Tommy Talamanca – Na Zapad

Parlare di Tommy Talamanca è semplice e difficile allo stesso tempo. Semplice perchè si tratta di un musicista molto noto: portato in auge dai suoi Sadist diretti insieme all’amico Trevor, Tommy nel tempo si è distinto anche per ruoli che andavano oltre la tecnica allo strumento, passando anche alla parte della produzione e collaborando anche con giovani formazioni (come quella dei Morgana da noi recensita a questa pagina). Al tempo stesso però è molto complesso inquadrare il suo operato, stiamo pur sempre parlando di un artista che compone le parti di chitarra e di tastiera e le esegue contemporaneamente durante i brani dei Sadist per poi passare a sviluppare delle proprie idee lontane dal technical death metal della propria band madre. Così avviene per il suo primo lavoro solista, Na Zapad, che spiazza chi lo vorrebbe vedere alle prese con una sei corde robusta e delude chi si aspetta esercizi chitarristici di alta perizia tecnica. Qui il desiderio di lasciarsi andare, di dare libertà di espressione ai propri pensieri (e non limitarli al sound Sadist ormai troppo collaudato) è troppo forte per trovare paragoni. Arevelk Arevmutk già offre un’altra idea dell’arzigogolo di vie che l’artista vuole attraversare, inserendo anche degli effetti metal che nell’opener Vostok non c’erano. Ma al di là delle varie influenze che questo Na Zapad fa emergere, si intuisce la vera passione di Tommy per il progressive e per le sonorità settantiane. Non si tratta però dell’unica matrice di base dell’album: in queste dieci tracce synth, tempi dispari, ambientazioni cupe ma pur sempre artistiche si alternano nella direzione di un’opera di certo complessa e con tante cose da dire (come le parti jazzy in Wala).

Oeste è un buon esercizio chitarristico, senza usare la vena elettrica, mentre Nbb si concentra di più sulla sezione ritmica. Due elementi diversi della stessa medaglia. Completamente strumentale l’album, pur optando su diversi fronti musicali, vive di un certo ancoraggio in quella che è la ricerca di un’ambientazione particolare, di volta in volta diversa da traccia a traccia. Un lavoro di certo certosino sull’aspetto compositivo che riflette di esercizi stilistici ripetuti spesso molte volte, elemento questo molto comune in album in cui è solo un artista a ideare i singoli brani, facendo mancare il contributo del “gruppo” nel suo senso più pieno. I tantissimi effetti, i nomi impronunciabili delle tracce, le percussioni, sono tutti fattori che permettono ai fan di Talamanca di scoprire nuovi mondi e un nuovo modo di interpretare la musica per qualcuno che aveva abituato troppe persone al death metal e basta. Na Zapad risulta il viaggio che non era stato ancora compiuto dal suo artefice, un viaggio che probabilmente era nella sua mente da parecchio e che attendeva il momento giusto per essere vissuto a pieno, altrimenti non avrebbe avuto lo stesso valore.

Hexvessel – Iron Marsh

Gli Hexvessel non sono una band, ma un progetto di vita e una missione per il chitarrista e compositore Kvohst. Questo strambo musicista vissuto in Norvegia e Olanda, trasferitosi a Helsinki (Finlandia) per ritrovare il contatto con madre natura, dà alla luce il secondo lavoro degli Hexvessel intitolato Iron Marsh. L’album esce sempre sotto l’ala protettrice della Svartrecords, l’opener Masks Of The Universe con i suoi tredici minuti di psychedelic doom folk ancestrale raccoglie quanto avevano precedentemente detto per il precedente e ottimo No Holier Temple. La melodia della voce salmodiante, le chitarre acustiche contrapposte all’organo ieratico e i cambi d’atmosfera ricchi di pathos sono una formula magica che risuona affascinante e allo stesso tempo temibile. L’armonia vocale di Superstitious Currents richiama alla mente In The Court Of Crimson King, primo ormai mitico album della premiata ditta Fripp. La presenza di Rosie, impegnata nella cover Woman Of Salem (Yoko Ono Plastic Band), aggiunge un tocco delicato al tutto. L’andamento ritmico uniforme e lento viene trasportato via dal flusso di wah-wah liquido, per la sua musicalità accattivante, che non rispetta melodicamente l’originale ma ne perpetra il messaggio, lo potremmo definire il loro singolo.

