Bucciano, all’epoca buon successo,  non fa che esasperare il discorso già intrapreso. Ritmica serrata, basso elettrico presente e invadente e addii al proprio paese per lavorare al nord Italia nelle fabbriche (Bucciano è un piccolo paese in provincia di Benevento). Ma non è di certo un addio ai monti di Manzoniana memoria. È uno sputo in faccia al proprio paese, alla propria Città.  Pensione Floridiana da un pò di respiro. È uno strumentale delicato, jazz rock (oggi diremo fusion) con una linea di basso che rimane nella memoria. Funge da aria fresca per il prossimo attacco. Viecchie Mugliere, Muorte E Criaturi. Groove funk scurissimo, un Del Prete e Wamsley mai così in forma come in questo pezzo, con Senese che declama le liriche accompagnato dal tappeto sonoro del piano di Mark Harris. Il brano non fa altro che continuare il discorso di Campagna e ‘A gente ‘e Bucciano quasi come un concept. In questo capitolo il bracciante prende coscienza dell’impossibilità di sfamare se stesso e la propria famiglia con il lavoro della terra e va in fabbrica a lavorare lasciando nel paese solo anziani, mogli, deceduti e bambini. Nonché alcune figure quasi da paese del terzomondo come lo scemo del paese, l’anziano sciancato e il cane rognoso con costole in bella vista. Vico Primo Parise N.8 è un altro strumentale jazz/prog/rock di buona fattura. In fin dei conti se si trattava di improvvisare Senese e soci non erano secondi a nessuno. Ultima traccia è ‘O Lupo S’ha Mangiato ‘A Pecorella. Voci folkloristiche come in un antico mercato, risate sguaiate e un massiccio attacco satirico al potere che divora il debole.

La Nuova Napoli è qui ed avanzava cercando di lasciarsi alle spalle il manico “funiculì funiculà”, che già in No grazie, il caffè mi rende nervoso uccideva James stesso, perchè esso stesso incapace di comprendere le novità. Novità come questo album che, sebbene del 1975 sembra uscito oggi.Uno dei dischi fondamentali del prog rock italiano.

New Trolls – Concerto Grosso per i New Trolls

Premessa: la versione originale, edita su vinile nel 1971, conteneva l’opera Concerto Grosso. A causa della breve durata, alle successive ristampe in cd venne aggiunto anche il Concerto Grosso n.2 del 1976. In questa recensione verranno analizzati solo le prime cinque tracce costituenti il Concerto Grosso n.1. Rock e musica classica. Violino e chitarra elettrica. Contrabbasso e basso elettrico. I due mondi, sebbene così distanti, hanno avuto più volte vari flirt. Tutto iniziò con i Deep Purple che nel 1969 decisero di infrangere il tabù dei musicisti classici e accomunare la Fender Stratocaster al più nobile primo violino, grazie alla passione di Jon Lord per la musica sinfonica. In Italia i New Trolls furono i primi a tentare la strada “classica”. Complice il compositore Luis Enriquez Bacalov, il gruppo si trovò in sala di registrazione con una vera e propria orchestra, pronto ad affrontare un concerto grosso di chiara ispirazione barocca. L’opera consta di tre movimenti e, a ben vedere, dura decisamente poco: meno di venti minuti più il brano Shadows (per Jimi Hendrix).

Anzitutto una piccola precisazione. Il disco nasce come colonna sonora (queste informazioni le trovate solo nel vinile) del film La Vittima Designata, un bellissimo noir diretto da Maurizio Lucidi e interpretato da un istrionico Tomas Milian. Gli stessi brani li trovate, con la soundtrack composta dagli Osanna, anche nel capolavoro poliziesco (o meglio “poliziottesco”) Milano Calibro 9, del quale chi scrive ritiene sposino meglio la trama. Dunque analizziamo il disco. La prima traccia, Allegro, funge da introduzione. Bellissimo il tema rock, di chiara derivazione Jethro Tull, che si interseca con la maestosa orchestra, fino al solo di chitarra che riporterà l’Allegro sui binari giusti. Segue l’Adagio, ispirato dalle opere di Albinoni, con una chitarra che si leva dagli scudi e introduce il tema. Da notare, così come riportato anche nelle note, che il suono delle elettriche di Di Palo e de Scalzi assume sonorità da violoncello, effetto ottenuto dopo vari tentativi. Certo è un suono molto particolare, ma se volete realmente sentire la famosa “chitarra-violoncello” dirigetevi sul solo di Love Of My Life dei Queen (album A Night At The Opera). Assolutamente splendide le voci che tra falsetti e armonie vocali declamano il testo, scritto da Shel Shapiro dei Rokes, che si conclude con le famose frasi “To die, to sleep, perchance to dream” tratte dall’Amleto di Shakespeare. Carino il finale dove la chitarra si confonde con gli archi trasformandosi in un primo violino

Terzo movimento, Cadenza, inizia con una cadenza di violino, in perfetto stile barocco, che innesca un moto perpetuo in cui gli strumenti del gruppo svettano alti. Solo verso il finale ritornano le voci del gruppo ripetendo, in maniera contrappuntistica, il testo di derivazione shakespeariana. Shadows (per Jimi Hendrix) è distaccata dal Concerto Grosso in quanto, pur riprendendo il tema dell’Adagio, se ne distacca proponendosi come tributo a sua maestà Jimi Hendrix, morto l’anno prima, musicista fonte di ispirazione dal gruppo. Qui Nico di Palo, considerato l’ “Hendrix italiano” da tutto se stesso per riprodurre tecniche e suoni del genio mancino di Seattle. Non da meno l’accompagnamento sia di un isterico de Scalzi al flauto (a tratti sembra quasi di sentire un duetto tra Jimi e Ian Anderson dei Jethro Tull) sia di Maurizio Salvi all’organo (sebbene non accreditato sul disco). Così si chiude la facciata A del vinile.