L’immaginario evocato, fatto di fitte foreste e vegetazione lussureggiante avvicina l’ascoltatore Madre Natura il cui monito viene espresso attraverso l’uso di fiati, flauto nello specifico, suonati da Alia (Blood Ceremony) in Don’t Break The Curse che sfrutta uno spoken molto simile a Feast Of Friend dell’ultimo Jim Morrison. Chiude Woman Of Salem in versione radio edit. Un nuovo centro per gli Hexvessel.

Füsch! – Mont CC 9.0 First Act

Bello giocare con i titoli delle tracce o con quelli dell’album che spesso non vengono richiamati nemmeno da una riga di testo. Il nome che i Füsch! assegnano alla loro prima uscita discografica è tanto di impatto quanto incomprensibile: Mont CC 9.0 First Act. A noi è chiara solo l’ultima parte, essendo questo lavoro di cinque tracce un primo passaggio di una trilogia completa che vedrà nel prossimo ottobre e nell’aprile del 2014 giungere ai prologhi successivi. Il concetto di trilogia va molto di moda ultimamente, sia nel mondo cinematografico che in quello puramente musicale e ad ascoltare questo lavoro l’accostamento tra queste due forme d’arte diviene ancora più spontaneo. Non si può parlare di strofe e ritornelli con loro, meglio riferirsi ad ambientazioni o lugubrazioni che danno vita a suoni cupi e melodie intricate, un totale secondarietà alle liriche laddove sono le note che prendono il sopravvento, senza un impatto orecchiabile ma pur sempre con un contenuto emotivo. Rock acido, spuro, con degli slanci prettamente psichedelici conferiti non solo dalle voci femminili (voci o cori?!) ma anche da quel sapore settantiano che pervade l’opener Broken T-Shirt; le sonorità divengono ancora più introspettive con Cosmogenesi 9.0 e il suo incedere psych, a tratti pinkfloidiano, che acquisisce carica solo grazie ad una chitarra elettrica comunque in secondo piano.

Diversa l’ambientazione di Sbando Alle Mancerie che sembra estratta da un lavoro diverso, più solare, figlio del rock‘n’roll ma non senza qualche sostanza chimica. La conclusiva Cathering Deneuve è l’opera completa: nove minuti (un numero che piace alla band) che, pur ancorati in un rock se vogliamo un po’ garage, si complicano la vita inserendo elementi non banali come voci effettate, assoli di chitarra quasi fuori genere e una tromba inaspettata. Un lavoro interessante anche se andrebbe visto e valutato insieme ai suoi due inscindibili e futuri capitoli.

Sin’ Sound – From The Underground

A volte si rasenta il puro piacere fisico anche nel recensire un lavoro discografico. Il piacere di ascoltare nuove proposte e ben congegnate a livello compositivo rende davvero gaudenti nell’ascoltare ciò che band emergenti offrono con schiettezza e generosità. È esattamente il caso dell’italianissima proposta odierna, in cui mettere un pizzico di sano sciovinismo e di cui menare anche vanto. Reduce da esperienze pregresse, la band in questione (anzi, quasi una mini orchestra) non lesina energia, ispirazione, progettualità e voglia di stupire, ivi compresa una sezione di fiati. Anche la registrazione dell’album è fuori del comune: effettuata completamente in sede analogica e con l’ausilio di strumentazione di spessore e livello superiore, la band sforna davvero un prodotto di classe, che non mancherà di suscitare commenti positivi. Celebration Of The Apathy ci riporta alle atmosfere hardrockeggianti classiche anni ‘70 in cui il singer mantiene un tono ruvido e sporco il giusto, mentre il drumming è energico ci catapulta su polverose autostrade californiane roventi di metallo fuso. Il buon assioma proposto dalle due asce ci sorprende piacevolmente con la sua intensità nel riff e con la sezione ritmica molto precisa e dalla battuta secca. Preparing The Journey si mimetizza dietro un soul/funk inatteso, grazie alla voce abilmente camuffata del singer che idealmente si spoglia dei panni del rocker per rivestire quelli di un bluesman incallito. A testimonianza della loro poliedricità, l’accompagnamento della tromba, con un gradito solo, rende il brano piacevole e orecchiabile nella sua interezza, mentre la presenza delle sei corde viene tenuta in sordina, in semplice funzione ritmica….ma non tanto da non far sentire la sua presenza nel brano, con un riff non indifferente.

La metamorfosi stilistica prosegue con la titletrack: presenze incontaminate del “dirigibile” si avvertono negli stacchi improvvisi delle percussioni e nei tempi volutamente inframezzati della sezione ritmica, che rallenta e riprende con nonchalance. Il lavoro chitarristico ci riporta a certe atmosfere hendrixiane della sua fase “trip-sperimentale”: e non appaia irriverente il paragone, nel momento stesso in cui il singer si carica sulle spalle il peso del brano per ammaliare la platea, già ben lavorata ai fianchi dall’ossessivo ritornello e dalla solista che in sottofondo macella note sempre più distorte. Anche su di un brano apparentemente “minore” quale A Bad Day la band piazza la zampata d’autore: chitarre qui distorte al massimo consentono un buon lavoro tecnico al drumming potente e metodico; la taratura degli strumenti viene leggermente ammorbidita, specie nella battuta della grancassa, che qui lavora molto di pedale e tende a mostrare anche il lato psichedelico nel passaggio centrale del brano. Easy Escape From Reality è l’ennesima trasformazione: un blues che più non si può, a base di ritmi lenti su cui il singer possa giostrare a suo piacimento, consentendo ai due guitarists di esercitare a piacere il loro sound “profondo sud”, in perfetto Skynyrd-style, con tutta la punta di originalità possibile, ivi compresa la slide che delicatamente accompagna la solista verso un infuocato solo finale, come solo Alabama e Louisiana insegnano.

I Really Like You’re Back continua ad ispessire il valore dell’album: ancora il drumming in evidenza ed ancora un ottimo gioco di corde che dà il la alle evoluzioni vocali del singer. Mentre lo sbizzarrirsi delle asce continua per suo conto, gli arrangiamenti del brano sono validi al punto da permettere al basso di condurre le danze quale faro illuminante. Roco il giusto, il singer ancora una volta tira dritto per la sua strada senza scendere a compromessi. Ottimo l’incedere di New Year’s Reason To Pray, in cui l’intro delicato delle percussioni acquista gradatamente corposità, grazie all’ottima performance del sax che dona una linea sonora davvero varia e ben condita in salsa rock-sperimentale-psichedelica. Ancora a suo agio, il combo non perde una battuta nell’esecuzione di ogni passaggio. La sorpresa del disco è giunta: Elisa, a dispetto della dolcezza del nome, ci ricorda le migliori soundtrack dei poliziotteschi anni ‘70: il ritmo incalzante del sound ed il groove coinvolgente che in seguito si sviluppa avrebbero fatto la fortuna del compiantissimo Maurizio Merli. Se occorreva ulteriore prova della validità della band, eccola servita; il singer continua ad essere ispirato, le asce sono ancora attizzate e la sezione ritmica non perde colpi, macinandoli anzi sotto la forza dei colpi di maglio che la voce dona all’atmosfera ormai incandescente del miglior brano del disco, senza dubbio e con una nota di merito sino allo screaming finale.

La voce di Zugno regna sovrana sino all’ultimo brano: Mr.Goodbye è un crescendo da film noir. Non ci aspettavamo tanta offerta in tanta ristrettezza di brani, appena 9, ma che ne valgono per i canonici 12 delle attuali pubblicazioni. Adrenalina pura e atmosfere da bistrot malfamato, per una band che ci auguriamo si mantenga su questi livelli, al momento vicini all’eccellenza. Grazie al gusto della sperimentazione che a volte paga bene come in questo caso.