L’intera facciata B è occupata da una complessa improvvisazione del gruppo nella sala ormai priva di orchestra. Il gruppo, libero dalla direzione del maestro Bacalov, sfoga tutta l’energia repressa in una lunga jam tra il prog e l’hard rock più sanguigno. Finalmente la chitarra elettrica di Di Palo, imbevuta di Fuzz, può librarsi magnificamente ben sorretta, o meglio spalleggiata, dal demoniaco flauto traverso di Vittorio de Scalzi che canta, bestemmia, impreca, urla proclami, pare “rappare”. Belleno e D’Adamo, rispettivamente alla batteria e al basso, non sono da meno. Hanno tutto il peso ritmico sulle loro spalle e, sapendolo perfettamente, sostengono quel peso monumentale con maestria ed eleganza non disdegnando soluzioni ritmiche quasi punk (nel 1971!). La parte cantata è relativa al brano Il Sole Nascerà, uscita pochi mesi prima su 45 giri. Tentazioni lounge si manifestano verso il nono minuto grazie ad un grosso assolo di organo hammond che porta in gloria tutto il resto del disco.

Nella ristampa in cd è stato inserito anche il Concerto Grosso n.2, disco del 1976, che ebbe un successo inferiore al primo, sebbene di assoluto valore, dove spicca Le Roi Soleil, piccolo tributo del gruppo ai Gentle Giant. Consigliamo di recuperare la versione in vinile, sia del primo che del secondo concerto, per per gustarli meglio!

Spettri – Spettri

Anzitutto una precisazione: parliamo di un disco nuovo (non una ristampa) registrato nel…1972! Esatto. Il disco in questione fu registrato nel 1972 ma la bobina fu messa in un cassetto e mai commercializzata. Solo grazie alla caparbietà di un giovane speaker radiofonico, e naturalmente ai ragazzi della Black Widow, il lavoro fu riscoperto, masterizzato e portato alle nostre orecchie. Gli Spettri erano i tre fratelli Ponticiello più Melani all’organo e Di Ruvo alla batteria, lo stile portato avanti, come quasi tutte le band (anzi complessi) italiane di metà ’60 è il beat derivante dall’invasione inglese. Solo nei primi ’70 suoneranno un hard rock più “sanguigno” a là Led Zeppelin, Deep Purple, Uriah Heep e Iron Butterfly, facendosi notare nelle esibizioni in terra toscana e laziale anche per la loro “potenza” sonora. Questo cambiamento si rispecchia nel loro unico lavoro Spettri, nato nel 1970/1971 e registrato, in un’unica sessione, nel 1972. L’opera è una suite in quattro parti (più un’introduzione parlata): tratta di un uomo che, avvilito dalla società egoista ed ipocrita che lo circonda (e stiamo solo negli anni ‘70!), decide di avviare un contatto con l’aldilà tramite un medium, ma non ottenendo alcuna risposta ai suoi quesiti, deluso, impazzisce.

Ottimo l’artwork: bella la copertina con un dipinto di Fèrida (La Vita Oltre La Morte) che ben illustra il concept. Ottime le note interne con preziose foto e curiose informazioni. Musicalmente siamo in terra hard rock più che prog (anche se nel 1970 non si parlava ancora di prog) con le lunghe suite scosse da riff di ispirazione Led Zeppelin e Black Sabbath (la parte prima ricorda istintivamente Black Dog) e lunghi dialoghi/duelli tra chitarra/organo. Belle le parti di chitarra acustica, così vintage, con arpeggi che richiamano anni lontani. L’ultima parte, Incubo, è più riconducibile al prog vero e proprio con la bella voce di Ugo Ponticiello che dialoga sia con la Gibson Sg del Fratello Raffele che con il potente Hammond di Melani. Simpatico il richiamo al blues negli ultimi secondi. La registrazione di per sé è un po’ scadente ma teniamo presente che le registrazioni italiane dell’epoca erano tutte sotto tono (specie per gli standard attuali). Basti pensare al primo album della P.F.M. o addirittura ai primi album di Frank Zappa (che erano inascoltabili per quanto registrati male).

Il disco appare sicuramente un po’ datato ma ciò che conta è proprio la sua importanza storica: parliamo di un complesso formato da ottimi strumentisti che, purtroppo, non ha lasciato altre tracce della propria esistenza. Ed è un vero peccato, perché considerato il periodo storico poteva tranquillamente porsi a pari grado affianco a band più blasonate (Le Orme, New Trolls, Area) non solo nazionali ma internazionali. Merita un attento ascolto.