Kaos IndiA – Kaos IndiA

L’autoproduzione è un luogo comune, uno specchietto per le allodole che un tempo si confondeva con il termine “underground”. Poi l’underground è divenuto un genere musicale e ha finito di essere underground. Intanto è arrivata la tecnologia e anche l’autoproduzione ha smesso di essere autoproduzione nel senso stretto del termine e gli album che non vedevano alle spalle grandi nomi hanno iniziato a godere della qualità (spesso sonora, meno spesso ideativa) di prodotti musicali costati centinaia di migliaia di euro. Allora cos’è un’autoproduzione confrontata ad un album mainstream? Nulla di più né nulla di meno. Ciò che conta sono le idee che sono alla base e come sono espresse. In questo primo EP dei Kaos India la domanda che ci siamo appena posti rende ancora di più il suo significato. Kaos India, due parole che si scontrano l’un l’altra: la prima dà il senso del rumore, del frastuono, la seconda invece delle ambientazioni orientali, strumentali ma soavi e ipnotiche. Ed è proprio così che si traduce in musica la proposta dei quattro musicisti, un connubio tra rock e psichedelia che non irrompe mai ma cerca sempre la costruzione ideale di un qualcosa che vada poi utilizzato poco a poco.

I Led Zeppelin gioirebbero ascoltando le parti strumentali di Moment For Breakfast, pezzo che abbraccia i Counting Crows meno irascibili e più d’atmosfera in una visione più alternative del rock ma comunque datata, vintage. The Passenger Seat è il brano più tranquillo dell’EP, con i suoi tempi dilatati e il suo gusto post-metal/post-rock non ci esalta di energia ma preferisce stupire per la sua pacatezza; differente (ancora una volta) dal brano successivo, Fading Past Song, dallo humor più rafforzato e con iniezioni più forti di chitarra elettrica che cambia completamente rotta ad un minuto dalla fine spiattellando partiture funk ben più sofisticate e fuori dai confini rispetto a quanto potevamo aspettarci. Più passano i minuti più è difficile da classificare questo omonimo lavoro fino ad arrivare all’ultima Seize The Day che parte con un lancio che fa sognare territori rock moderni per poi riprendere le trame nostalgiche della precedente Inside Me sfiorando spazi floidiani con tanto di stacchi che spezzano il fiato in un qualcosa che si reinventa ogni volta.

Una proposta sicuramente originale, degna di una band che crede fortemente nelle proprie capacità, non da primo ascolto ma da assorbimento lento per gli amanti di tutto ciò che viene dopo e che non traspare a prima occhiata.

Seid – Magic Handshake

Direttamente dai recessi dei fiordi norvegesi, ecco i nuovi vichinghi: i Seid si presentano a noi con un dosato mix di energia psichedelico-cosmica, in stile Hawkwind. Con un azzeccato lavoro di gruppo, il quintetto produce un disco di sicuro interesse. Potremmo definirlo quasi un concept-album per la complessità delle tracce e per gli attenti arrangiamenti in sede di produzione, tuttavia, nello snodarsi del disco si ha la sensazione che il messaggio che il gruppo intende lanciare resti fra le righe di un discorso interrotto. Probabilmente, la stessa complessità dei brani induce il gruppo a dedicarsi principalmente alla loro esecuzione, piuttosto che alla fluidità dei testi stessi. Eppure l’inizio di Space Pirates Return meraviglia in positivo per la potenza sonora che emana: il basso di Rocket è notevole nella sua cadenza ed anche l’insolito cantato corale rende bene in fase propositiva, mentre il lavoro di Martin è potente e nitido assieme alle svariate chitarre che operano. Arriviamo subito alla migliore traccia del disco: Decode The Glow è un concentrato di stili diversi, che con il suo mid-tempo scorre fluida ed incatena l’ascoltatore al suo snodarsi. Eresia, forse, il ritornare con la memoria a brani storici, ascoltando il brano tuttavia, i continui e repentini cambi di tempo non stonano affatto nel loro legarsi, sfidando chi ascolta a prevedere quale sia lo sviluppo del brano. Come detto è di certo la gemma dell’intero disco, grazie anche alla voce superba di Stina Stjern, che qui collabora ai cori ed al cantato principale.

The Dark Star Is Waiting è la discesa agli Inferi: la voce dell’ospite Asgeir Engan ci trascina in un abisso infinito che incute terrore, grazie alla sapiente distorsione delle chitarre ed alla claustrofobica presenza delle tastiere, che nel refrain centrale si fondono con la sezione ritmica in una “jam” davvero notevole e di forte impatto sonoro che lascia storditi piacevolmente. Ascoltando The True Merry Poppers torniamo ai gloriosi anni ‘60, agli albori del rock: suoni in piena psichedelia, con atmosfere quasi spaziali che si snodano attraverso una lunga improvvisazione strumentale, su cui emerge la voce di un altro illustre ospite, Hans Jorgen Stop, che illumina il brano con la sua interpretazione quasi da “dietro le quinte”, con una opportuna microfonatura cupa e risonante al tempo stesso con il clarinetto di Oyvin Yri. Tron è un altro bel brano: una lunga cavalcata sonora del gruppo, che si cimenta in una sfida strumentale di rara intensità, in cui il cantato di Magnus Robot si inserisce delicatamente solo dalla fase centrale, senza appesantire il percorso iniziato dal gruppo. Le tastiere “spaziali” che inframezzano il refrain centrale collocano il ritornello in una dimensione quasi eterea che pare catapultata direttamente dai primissimi Pink Floyd, sia pur con il loro tocco di sana originalità strumentale.

L’esecuzione di Fire Up! è ancora resa eccellente da Jorgen Stop: in stile più hard, stavolta, il brano si snoda attraverso una lunga costruzione barocca che non dà adito a dubbi circa la matrice del gruppo. Un sano rock’n’roll si miscela a psichedelia a fiumi ed atmosfere cosmiche che d’incanto cessano con uno stacco semplice e d’impatto. Olyok Kok Friebib rende onore al titolo impronunziabile: il coacervo delle voci di tutti i singer ospiti nel brano lo rendono quasi come un muro di suono innanzi al quale l’uditorio deve durare fatica per non restarne sopraffatto. Anche la batteria stavolta è clamorosamente squassante: rendendo il brano quasi una trascinante sinfonia, la coralità delle voci non riesce a contrastare la potenza sprigionata dalla strumentazione, qui davvero a pieno regime anche grazie alla ancor presentissima dose di cosmicità. La concezione di Birds pone l’ascoltatore di fronte al dilemma se considerarlo un “ibrido” di generi oppure un episodio a sé stante: a noi piace propendere per la seconda ipotesi. I samples ed i sintetizzatori di Hemmelig Tempo rendono il brano una gemma che deve restare tuttavia avulsa dal contesto generale del disco: conservando il livello di qualità, il refrain centrale ed il ritornello delicatamente proposto appaiono come una cavalcata quasi “epica” nel suo svolgimento, accompagnati dai bird-samples che rendono il brano davvero particolare, brano che si chiude con un insolito orologio a cucù di allegra estrazione.

Space Rock Dogma è l’unico brano in cui il gruppo torna ad agire da solo: l’originalità della composizione non ne risente, mettendo in evidenza l’arrangiamento ancora valido del cantato. L’interpretazione del quintetto mantiene ancora livelli di qualità, rendendo il brano quasi “facile” nel suo ritornello centrale, su cui dominano senza dubbio le tastiere che indugiano su partiture di classicismo davvero inatteso in questo contesto. Siamo giunti alla title-track: con la sola partecipazione di Martin Skei al sax, Magic Handshake si rivela un caleidoscopio di generi; tutta la strumentazione è impazzita, nello scatenarsi quasi in un singolo assolo all’interno del brano, come a ricordare che comunque il bagaglio tecnico del quintetto non è certo trascurabile. Il tutto, nello svolgersi dei relativamente pochi minuti del brano: che scorre via con disappunto per il vederlo finire in fretta. Sister Sinsemilia chiude degnamente il disco: una lenta introduzione sonora fa da preludio alla seguente intensa drammatizzazione del brano. Le tastiere sono davvero notevoli nel disegnare un’atmosfera di dannazione dell’umana specie, su cui grava il cantato davvero nostalgico che funge da esecutore testamentario delle ultime volontà del gruppo che sono quelle di comunicarci che anche in generi apparentemente ostici all’ascolto come quello di loro competenza, esistono entità musicali come i Seid che saldamente ne tengono alto il vessillo.